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A REDOBLAR |
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Compositores relacionados:
Ayestarán Lauro,
Bonaldi Jorge,
Brum Julio,
Buscaglia Horacio,
Carbajal José "El Sabalero",
Cresci Carlos,
De Moráes Héctor Numa,
Estramín Pablo,
Fabini Eduardo,
Gabay Vigil Marcos,
García Vigil Federico,
Gardel Carlos,
Guerra Pepe,
Grau Anselmo,
Lazaroff Cesconi Jorge,
Lazaroff Cesconi Juan Eduardo,
Larbanois – Carrero,
López Braulio,
Martínez Oyanguren Julio,
Mateo López Eduardo,
Matos Rodríguez Gerardo,
Melo María Elena,
Moráes Urbano,
Muniz Lucio,
Los Olimareños,
Olivera Rubén,
Rada Ruben,
Rodríguez Osiris,
Roos Jaime,
Ubal Mauricio,
Viglietti Daniel,
W. Carrasco – C. Fernández,
Zitarrosa Alfredo,
Los Zucará.
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ABUELOS DE LA NADA |
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Antes de fallecer, Miguel Abuelo le dejó a quién era su esposa (Kristina Bogdan) una cantidad de grabaciones inéditas, junto a poemas y dibujos que habían mantenido hasta entonces en total secreto.
Durante años esas mismas grabaciones fueron celosamente cuidadas por "Krisha" esperándo valla a saber que día para editarlas.
A casi 10 años del fallecimiento de Abuelo, ex-integrantes de la banda decidieron rejuntarse para continuar con la historia del grupo. Los encargados de llevar adelante lo que ellos llamaron "Cosecha ´97" eran Polo Corbella (batería), Gustavo Bazterrica (guitarra), Marcelo Fogo (bajo) y Alfredo Desiata (saxo), con el agregado de que el encargado de la voz sería Gato Azul Peralta, el único hijo que tuvieron Kristina y Miguel.
Realizaron juntos una gira por el interior pero no tuvieron la adhesión que esperaban, por lo que parecía que este sería el final definitivo, laúltima página de un libro que supo ser fuerte años atrás.
Sin embargo, el 9 de Mayo todo pareció cambiar: un show realizado en el Hard Rock Café convocó a muchas personas al punto de que muchas se agolpaban en la puerta simplemente para escuchar temas como "No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí", "Lunes por la Madrugada", "Cosas Mías" o "Tristeza de la Ciudad". Para esta ocasión, había sido invitado también Andrés Calamaro (por el cual también otra cantidad de personas se hicieron presentes), pero su actuación fue decepcionante: llegó tarde porque había presentando anteriormente su nuevo tango compuesto junto a Mariano Mores en el Teatro Opera (donde 12 atrás había subido con los Abuelos), comenzó con la guitarra, cantando "Mil Horas" y luego se limitó a hacer los coros y a participar con su "percusión" (unos palillos).
El show estaba previsto para la una y comenzó a las dos, duró solo una hora, el calor era infernal, qué importaba, los relojes y los termómetros desaparecen en el momento en que se prende el micrófono y las canciones reviven la imágen de Miguel: petacón, con esa melena en la cabeza, sacando pecho y alzando su cabeza cómo si fuera un nene que no puede llegar al micrófono, mirándo quién sabe hacia que horizontes, pero batiendo a flor de la bio su imponente poesía. Había gente grande, pero había jóvenes que no sólo estaban por la precensia de Calamaro, y eso quedó demostrado cuando al término de "No te Enamores..." unos cantitos de cancha vivaron la imágen de Abuelo.
El espectáculo terminó y la normalidad volvió con "Like a Rolling Stone" de Bob Dylan. |
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ADOLFO LANGA |
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Adolfo Langa nace en Sevilla el 24 de Julio de 1977. A lo largo de su corta trayectoria, ha tenido la
oportunidad de compartir escenario con artistas de la
talla de Pedro Guerra , Antonio Vega, Ismael Serrano,
Ariel Rot, así como músicos como Ismael Sánchez,
Manolo Nieto, Benjamín Torrijo, Daniel Galiano, Álvaro
Gandul o Santiago Camps.
En el 2001 y 2002 fue premiado por la SGAE en sus Certámenes de Melilla y Burgos. Finalista además del Certamen Andaluz de canción de autor 2002, celebrado en Jaén. Vencedor en 2003, del certamen de Burgos.
Además de todo ello, decir que Adolfo Langa es
Licenciado en Pedagogía y diplomado en Magisterio.
Actualmente realiza su tesis Doctoral en Psicología
evolutiva y de la educación.
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ADRIANA VARELA |
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Adriana Varela
Desde que comenzó su carrera artística, Adriana Varela ha sabido llevar nuestra música por distintas partes. Ha participado en Festivales Internacionales como el de Nantes, en París y el de Tango que se celebra en la Ciudad de Granada, España.
También fue convocada por Quincy Jones para representar a la Argentina en el “Concert of The Américas”, donde compartió escenario con Paul Anka, Liza Minnelli, Celia Cruz, Tito Puente, Arturo Sandoval, Daniela Mércury, Rita Marley y Kenny G. Todos cantando bajo la dirección de Lalo Schifrin.
Sus continuas presentaciones en la Ciudad de Buenos Aires, la ubicaron en un lugar de privilegio entre los músicos de nuestro país, consagrándola como la revelación de la música ciudadana en los últimos años.
Este reconocimiento la llevó a obtener el premio ACE por dos años consecutivos por los discos Tangos y Maquillaje. Este último tuvo como invitados a Virgilio Expósito y al Polaco Goyeneche.
En el ´94 presentó, en el Teatro General San Martín, su CD “Corazones Perversos”, donde tiene como músicos invitados a Jaime Roos y a Hugo Fatorusso. En el ´95 vuelve al San Martín, pero esta vez, presentando “Grandes Éxitos”.
En el verano del ´96 vuelve a cantar junto a Jaime Roos, en un recital en los bosques de Palermo, convocando a más de 50.000 personas. Ese mismo año editó “Tangos de Lengue”, formado íntegramente por composiciones inéditas de Enrique Cadícamo.
Luego Nueva Dirección en la Cultura lanza el CD “Tango en Vivo”, que incluye entre otros el tango “Cambalache”, grabado en vivo en el Teatro Coliseo en junio del ´96.
En el año 1997 ofreció recitales en distintos lugares del país y fue invitada especialmente al Festival de Teatro de Porto Alegre (Brasil), donde se presentó tres noches consecutivas en el Teatro San Pedro con una notable repercusión.
En el año 1998, realizó varios conciertos multitudinarios en Argentina, y se presentó en Montevideo en el Cine-Teatro Plaza. Este concierto marcó un momento importantísimo en su carrera, ya que por ser la primera vez que se presentaba en el vecino país, el público la recibió con una sala colmada de expectativa y calidez.
En Julio del mismo año, participó del Festival GREC Barcelona ´98, colmando 2 funciones al aire libre en la Plaza del Rey de Barcelona. esta presentación tuvo connotaciones muy emotivas para el público catalán, que la aplaudió de pie.
Adriana Varela, en su primer encuentro con este público vibró intensamente cada uno de sus conciertos y pudo reconocer en ellos no sólo a una audiencia culta y perceptiva sino, por sobre todas las cosas, abierta a lo que cuenta el tango con su música y sus letras.
Durante el ´99 grabó dos discos, importantísimos, uno de ellos fue editado hacia fines del mismo año, y contó con la producción artística del uruguayo Jaime Roos. Este disco llamado “Cuando el Río Suena”, logra unir música de uruguayos y argentinos y tuvo notable repercusión en el público, ya que describe lo más genuino de la cultura rioplatense.
Con la pesentación en vivo de este disco en la Argentina agotó nueve funciones en "La Trastienda" (Buenos Aires) durante el primer semestre del año 2000. Cada una de etsas funciones se transformaron en verdaderas fiestas en donde el público bailó y cantó los ritmos rioplatenses: tango, candome y murga.
Esta en proceso de lanzamiento un nuevo disco que cuenta con la participación de músicos de la talla de Leopoldo Federico, Osvaldo Berlingheri, Néstor Marconi, Rodolfo Mederos y Juanjo Domínguez. Cada uno de estos notables músicos, arreglaron y efectuaron junto a sus formaciones, un repertorio cuidadosamente seleccionado por la intérprete, que incluye temas como “Duelo Criollo”, “Corrientes y Esmeralda”, “Así se baila el Tango”, “Yuyo Verde”, “Pompas de Jabón” y “Fruta Amarga”, entre otros.
Tiene previsto para los meses de septiembre y octubre las presentaciones en Madrid, Roma y Londres.
Participación en films: Adriana tuvo participación audiovisual en secuencias de las películas "Flop" en 1991; "Al Corazón" 1996 con dirección de Mario Sábato y "Plata Quemada" (1999) con dirección de Marcelo Piñeyro. Además su música abre el film "Tango" de Carlos Saura.
La carrera de Adriana Varela, año a año, va recorriendo un camino donde la solidez artística y la búsqueda de nuestras expresiones culturales más auténticas, se entrelazan para enfrentarnos a una artista con características únicas.
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ALFREDO PADILLA (personal) |
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HISTORIA DE LOS TIPICOS DE SIEMPRE
basada en la crónicas apócrifas de Rudolph Ortofemheimer
"Mitos y leyendas pre-porténicos"
El azar, o el destino, o un cúmulo de casualidades, unieron a finales de octubre de 2002 los caminos de tres músicos recién llegados a Santiago: Guitarrista asturiano, Quique Faes, ve cartel de vocalista argentina y telefonea en el preciso momento en que ella toma un café con Alfredo, guitarrista porteño al que acaba de conocer.
De ese encuentro casual los tres se van a una session en casa de uno de ellos, descubren que son capaces de generar feeling musical y montan LOS TÍPICOS DE SIEMPRE, grupo que tan pronto se arranca por lo más granado del repertorio tanguero, como explora el blues, recupera temas del rock argentino o rumbea a Carlitos Romualdo Gardel.
Tras el estreno en un concierto benéfico a favor del Comité Antisida de Santiago celebrado el 29 de noviembre de 2002 en el Auditorio de Caixa Galicia, la banda asturargentina apuró su primer mes de conciertos –diciembre– con un total de doce recitales en los principales locales del circuito compostelano de música en directo, así como en localidades próximas a Santiago. Entre enero y marzo, el grupo ofreció otros 30 conciertos repartidos por Compostela, Lavacolla, Sigüeiro, Villalba, Riveira y Madrid, donde la banda grabó en los tres primeros días de febrero su primer cd, CALLEJÓN”. Se trata de un ‘demo’ de ocho temas –la mitad de ellos propios– grabado en los estudios Moon Pro jet de Madrid, tarjeta de presentación que permitio a la banda programar una primavera/ verano que mantuvo el increscendo de conciertos.
En marzo del 2004 y con Alfredo Padilla como único vestigio de la formación primitiva encara en Madrid, la grabación del 2º Cd dE-VIDA-MENTe iN-CORRECTo nuevamente grabado en los estudios Moon Pro jet con la Produccion Artistica del amigo Jose de la Torre Moya, la operacion tecnica de Alex Tapia y con el bateria Quique Gil "Bart", ya con nueva formación y con mas de 350 conciertos realizados por toda España el músico argentino sigue tocando y misturando tangos, con rock vernáculo, con milongas, blues, rumbas, realizando conciertos con varios formatos de banda y solo en acústico.
El pasado mes de octubre en el teatro principal de Santiago de Compostela se presento la nueva agrupacion con la que se realizan los conciertos en banda Khatru en bajo, Rafa en percusión, Jimmy en batería, Ayelen en voces y coros, y Alfredo en guitarras y voz
Al poco tiempo de llegar a Santiago de Compostela, ALFREDO empezo a tocar todas las semanas en "FONTE SEQUELO PUB", uno de los locales mas tradicionales de la ciudad, en la Zona Vella, un local donde han actuado inumerables músicos de la noche Compostelana y de fuera tambien. Cada miercoles desde hace 3 temporadas y esta ultima se han sumado tambien regularmente los lunes, "EL FONTE" se convierte en una fiesta entre la gente y los musicos amigos que se suman tocando desde el escenario en cada concierto, un hecho que asombra a los que descubren por primera vez la noche de Santiago y que es desde hace años un rasgo tipico de la ciudad.
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ALFREDO ZITARROSA |
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“Lo que queremos es una humanidad justa, una sociedad de hombres dignos de ser hombres entre los hombres. Es decir, en la que haya auténtica justicia, igualdad, incluso en el sentido cristiano; yo pienso en eso. La revolución es un acto de amor a la justicia, de amor al hombre, a la verdad, a la sociedad humana.” [Alfredo Zitarrosa en, Revista Éxodo. Guadalajara, Jalisco, México, 10 de mayo de 1979] |
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ANDY CHANGO |
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Andy Chango nació en Buenos Aires el 27 de junio de 1970 como Andrés Fejerman, pero mutó su nombre cuando decidió encarar su carrera solista. Andy de Andrés y Chango de Superchango, la banda que formó con sus amigos Juan Pablo Absatz en guitarra y voz; Pol Medina en voz, guitarra y piano; Gabriel Boluntieri en bajo y Adrián Maisano en batería y que, en el año 1996, grabó lo que iba a ser su primer y último disco titulado "Superchango". En un principio iba llevar el nombre de "Convulsiones de la infancia", nombre extraído de una trilogía de libros que habían escrito los padres de Andy y Pol, dos neurólogos muy reconocidos, pero luego optaron por titularlo con el nombre de la banda.
Tiempo más tarde, cansado de la Argentina y de los argentinos, Andy decide abandonar la banda y el proyecto de grabar el segundo albúm e irse a buscar suerte a España. Parece que llevaba un trébol de cuatro hojas ya que cuando llegó a la madre patria, gracias a la Clota Ponieman, un amigo, conoció a Ariel Rot y a Andrés Calamaro, con quien ya habia tenido un previa relación en la Argentina, entabló una extraña amistad, ya que sus encuentros consistían en escribir y grabar, grabar y escribir. Este contacto con el Dylan argentino y con el ex-Rodríguez le abrió las puertas para poder empezar a cortar los cardos del difícil camino de la edición de discos y del cielo le cayó un contrato para grabar su primer trabajo solista.
El disco, siguiendo el mismo método de "titulaje" que el disco de Superchango, no tuvo muchas vueltas, simple y homonimamente: Andy Chango. Este cd compuesto por canciones que hablaban de la droga, algunas explícitamente y otras más explícitamente, dio a conocer al poeta-músico-drogón que Andy tenía adentro. El disco, muy cuestionado por los temas que trataba pero incuestionable a lo que refiere al mundo de la música y de la abertura seudo-psiquica (la tan afamada “Honestidad Brutal”) contó con la presencia de músicos como Andrés Calamaro, Fito Páez & Ariel Rot.
Volviendo a su amistad con Calamaro, no se pueden olvidar las columnas "Fin del mundistas" que estos dos artistas solían escribir juntos para el Diario 16 de España que semana a semana iban demostrando la grandeza de ambos.
Luego de su debut solista con el disco "Andy Chango" y durante el tiempo que iba cumplir sus primeros 30 años de vida, ocurrieron un par de acontecimientos no muy agradables, pero si muy importantes a la hora de buscar una influencia de su segundo y súper maravilloso disco: "Las fantásticas aventuras del Capitán Angustia". El propio Andy describió estos acontecimientos: "Aquella semana me quebré un hueso del pie haciendo una pirueta para mis amigos; me pusieron mal la escayola comprimiendo el nervio ciático y el doctor me dijo que podía quedar paralítico para toda la vida; fui a ver a un especialista "montado en mi silla de ruedas" y me dijo que la parálisis era parcial y duraría cuatro meses; salí a festejar que la parálisis no sería permanente y me explotó la bomba de ETA de Callao a cincuenta metros; un oculista me recetó gafas para leer; sufría problemas de amor y, además, cumplí los 30 años y para celebrarlo con los amigos compré 18 botellas de champagne que en el momento del brindis revelaron no tener burbujas". "Las fantásticas aventuras del Capitán Angustia" es un disco alegre que trata temas como la depresión, los problemas de riñón, los dientes amarillos, pero de una manera positiva. Esta producido por el mísmisimo Ariel Rot e incluye temas como "Alegría", "Himno del Capitán Angustia", " El Stress del año 2000" que son una síntesis de los sentimientos de Andy a la hora de escribir las letras y la música del disco.
Chango se esta convirtiendo en lo que los aficionados llaman: ARTISTA DE CULTO. Un artista cuyas letras son mágicas, y esconden pero a la vez muestran los misterios de la buena canción, de la buena composición y del buen gusto. Mucha gente solo conoce a Andy como "aquel drogón que sale por televisión hablando de drogas", pero Mr. Chango es mucho más que eso..., ese "drogón" que cada tanto se sienta frente a una cámara a hablar de las sustancias que consumió y que dejó de consumir, de sus días con el cartel de "demente temporal", quiere informar y empezar a tratar un tema que para la mayoría de nuestra sociedad es tabú, del que todos tienen miedo a enfrentar vaya a saber uno porque razón...
En el año 2001 Andy Chango hizo su debut en la pantalla grande en "A mi madre le gustan las mujeres", película de origen español co-dirigida por su hermana y, al mismo tiempo realizó la canción del film. Esta canción (A mi madre le gustan las mujeres) fue la excusa comercial de Dro para sacar a la venta un disco recopilatorio titulado "Grandes éxitos en familia".
En un momento se dijo que el nuevo disco se titularía "Dinero". "Hice un disco sobre las drogas y nos intoxicamos; hice un disco sobre el Capitán Angustia y nos angustiamos, es hora de hacer un disco que se llame Dinero para que pueda pagar el alquiler". Después se barajó el nombre de "Suerte". Y finalmente quedó el extraño y singular nombre "Salam Alecum!", cuyo significado es "La Paz Este Contigo". El disco se editó con la casa disquera DMM . Recientemente Andy volvió a intervenir musicalmente en dos películas: "La gran aventura de Mortadelo y Filemón" y "Lo mejor que le puede pasar a un croasan", sumando así 3 BSO en su carrera
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ATLÁNTICA |
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Atlántica se convierte en cuarteto en 1998, después de 10 años de actividad como dúo llevado a cabo por Kate Gass y Marcos Bárcena quienes paralelamente trabajaron 10 años con el grupo Luétiga (1988-1998).
Por último, en septiembre de 2003 se convierten en quinteto.
Los componentes actuales de Atlántica son:
Marcos Bárcena: Voz, guitarra, bouzouki, gaita asturiana, gaita gallega.
Kate Gass: Voz, violín, flautas irlandés y travesera, clarinete y requinto, concertina y acordeón diatónica,
Ramón Bueno: acordeón, teclados, requinto y voces.
Míguel Cobo: percusiones , incluyendo pandereta, bodhrán, darbouka, congas, djembé, etc.
Jorge Ibáñez: guitarra y bajo pedal
En sus cinco años de funcionamiento como cuarteto han realizado una intensa actividad:
-Grabación y edición en Mayo de 1999 del CD Transitus del cual han vendido unas 3.000 copias en los 9 meses que lleva en el mercado, editado por la Compañía Nacional Independiente Resistencia.
-Ha sido el único grupo cántabro nominado a varios premios en 1999/00:
1. Premios Amigo en la categoría de mejor álbum, OCT ´99.
2. Premios de la Música en Enero del 2000 en las categorías de Mejor Album de Música Tradicional-Folk, Mejor Artista Revelación, Mejores Productores Musicales y a Mejor Técnico de Sonido (Yuyo Hornazábal).
-Han tocado en prácticamente todos los Festivales Cántabros de Música Folk y en multitud de fiestas y magostas.
-Han actuado en España en las ciudades de Alcalá de Henares, Alicante, Oviedo, Cuenca, Valladolid, Palencia, Madrid así como en Portugal.
-Han recibido encargos para grabación de sintonías, por ejemplo Himno del Racing, para el programa de Telecabarga “La Noche del Racing”.
-Han creado un proyecto dirigido a los niños de 3 a 10 años sobre temática de educación medioambiental encargado por el Aula de Medio Ambiente del Ayuntamiento de Torrelavega.
-Han hecho talleres de bailes europeos en colegios de toda Cantabria desde hace 8 años.
-Han sido invitados a tocar en los conciertos de Radio 3 que se emiten en Radio Nacional de España y en la Cadena 2 de TVE.
-Han sido invitados a un programa musical en el televisión Gallega.
-Han grabado un video-clip con el tema del disco Transitus “Canto a la Mitología” realizado por el director de cine Américo Gutiérrez.
-Han creado una página Web con toda la información del grupo.
-En Septiembre de 1999 empezaron el proyecto de recopilación de Villancicos Cántabros.
-En 1999 se presenta el CD recopilatorio de Cantos del Besaya actividad subvencionada por la Consejería de Cultura del Gobierno Cántabro y dirigida y realizada por Marcos Bárcena.
-Marcos representa a Cantabria en el Festival Internacional de la Gaita de Orejo en Septiembre de 1999.
-Viajan al festival internacional de St Chartier, Francia para promocionar su CD, donde Marcos y Ramón obtienen el 3º Premio en el concurso de dúos instrumentistas.
-Marcos y Kate colaboran con el Teatro Abrego en los espectáculos escénicos:
La Leyenda de los Besos (1998), Bésame Mucho (estreno en Marzo del 2000) y De Corazón a Corazón (se estrenará en Mayo del 2000).
-Estamos invitados este años 2000 a actuar en la sala del asociación Tradicionarius en Barcelona, el festival de Segovia, festival celta de Logroño, Festival Celta de la Senda del Oso en Asturias, en Vigo, en Ponteceso Galicia, en Burgos, festival celta de Soria, Festival Celta en Narahio Galicia, mas unos cuantos festivales aquí en Cantabria.
Para ver las actividades paralelas que llevan a cabo sus participantes, consultar sus curriculum individuales.
Kate Gass
Empezó sus estudios musicales a los cinco años aprendiendo solfeo y flauta dulce. A los ocho años se inició en la carrera de clarinete, estudios que abandonaría a la edad de catorce años poco antes de finalizar el graduado.
Decide en 1974 dejar los estudios musicales durante un largo período de tiempo para dedicar su actividad como estudiante de preparación universitaria. No obstante, la música sigue siendo su principal afición, y opta por aprender a tocar la guitarra clásica y canto tradicional.
En 1981 obtiene la diplomatura en Ciencias de Medio Ambiente, por la Universidad de Lancaster, y en 1983 se licencia en Ingeniería Agrónoma con la especialidad de Planificación del uso de Recursos Naturales (Instituto de Tecnología Cranfield). Paralelamente a estos estudios, con su afán de aprender y explorar nuevas vías creativas, aprende a tocar la flauta irlandesa, la concertina y el violín, entrando pronto en contacto con las llamadas Sessions o reuniones de músicos en los pubs donde se reúne gente interesada en este tipo de música para tocar y compartir un rato social.
Su primer contacto con el público es participando en un grupo de danzas (Red Roses Morris Dancing) donde actúa como danzante y posteriormente como animadora de baile.
Una vez obtenida su licenciatura, viaja por casi todos los continentes desarrollando proyectos de desarrollo e investigación en el tercer mundo en la especialidad de fomento de recursos naturales. De 1982 a 1984 estuvo contratada por “The Commonwealth Secretariat” Londres encargada del desarrollo de redes educativas entre países afiliados, tratando temas como agua potable, mineros, desarrollo medioambiental de costas tropicales. Después, 1984 a 1986 estuvo contratada por “Intermediate Technology” una ONG británica, para buscar y desarrollar pequeños proyectos mineros en Botswana y Malawi, y escribir un proyecto tratando del tema de las mujeres en las minas del 3º mundo. De 1986 a 1987 trabajó por una empresa privada dedicado a estudios de Impacto Medioambiental, dedicando su tiempo a participar en varios estudios incluyendo: impacto de monocultivo forestal; impacto del “channel tunnel”, desarrollo dentro de la impresa un sección de estudios de impacto medioambiental en los países de desarrollo.
En 1987 defraudada por el trato institucional de temas medioambientales, se desplaza a Australia permaneciendo seis meses en el Continente retomando sus aspiraciones profesionales. Allí entra en contacto con grupos de folk, y realiza su primer concierto con uno de ellos .
En 1988 acude al festival internacional de maestros luthiers y músicos de Saint Chartier (Francia) y conoce a Marcos Bárcena con el que decide compartir su actividad profesional y emocional, tras instalarse definitivamente en Cantabria (España).
Desde entonces han desarrollado una importante labor de difusión de la música tradicional cántabra como componentes del grupo folk LUÉTIGA en la etapa 1988-1998, compaginando esta actividad con la de dúo independiente bajo el nombre de ATLÁNTICA, realizando recitales de música celta y llevando a cabo un proyecto pionero en Cantabria denominado ANIMACIÓN DE BAILES POPULARES. Este espectáculo está especialmente diseñado para público infantil.
Marcos Bárcena
Su formación musical se puede considerar autodidacta habiendo compaginado su aprendizaje con otros estudios al margen de la música. No obstante, ha recibido clases de guitarra de músicos de la categoría de Quíu Herrera en la escuela de música moderna Vargas 47 de Santander y armonía musical de la mano de Antonio Gamaza Vázquez (Profesor en la escuela de música moderna, Barcelona) y Javier Gonzalez Sainz (harpista).
Su afición por la música tradicional, comienza a mediados de los años ochenta, desplazándose a diversos festivales nacionales e internacionales de folk, donde entra en contacto con músicos aprendiendo diversos instrumentos y estilos de música popular.
En 1992/1993 sacó el título de capataz forestal, en la Escuela de Capacitación Agraria, Cabezón de la Sal .
Sin embargo, su carácter inquieto y rebelde ha hecho que nunca se haya preocupado demasiado por la obtención de títulos ni galardones, gozando de una destacada reputación en la escena folk de Cantabria, fruto del esfuerzo y el trabajo en las distintas formaciones donde ha participado.
Su primera aparición en público, fue en febrero de 1985 en el pueblo de Cóbreces, donde interpretó acompañado por Luis Alberto Hoyos (guitarra ) varios temas populares con su primer instrumento, la flauta irlandesa .
Al año siguiente adquiere su primera gaita de fuelle, y en pocos meses empieza a tocar en público compaginando su faceta de gaitero con la de aprendiz de guitarrista.
En 1986 forma su primer qrupo estable que se llama Magosta comenzando su andadura por el entonces difícil terreno de la música folk
Dos años más tarde, en 1988 conoce a Kate Gass, en el Festival Internacional de Saint Chartier (Francia). Kate viene a España, y desde entonces deciden compartir juntos su vida y su actividad profesional creando el dúo Atlántica, compaginando recitales con la animación de bailes populares con la ayuda de los danzantes Miguel Cobo y Estela Baños. Esta última actividad es especialmente desarrollada en escuelas infantiles.
En 1991 ganó el 2º premio como gaitero en Francia en el prestigioso festival europeo; Recontres Internacionales des Maitres – Sonneurs de Vielles et Cornemuses, repitiendo en 1998, ganando esta vez el 3º premio, y ´99 ganando el 3º premio de dúos, con Ramón Bueno.
Al margen de su actividad musical con Kate y paralelamente a esta etapa contacta con su viejo amigo el pianista y compositor Miguel Regal, alma del grupo Amaltea y juntos preparan un repertorio variado constituido por versiones de viejos clásicos, folk, ragtime, gospel, blues y composiciones propias. Este proyecto llamado ”Los Dos“ sirve a Marcos para entrar en contacto directo con otros géneros musicales y tendencias que enriquecen su formación posterior, especialmente en lo referente a la voz ya que la mayor parte del repertorio son temas cantados. Hoy en día está desarrollando un trabajo con Antonio Gamaza, de fusión de música popular y jazz.
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En 1995 Atlántica graba su primer LP titulado “Atlantica, música celta y de otros países del Atlántico” editado con el sello Several Records de Madrid.
Paralelamente a esta actividad entra a formar parte del grupo Luétiga desde 1989 con el que ha trabajado diez años y editado tres CD´s (La última cajiga 1992, Nel el Vieju 1994, Cernéula 1996). Participó también en el espectáculo Misa Popular Cántabra obra del compositor Nobel Sámano, junto a la coral Salvé de Laredo, Coro ronda de Camargo y Grupo de danzas del Barrio Covadonga.
Al margen de la música, pero en relación al espectáculo, es importante citar la actividad que Marcos desarrolló con la disuelta compañía de teatro de títeres “Historias del Muro” a finales de los ochenta, la cual abre las puertas al mundo infantil. En 1991 organizó el primer festival de títeres en Torrelavega.
Actualmente, Marcos Bárcena es además profesor de gaita y de guitarra en la escuela municipal de folclore de Cabezón de la Sal. En Setiembre de ´99 presentó el proyecto de investigación y recopilación de cantos populares en el valle del Besaya, bajo el patrocinio de la Consejería de Cultura del gobierno Cántabro.
En 1999 representó a Cantabria en el Festival Internacional de Gaita de Orejo.
Ramón Bueno Fernández
Teclados, acordeón y pitu (requinto). Comienza su andadura musical, a los 8 años, como piteru. Aprendió en la escuela de folclore de Cabezón de la Sal con José Ángel Velasco. Forma pareja con su hermano dos años mas tarde (piteros de Ruiloba), llegando a representar a Cantabria en el Encuentro de Clarinetistas Europeos en Bretaña (1989). Continua su aprendizaje musical estudiando acordeón de la mano de Patricio Fernández (Acordes Cántabros) y en el Conservatorio de Barcelona. Obtiene el premio de acordeón Reina Sofía a los 14 años. Actualmente se encuentra finalizando sus estudios de piano en el Conservatorio Jesús de Monasterio de Santander. Es organista en la iglesia de Comillas. Colabora con diferentes corales, especialmente con el Coro Parroquial de esta villa. En 1991, de forma involuntaria, hace la mili, y el sargento Guti le cambió el fusil por la corneta. En 1994 forma el grupo Zaina interpretando sus propias composiciones. Por entonces ya existía una amistad con Marcos y Kate, con los cuales solía reunirse para tocar, descubriendo que existía una afinidad. En 1997 se une a Atlántica en su nueva formación de cuarteto.Miguel Cobo Díaz
Percusiones (panderetas, bodhrán, djembé, darbuka, congas, etc) y monitor de bailes cántabros, especializado en danzas del mundo. Comienza a tocar pandereta por tradición familiar, las demás percusiones de forma básicamente autodidacta. Empieza a trabajar junto a Atlántica en 1992 como animador de bailes, integrandose al mismo tiempo como percusionista en Atlántica. Por otro lado crea en 1996 la asociación Escarpináa dedicada a la difusión de las danzas del mundo, su muestra y enseñanza. Fue miembro de los siguientes grupos: Cuarteto Macario desde su fundación en 1995 y Vagalume desde 1998.
Paralelamente lleva estudiando el profesion de monitor medioambiental, hasta ahora ha participado en los siguientes cursos de preparación:
-Animador socio cultural (Gobierno de Cantabria) 1992.
-Monitor de educación ambiental ( INEM ) 1992.
-Animación sociocultural (UNED) 1994/95.
-Monitor Forestal (Instituto Investigaciones Ecológicas) 1997
Miguel Cobo Díaz
Percusiones (panderetas, bodhrán, djembé, darbuka, congas, etc) y monitor de bailes cántabros, especializado en danzas del mundo. Comienza a tocar pandereta por tradición familiar, las demás percusiones de forma básicamente autodidacta. Empieza a trabajar junto a Atlántica en 1992 como animador de bailes, integrandose al mismo tiempo como percusionista en Atlántica. Por otro lado crea en 1996 la asociación Escarpináa dedicada a la difusión de las danzas del mundo, su muestra y enseñanza. Fue miembro de los siguientes grupos: Cuarteto Macario desde su fundación en 1995 y Vagalume desde 1998.
Paralelamente lleva estudiando el profesion de monitor medioambiental, hasta ahora ha participado en los siguientes cursos de preparación:
-Animador socio cultural (Gobierno de Cantabria) 1992.
-Monitor de educación ambiental ( INEM ) 1992.
-Animación sociocultural (UNED) 1994/95.
-Monitor Forestal (Instituto Investigaciones Ecológicas) 1997
Jorge Ibáñez
Es la última incorporación al grupo ATLANTICA. A pesar de su juventud este músico de Camargo posee una importante experiencia en el campo del folk, primeramente en el grupo Dujo que se creó en el 1996 y despues en Cambera´l Cierzu, grupo formado en el 1998, y con el que ha publicado dos discos. Además con esta formación obtiene el primer premio al mejor grupo folk en el concurso Cuarto de los Valles de Navelgas (Asturias) en la edición del año 2002.
Con un estilo de guitarra acústica en afinación DADGAD (Re abierto) al tiempo que utiliza la pedalera de bajos, Jorge tiene una gran reputación como guitarrista fino, seguro y potente.
Compagina su faceta de músico con los estudios de telecomunicaciones en Santander
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BANDA JOVEN |
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BANSHEE |
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Banshee se forman en algún momento entre el fin de 1997 y el principio del 98 con Marcos Regato (ex –Dressed in Black) a la batería, Raul Serrano (ex –Anger Tears) al bajo y Carlos Rodríguez (Salamandra) a los teclados, uniéndose en cuestión de días Javier Prieto (Mordor) a la guitarra.Desde entonces Banshee han ido recorriendo diferentes escenarios de la región, Lierganes, San Román, Torrelavega, donde participaron en la primera edición del Festival de Rock Cantabro, etc.
El logro más reciente de Banshee ha sido ganar la final del 1er Concurso de Música Joven de la Diputación de Cantabria, en la sección Metal, dotado con trescientas mil pesetas de premio, además de la participación en la grabación de un CD de próxima edición con el resto de los finalistas de dicho concurso. |
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CARMEN PARÍS |
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Després de vendre més de 40.000 còpies del seu disc de debut Pa mi genio, Carmen París presenta ara a la sala Luz de Gas de Barcelona un nou treball sota el títol Jotera lo seràs tú. En aquest disc, la cantant aragonesa inclou onze cançons en què barreja la jota amb la salsa, el folk, les havaneres i, fins i tot, el xotis. Entre aquests temes, destaquen composicions com ara "Cuerpo triste", "Zaragoza la Romana", "Guaraní" i "Para que tú me oigas", un tema que va compondre amb motiu de l'homenatge a Pablo Neruda. La gran majoria de les cançons d'aquest treball són obra de Carmen París, amb qui han col·laborat Marc Parrot, Eliseo Parra i Tino di Geraldo, entre altres músics.
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DAVID BROZA |
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David Broza is not like any entertainer performing today. Transcending national and artistic boundaries, this guitarist-composer sings in English, Hebrew and Spanish -- and with his flamenco and salsa-tinged folk-rock melodies and keen talent for breathing musical life into sensual snippets of poetry, Broza is a formidable musical force of nature. He commands and captivates his audience heart, mind, soul and gut. "Even when he performs solo, the way he finger-picks and drums on that guitar at the same time, you'd think there were five people on stage," declared one music biz exec. Hollywood Reporter says that Broza "brings a powerful amalgam of influences to his work and commands the room with intensity." A critic at the Baltimore Sun writes, "Broza draws on old folk-rock and then adds urban passion?€¦he is a captivating, compelling performer who masters his guitar into submission." Critics have labeled him as a post-modern Leonard Cohen, the Stevie Ray Vaughn of folk rock, the Mel Gibson of rock n' roll, the Bruce Springsteen of Israel -- and all five Gypsy Kings rolled into one! His performance career includes headlining with Paul Simon, Bob Dylan, Van Morrison, Jose Feliciano and other superstars in Israel's yearly Masada concert and other special events, dueling guitar solos on stage with Sting, performing at the Rabin Memorial in Madison Square Garden at the request of President Clinton -- and giving time and song to his appointment as goodwill ambassador for UNICEF and other humanitarian causes. A modern-day troubadour traveling the globe with his unique blend of urban folk rock, the world of David Broza is passionate, dedicated and unique.
He became a superstar in his homeland of Israel by his early 20's with his quadruple platinum debut album The Woman By My Side. 16 gold, platinum and multi-platinum releases later, his American debut album Away From Home featured an all-star lineup of musicians including Sting/Weather Report drummer Omar Hakim and Spyro Gyra saxophonist Jay Beckenstein. Containing a wealth of diverse cultural influences, Away From Home was praised by the New York Times as one of the best pop albums of the year. Time of Trains and Second Street, his second and third American releases, gained him recognition as one of the most important voices on the international music scene. Live concerts recorded at the Masada in 1993 and 1999 with impressive guest artists both resulted in platinum albums. With 19 albums to his name, his latest Spanish language record, Isla Mujeres was released this year in Spain and is gaining him superstar recognition. An English version, Spanish Heart, was released in Fall 2001.
"David's music came into my life some years ago when I was a staff lyric writer with Columbia Pictures Music. A songplugger there had given me a demo tape of some of his songs (which later become part of one of his records). I listened to the tape, loved it but somehow misplaced it and forgot his name -- and the person who gave it to me left the company and "disappeared." A couple of years later I ran across the tape while I was packing to move, and I passionately played that tape of 5 songs the entire week I was packing. At the end of the week, my friend Bette Sussman called me up and said she was having a small dinner party the next night and thought I should meet one of her guests in particular. I asked who it was, and she said David Broza! I went to the dinner with the tape, handed it to him when I walked in and said, "if you're the guy who wrote these songs, you gotta let me write some lyrics for you!" Several years and a whole bunch of co-written songs later, David remains one of the very few artists I've worked with who conjures words from me the very moment his fingers touch his guitar. That's a particular magic I hope to never lose the privilege to experience -- combined with the privilege of knowing David and his family. They are all truly remarkable, golden people."
- Terry Cox [website]
"I met David Broza sometime in 1994 or 1995, when one of my poems had been turned into a hit song by Sheryl Crow. It was called "All I Wanna Do," and it ended up winning a Grammy for Record of the Year. David was the only other person I knew who turned poems into songs, and we ended up sitting under a tree on a warm July day in Vermont, trying to find another poem from my book he could make into music. We finally got something going with a poem called "Opal, Wyoming," which he turned into a song for his Stonedoors album, called "A Night in Wyoming." We added one line to each of the existing stanzas so that the words would work with the music he had composed on the spot.
"I have now had more than a dozen of my poems turned into songs, but none of them match the beauty of "A Night in Wyoming." Whenever I'm out of town, my fiancee, Shawna Parker, puts that song on the stereo to remind herself of me. I think that's the highest compliment anyone could make of what David did to my poem."
- Wyn Cooper
I am uninspired! Nothing comes to mind…
I am sitting in a spacious stark office overlooking 3rd Ave. in Manhattan, my guitar is in NJ, my mind in Madrid, my soul wants to be in Tel-Aviv and tomorrow I will be playing in Austin TX. I am asking myself how did I get so far? I have been writing songs since 1977. Until the day when I set my mind to write or compose my first song I had no illusions of becoming a musician.
Sure I played the guitar, I figured out chords for Dylan songs, John Denna, Hendrix, Joni Mitchell, the band Jackson Brown, Otis Redding, James Tylor, Juan Manuel Serrat, Paco Ibanez, Cecilia, Lole and Manuel, Shalom Hanoch, Mati Kaspi, and many others.
Never had I even contemplated becoming a professional musian or song writer, so here I am twenty four years later, with over two hundred published songs and I am thinking to myself how has this happened?
I was always artistic since the age of 10 I remember myself drawing and painting. I was always drawn to the solitary environment of the artist. I loved putting myself in front of blank paper and creating my own world of color and images.
I would lose sense of time and place even when my friends would call out to me from the street on which I lived in a small neighborhood in Tel-Aviv. I just loved being in my own world.
When I was almost twelve years old my parents moved to Madrid Spain this was a big change I think during that first year in Madrid I became connected with my deeper sense of myself.
I was in a new country having to learn two new languages simultaneously, Spanish and English no friends to hang out with I was confined to my room for most og the hours of the afternoon and then many hours on weekends. But my father bought me an easel and new paints and I just loved creating with them. As a diversion from painting I would play a daily game of chess which I found in our Israeli newspaper "H'aaretz" that got delivered to us daily.
This lonely environment taught me to connect when I sit down with songs. When I try to think what inspires me I tend to refer more to "how I get inspired" and from the "how" I go to "what". The time in my life when I was still pre-matured becoming a person for this is because the feelings and emotions inside of me today are the same basic ones as in those days. I always feel them they never leave me and then I write music and then perform it those feelings evoke my passion I think sadness in an early age has a very lasting effect in a person's life.
On to part II (The Artists) >>>
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DOCTOR BLUES |
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A todos los Music@s que a lo largo del tiempo han colaborado y
han tocado conmigo:Todos mis compañeros de los ONICES:
Javier Ceballos,
Jose Ramon Cadenato,( Txerra)
Luis Angiano,
Tony - Jose Antonio Mendiguren.
THE LIFE: Ramon Carreño, Pompeyo y Cota
Una mencion especial a INSTRUMENTOS JOMADI, Por que sin su ayuda, muchas bandas de los 60 no hubieramos tenido un instrumento, ni estariamos en el mundo de la musica hoy en dia.
Dani Drumer primer bateria de Dr.Blues Band.
David Nanclares primer bajista de Dr.Blues Band
Javier de Lario bateria de BILBOBLUS
Juan Carlos Ramos Guitarrista de Bilboblus
Fernando Lete, Gonzalo (Eric Berton), Jose, Moreno, Richard bajistas en Bilboblus y Valentin Larrañaga; Saxo de Bilboblus
Marta Diaz - pianista
NEREA - Cantante
Valentin Kañon - Bateria
A los hijos de Txuska del Bar Hank; Jorge: bajista y Natxo :bateria
Y demas amigos/as:
Fidy,
Carlos Creator,
Edu Montoya,
Jose Eskartin, Aitor Roman de Shot of Blues
Yves Laurent de la Papa Blues Band
Todos mis amigos de la YELLOW DOG,
CATFISH LOUIS,
ARIMA BELTZA, etc.etc
A todos los .que habeis estado conmigo y me "Habeis Aguantado" ,
A todos los amig@s que nos habeis dado cuartel siempre:
Pedro SOROA, Alberto ROCK&ROLL
TXUSKA - BAR HANK
Todos esos musicos desconocidos que habeis colaborado en las Jam Sessions de diferentes locales y me habeis invitado a tocar con vosotros en el escenario.
A todos los dueños de locales, bares ,pub, salas, etc. que nos invitais y habeis invitado a tocar. GOTXON
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EMPTY HEAD |
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En 1994 Nicholas Moramarco llega a Cantabria con una beca para traducir un libro de poesía. Durante este mismo año conoce a FedeValbuena y a Patricia Gonzalez y les enseña unas canciones que tenía y casi instantáneamente se forma Empty Head. Inicialmente tocaban con dos guitarras españolas y dos cantantes (Nico y Patricia) y un tambor irlandés tocado por Nail Klerkin. Se forman bajo el nombre de Bloque 5 (el edificio donde vivía Nico y donde pasaban muchas tardes y noches cantando y componiendo). Después de dar un par de conciertos les invitan a unos programas de radio local dónde pinchan la primera grabación (grabado con Chema Soto en su habitación un poco de prisa y sin muchos arreglos pero representativo) y les informan que existe un grupo muy conocido llamado Bloque. Inmediatamente Nico decide cambiar el nombre del grupo. Moramarco es conocido entre sus amigos por tener una lista interminable de nombres para grupos. Escoge el nombre "Empty Head"- término que lee en el libro "The Dharma Bums (“Los vagabundos del dharma”) de Jack Kerouac- porque surgía en los momentos en que los protagonistas estaban gozando plenamente del presente sin pensamientos ruidosos para distraerles. Decidieron buscar un sonido un poco más grande e incorporaron batería, bajo, guitarras, y ampliaron el sonido en general. Los componentes originales fueron: Nico,Patricia , Fede, Paul Myatt (batería), Pancho Cubría (bajo), y Alex López (guitarra eléctrica). El primer concierto con el nombre Empty Head fue una noche inolvidable. Fue así por varios motivos- uno de ellos fue que no tocaron. Era la noche de Halloween y habían preparado el entonces bar “Bar rock co” con motivo de calabazas, telas de araña y demás. Se iban a disfrazar y también los asistentes estaban invitados a disfrazarse. Llegaron incluso a ensayar en el bar las dos noches anteriores al concierto (bebiendo aprox. 3 cajas de cerveza) y todo iba según el plan. Llegó la noche y gracias a que habían salido en el periódico, se enteró mucha gente… ¡hasta la policía!. Con todo montado y el bar lleno de gente disfrazada (en pleno octubre) llega el aviso de que no se podía tocar- que había una denuncia y que el bar tenia que sacar un permiso- costando mucho dinero y tiempo. Estupefactos y frustrados se marcharon sin tocar.
Después sigue un largo periodo de conciertos por Santander y alrededores (en bares como el Up, Metro, Bolero, Canela y Ave Turuta ) culminando en 1997 con un tema incluido en el disco "El Sonido de la Costa Norte" grabado por Juanjo Respuela. Grabaron mas cosas con Juanjo pero nunca se editó nada. También grabaron un directo en el Soto bar que sigue por allí en cintas. En este periodo tocó gente como Andy Lowe, la primera aparición de Scotty Ray Bango y Julian Fernandez Saro.
1997-2001En ésta etapa Empty Head tuvo que tomar las cosas con mucha calma y parar varias veces por motivos de cambios en el grupo. Pancho y Patricia se marcharían y tambien se tendría que ir Paul Myatt de vuelta a inglaterra dejando a Nico, Fede y Julián para reconstruir el grupo. Cogieron a Scotty Ray como bajista pero él también se tendría que dedicar a otras cosas dejando el grupo sin bajista. El sonido actual del grupo se debe mucho a la incorporación de Roberto Sanchéz como bajista y vocalista (y luego productor y compositor) junto con Nico y Julian. En este periodo se unieron a Chema Torre de FAK records y sacaron el primer trabajo oficial del grupo "Ethnic Climax Frenzy (2001) grabado en los estudios Vumeter de Cabezón de la sal con Javeta como productor junto con el grupo. Tristemente la salida del disco coincidió con el trágico fallecimiento de Fede Valbuena dejando todos de piedra ya que aparte de ser un gran músico estaba muy unido en amistad a Nico y muchísima gente. Hoy en dia Nico se refiere a esa gente como "Comando Valbuena" y a veces toca bajo ese nombre.
Recobraron fuerzas y decididos a seguir haciendo música fueron promocionando el disco por Cantabria con la ayuda de Javi Ibañez (Poetas en la calle). El resultado del disco fue sorprendente incluso para los propios miembros del grupo. Lograron un sonido dulce y fresco que siguen trabajando hasta la fecha. Durante la grabación se incorporaron Jaime Fresh (saxo) y Luisa Bahillo (violín). El disco solidificó la relación con Empty y FAK y permitió que empezaran a trabajar en su segundo trabajo casi de inmediato.
2002-presenteGraban "Basic Things" en A-Lone Muzik studios de Santander-(el estudio de Roberto) en el verano del 2002 y salió a la luz en mayo del 2003- con un vídeo incluido grabado por Josechu Izquierdo (Versovisión) y editado por FAK Records diseñado por: Chema, Nico, Jesús Torres Macho (Chami), Esther Alonso, Eva Gutierrez, Bruno G. Setién y Russell Cobb ( www.russellcobb.com ).
Se han incorporado Luis del Barrio (bajo) y Marcos Villaverde (guitarra) al grupo. Roberto Sanchez ahora toca los teclados.
Actualmente Empty Head está preparando un disco en directo y componiendo canciones para su próximo trabajo.
Empty Head tienen grabados dos discos en estudio, "Ethnic Climax Frenzy" y "Basic Things". Además tienen un tema en el recopilatorio "El Sonido de la Costa Norte" y varias grabaciones inéditas.
En la actualidad están preparando un disco en directo, que se publicará a lo largo del año que viene.
Su último disco, "Basic Things", se publicó hace unos meses y ahora están dando a conocer sus canciones a la mayor cantidad de público que les es posible.
EMPTY HEAD: "Ethnic climax frenzy". FAK Records. 2001
El disco debut de Emtpy Head parece tocado por la magia... En 10 canciones lograron capturar optimismo, melancolía, frescura, dulzura y un aire íntimo y acogedor.
Predominan las melodías, las letras nada vacías de Nico (se evidencia su pasión por la poesía) y una variedad musical muy natural. Pero sobre son canciones que gustán a la gente con facilidad y que se mantienen con el paso del tiempo.
Fue grabado en el verano del año 2001, en los Estudios Vumeter, con Javier "Javeta" y Manuel Cabaniñas como técnicos de sonido.
EMPTY HEAD: "Basic Things". FAK Records. 2003
En el segundo trabajo las canciones profundizaron en la variedad musical, acentuando los aires reggae en temas como "The Basic Things" o "Samsara" y alcanzando un lirismo muy alto en cortes como "The Place where the dogs go" (que recuerda a la parte más melódica de los Beatles) y "Victoria hold on".
"Basic Things" demuestra que la aftmósfera conseguida en su debut no fue casualidad y que la banda tiene un estilo personal que es capaz de desarrollar en nuevas canciones.
Además el título, "The Basic Things", recoge perfectamente la filosofía de su música: canciones para disfrutar de las cosas sencillas de la vida.
El disco fue grabado en A-Lone Muzik Studio (Santander) en julio del año 2002, con Roberto Sánchez y Borja Blanco como técnicos.
Empty Head son una banda en continuo crecimiento. Cuando llegaron al estudio para registrar su primer disco eran un cuarteto: Nicholas Moramaro (guitarra y voz), Roberto Sánchez (bajo, teclado y voz), Julián Fernández (batería y percusiones) y Federico Perez Valbuena (guitarra española). Sin embargo dos de las personas que fueron a colaborar en la grabación, el saxofonista Jaime Fresh y la violinista Luisa Bahillo, pronto se unieron al proyecto y ahora el sonido del grupo es imposible de imaginar sin la aportación de esos dos instrumentos.
Un desgraciado accidente laboral se llevó a Federico. Su lugar para la grabación del nuevo trabajo fue tomado por Scotty Ray Bango. En ese momento el grupo estaba ya asentado como sexteto. Pero de cara a los directos han vuelto a aumentar, con las incorporaciones del trompetista Josep Görtz, el bajista Luis del Barrio y el segundo guitarrista Marcos Villaverde. Con esto su sonido ha crecido aún más y ahora son toda una banda que desarrolla los directos con frescura, entusiasmo y madurez.
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ESFERA AUDIOVISUAL |
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EVA Y ANDRÉS |
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EVA DE GOÑI y ANDRÉS MOLINA llevan desde 1998 trabajando juntos. En Noviembre de ese mismo año se trasladan a Madrid.
Actúan en salas como el LIBERTAD 8 (de donde saltaron a la fama muchos de los cantautores jóvenes con más éxito en la actualidad), CLAMORES, GALILEO GALILEI, CAFÉ DEL MERCADO, GARIBALDI..., de Madrid; además de recorrer el resto del Estado.
Todos los miércoles interpretan una canción suya, compuesta sobre un tema de actualidad para la sección "Los Juglares" del programa de TELEMADRID RADIO, "Madrid En Comunidad", dirigido y presentado por el prestigioso periodista Curro Castillo.
"No serás tú", con letra de Eva y música de Andrés ha sido incluida en el último disco de JOSE MANUEL RAMOS, editado por la compañía MUXXIC.
Su tema "El son del bienestar" está incluido en el disco "SIEMPRE SONRIENDO" del grupo canario TROVEROS DE ASIETA.
Uno de sus temas se incluye en el último trabajo de CRISTINA DEL VALLE (ex AMISTADES PELIGROSAS).
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FALTA Y RESTO |
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1980
Prólogo
Esta es la prehistoria de un sueño. Comenzó a escribirse hace más de cien años, cuando la primera murga uruguaya rompía el silencio de la noche estival de principios del siglo pasado.
Quien relata es quien la imaginó y es parte de ella, por lo que la registró y la cuenta desde su propia óptica.
Es quien ha escrito la gran mayoría de sus textos y uno más de los que la reinventan todos los años.
Si alguien tiene algo que decir, que hable ahora o calle para siempre.
Tintabrava
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1981
Para abrir la noche.
capítulo 1
Es una cerrada noche de Junio del 80. Noche de dictadura.
Oscura, asesina. En un boliche del centro, le propongo a Hugo Brocos juntar un grupo de veinte muchachos y sacar una murga para abrir la noche. Nunca habíamos salido en carnaval, pero los dos integrábamos murgas amateurs: Los Penados Mercantes y La Mezcolanza. Convocamos a respectivos amigos y empezamos a ensayar en la Asociación Cristiana de Jóvenes. Tal vez por eso Dios pone a Ovidio Cabal en nuestro camino. El se encarga de guiarnos. Como el Fénix, desde las cenizas de un sueño de libertad, comienza a volar el sueño de una muchachada increíble:Peter Panaro, Aníbal Pazos, El Gallo Todeschini, El Zurdo Bessio, Julio Julián, Roberto García, El Tigre Steiner, El Mestizo Arismendi, Ricardo Fontana, El Negro Grazzano, El Gallego Arakistain, El Canario Luna, El Negro Pelé, Ronald Arismendi, el Loco Duncan, Miguelito, y tantos otros que bajo la dirección escénica de Tito Bossio, experimentado carnavalero de la época, salimos a sacarnos el berretín desde la sede del glorioso Club Atlético Fénix.
Escribo yo, de atrevido, porque no hay otro.
Desde el primer tablado el vestuario de Julio Martínez, rojo, negro y blanco, le da sus colores distintivos a la murga.
Las músicas elegidas, casi todas con letras originales prohibidas, y la forma de decir y de cantar entre joven y experimentada, le dan su impronta propia. Bautizada por Tarzán García, nace Falta y Resto, voz del truco criollo que se da cuando parece que el partido está perdido. Cuando lo único que queda es jugarse el todo por el todo.
Para la gente, simplemente La Falta.
Termina su primer carnaval y no se calla. Suma su canto a tantos y empieza a trillar por los actos de música popular, las cooperativas de vivienda, los sindicatos clandestinos, los barrios de la resistencia. El pueblo la bautiza “La murga de las cuatro estaciones”.
Como corolario de un año de gestación, graba su primer disco para el sello Sondor: Falta y Resto.
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1982
El canto de barrio en barrio.
capítulo 2
La lucha contra la dictadura se consolida.
La censura ataca y prohíbe casi todo el repertorio. Idas y venidas, interrogatorios coercitivos y al final, salimos leyendo la nueva letra recompuesta en 24 horas. El éxito es mayor de lo previsto. La gente es cómplice de la transgresión y festeja. Cada actuación es referencia política y cultural. Crece el circuito de carnaval y las actuaciones solidarias. La murga responde en los dos frentes y vuelve a marcar diferencias con un espectáculo unitario por primera vez en la categoría: las cuatro estaciones.
Graba su segundo LP: El canto de barrio en barrio.
Aparecen en el plantel el Mono Orlando y Walter Venencio, que rápidamente se convierten en referentes creativos. También entran entre otros Darío Otorgués y Pocholo Bessio. Debuta en la dirección escénica Julio Julián, que además aporta La Manopaloma. Un Maestro.
Sigue Julio Martínez asombrando desde el vestuario.
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1983
Murga La...
capítulo 3
Se acerca la libertad y la murga se burla de la censura, que no se da cuenta del engaño que la ridiculiza. Hasta llega a felicitar, antes de ver la puesta, al autor del cuplet de la murga que no existe. Ironías de la necedad.
Grabamos el tercer LP: Murga la...
Este cuplet determinaría el estilo creativo de La Falta de allí en adelante. Buscar mecanismos nuevos, entretenidos, sorprendentes, con los que se pueda decir y sugerir, hacer pensar y aplaudir, reír y llorar. Falta y Resto.
En el plantel aparecen el Capi, Fatiga, El Milanesa, y algunos otros que el corazón cobija aunque sus nombres se escapen de la memoria.
La Falta cruza el charco por primera vez, para debutar en la vieja Trastienda de Thames y Gorriti. El éxito es total.
La revista Humor, referente de la época, vierte su opinión: Con Falta y Resto, carnavales son los de ahora.
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1984
El Éxodo
capítulo 4
Podrida desde adentro, la dictadura está a punto de caer.
Para muchos Falta y Resto produce ese año el vértice creativo de sí misma y del resto de las murgas de la década. La presentación a los desocupados, cinco cuplés excelentes y una de las mejores retiradas de su historia:
1811. El Éxodo.
Comienza el regreso de un pueblo desde el exilio.
370 actuaciones en Febrero y más de 200 en el circuito político solidario.
Explosión de la Falta y de todo el carnaval.
Grabamos el cuarto LP: 1811. Disco de oro por primera vez.
En Buenos Aires compartimos el Obras con Alfredo Zitarrosa que se venía desexiliando. Inolvidable. Se incorporan Loquillo Garrido, el Picho López y Benjamín Medina. Dirige y asombra Roberto García. Un grande. Vestuario: Nuevamente Julio Martínez.
Los milicos quieren censurar la despedida después que la ven pero es tarde. Eso sí, la murga sale séptima en el concurso del jurado político, aunque éramos primeros por muerte en la opinión popular
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1985
Alerta
capiítulo 5
Cae por fin la dictadura. Algunos se preguntan qué cantará ahora Falta y Resto. Pues bien, la Falta responde: Alerta.
La despedida cuenta la historia de la desaparición de la maestra Elena Quinteros y se convierte en el primer reclamo público por los desaparecidos hechos desde la cultura. Los derechos humanos pasan a ser parte indisoluble del repertorio de cada año.
Grabamos nuestro quinto y último disco con el sello Sondor: Alerta.
Vuelve Julio Julián a la dirección escénica. El discurso se radicaliza.
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1986
Brindis por Pierrot.
capítulo 6
Jaime Roos, con quien ya habíamos grabado Adiós juventud, trae para La Falta y en especial para el Canario Luna una de las joyas del cancionero popular uruguayo: Brindis por Pierrot. Asimismo, Carlos Bananita González realiza una labor única como capocómico de la murga. La presentación a los poetas y la despedida de las Venas Abiertas de América Latina redondean un espectáculo excelente. Aparecen en el cuadro valores como Pinocho Routin y Quique Rivero. Grabamos nuestro sexto disco, el primero para el sello Orfeo, del palacio de la música: 1986 escenarios. El jurado político nos coloca sextos. La gente, otra vez primeros.
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1987
El Deschave.
capítulo 7
Es el año de la autocrítica. Se avizora la caída del socialismo soviético. La Falta elige representar el momento con su mea-culpa murguero en uno de los cuplés mas recordados y vigentes de su historia: el Deschave, donde se luce y luce la murga, el mejor Roberto García. Tercer premio del jurado político y mención al mejor cuplé. Queda grabada a fuego en la memoria popular.
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1988
La Gente.
capítulo 8
La intendencia Frentista se avizora. El jurado político hace ganar a una murga "de izquierda": La Falta. Debuta en la dirección escénica Eduardo Pitufo Lombardo. Un genio. El Circo Electoral asombra, y El cuplet de La Gente, musicalizado por Jorge Lazzaroff, es muy bien representado por Pinocho Routin. Juan Mascheroni debuta como vestuarista de La Falta y da en el clavo una vez más. Figuras como Tony Hoaguy, Pirulo Suárez, el karateca Adamoli , Fernando De Moraes , Maorik Techeira y Danielito Pereyra entre otros, hacen un aporte invalorable a la murga. El primer premio y el aval popular multiplican las actuaciones. Se graba el séptimo fonograma del grupo en forma de casette: La Falta como en el 30: Ganó la Gente. Disco de oro por segunda vez.
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1989
El pepe Revolución.
capítulo 9
A principios de Enero viajamos a Paraná invitados por la Alternativa Musical Argentina. Tenemos una gran repercusión. -Uruguayo- me dice una señora al bajar del escenario - Déjennos pintada en el alma un poco de esa alegría...- Pero el rédito más importante de ese viaje vendrá muchos años después... En el carnaval, otra vez la fórmula Castro-Lazaroff y otra vez el primer premio del concurso. Con una estructura parecida a la del año anterior y muy bien interpretada, la murga se desnuda en escena para interpretar el cuplet del Pepe Revolución. Julio Sánchez representa un Bubuchi sensacional en "El país de los vivos" El impacto es tremendo. Batimos record de actuaciones. Entonces cambia el viento. Al fallecimiento de Peter Panaro, figura emblemática de La Falta, fundador y pulmón, se suma la muerte del mismísimo Jorge Lazaroff a los 39 años. Renuncian varios compañeros por discrepancias con la dirección. A pesar de los cimbronazos, recurriendo a ex integrantes logramos cubrir una serie de actuaciones solidarias para con el plebiscito por verdad y justicia de abril de aquel año. La derrota del voto verde apaga su voz por unos meses. Volvemos con mas fuerza y grabamos nuestro octavo trabajo discográfico: Rascá la cáscara. “25 carnavales”
Historia de Falta y Resto,
escrita en 25 capítulos
por Raúl Tintabrava Castro.
CAPITULOS 10 AL 14 (capitulos anteriores 5 - 9)
1990
La Falta sinfonica.
Capítulo 10
"El último Charrúa" reivindica a los primeros pobladores de estas tierras. Dirige el coro Fernando De Moraes y compone Jorge Bonaldi.
Al fin del carnaval se plantea un desafío maravilloso:
1991
El Zarpe.
Capítulo 11
Néstor Techera llega a la dirección escénica y coral. En esta etapa ingresan al grupo cantores de la talla del Chato Ambrosio y Luis Reyes, amigo para toda la vida.
1992
Dale alegría a mi corazón.
Capítulo 12
El concurso de murgas imposibles consolida el cambio del año anterior. La murga sale perfecta. El vestuario en blanco y negro vuelve a sembrar la polémica que siempre genera La Falta.
1993
La televisión está viva.
Capítulo 13
A la vuelta de Europa, paga un alto precio por su soberbia. Si bien exhibe como siempre una alta veta creativa, comienza el carnaval con carencias en la producción de la idea.
1994
Para cantarle a los amigos.
Capítulo 14
Tratando de suplir los problemas con creatividad, se logra en pocos días producir un espectáculo que obtiene el cuarto puesto en el concurso oficial.
Próximos Capítulos
1995
1996
1997
1998
1999
Locazos
Nuestros hijos
Los Piratas
El fantasma del tablado
La Sociedad, el cupletero asesinado y una gran despedida.
Capítulo 15
Capítulo 16
Capítulo 17
Capítulo 18
Capítulo 19
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1990
La Falta sinfónica
capiítulo 10
"El último Charrúa" reivindica a los primeros pobladores de estas tierras.
Dirige el coro Fernando De Moraes y compone Jorge Bonaldi.
Al fin del carnaval se plantea un desafío maravilloso: realizar un concierto en el Teatro Solís con una orquesta sinfónica de 30 músicos, para celebrar los diez años de la murga. Los conciertos se multiplican por 10.
10 actuaciones con el Solís colmado dan el aval popular a una propuesta única, que dirigió el maestro Baby Sansone y de la cual participaron entre otros Albino Almirón y Néstor Techera, bajo la dirección coral de Roberto García. Todos compañeros que dejaron una profunda huella en la historia de La Falta.
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1991
El Zarpe.
capítulo 11
Néstor Techera llega a la dirección escénica y coral. En esta etapa ingresan al grupo cantores de la talla del Chato Ambrosio y Luis Reyes, amigo para toda la vida.
Se consolida lo que podríamos llamar la revolución estética de La Falta.
La creación del espectáculo "Buscando Caminos" rompe con las estructuras anteriores del género.
El vestuario, otra vez de Mascheroni, asombra desde los jeans rotos hasta las espectaculares y surrealistas chaquetas y medias capas, con caravanas, lentes negros y tachas sobre cuero. Un look rockero que mata y marca otra vez el carnaval. Sentimos que en la discusión, el género avanza.
Grabamos nuestro décimo trabajo fonográfico: Viva la imaginación.
De lo mejor de nuestra historia.
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1992
Dale alegría a mi corazón.
capítulo 12
El concurso de murgas imposibles consolida el cambio del año anterior. La murga sale perfecta. El vestuario en blanco y negro vuelve a sembrar la polémica que siempre genera La Falta. Es atacada a balazos por una murga rival y la Intendencia de Montevideo aprovecha para despojarla de un seguro primer premio, so pretexto de tranquilizar las aguas.
La Loquilla se divierte, La Ratonera, El Tatú Maravilla (Un niño de 8 años que es elegido revelación del carnaval) La Nunca Vista, La retirada de los adolescentes.
Unánimemente, la crítica la nombra el mejor espectáculo del carnaval. Sale segunda en el jurado político. Hasta el día de hoy la gente piensa que sacó el primer premio.
Tan grande es el triunfo que realiza una viaje a Europa de 45 días, presentándose en 10 países de 30 ciudades en mas de 60 representaciones.
Al retornar al Uruguay confirma su éxito realizando mas de 100 actuaciones profesionales.
Vuelve a ganar el disco de oro por las ventas de su álbum "Dale alegría a mi corazón", decimoprimer fonograma del grupo.
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1993
La televisión está viva
capítulo 13
A la vuelta de Europa, paga un alto precio por su soberbia. Si bien exhibe como siempre una alta veta creativa, comienza el carnaval con carencias en la producción de la idea. De todas formas, culmina con uno de los espectáculos de murga más impactantes. La puesta en escena es avasallante, enfundados en tubos de lycra que representan monitores de TV que cantan.
Pero la murga sigue. A mitad de año La Falta asombra en Curazao en el festival de Ciudades Carnavalescas como único grupo extranjero invitado.
Al volver grabamos el décimo cuarto trabajo discográfico otra vez para Orfeo: "Cuentos Cantados"
Posteriormente se plantea la realización de una producción propia en la Ciudad de Buenos Aires, más precisamente en el Teatro Astral de la calle Corrientes. Si bien el espectáculo es mágico y así lo reconocen los concurrentes, el público argentino tiene todavía muchos prejuicios con la palabra murga, lo cual provoca una importante disminución en la afluencia de público y una frustración económica.
En ese clima, se comienza a trabajar para el carnaval 94.
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1994
Para cantarle a los amigos.
capítulo 14
Tratando de suplir los problemas con creatividad, se logra en pocos días producir un espectáculo que obtiene el cuarto puesto en el concurso oficial. Pero el desastre económico produce una escisión en el grupo.
Para que la Falta siga existiendo hay que recaudar 1000 dólares por mes solo para pagar deudas. Además, hay que pagarle a los nuevos componentes y la producción de los espectáculos. Una verdadera misión imposible.
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1995
Locazos
capiítulo 15
Un solo de batería americana abre el espectáculo. No hay platillos. Redoblante, bombo, zurdo y batería americana. No hay cuples, las músicas son a cual de todas mas extrañas.
Aparecen Javier Carvalho, El Rolo Lorenzo, Tabaré Cardozo, Carini, el negrito Aldo, grandes nuevos valores.
El vestuario es en tonos pastel, el maquillaje es teatral.
En medio del caos creativo, a pesar de las críticas Orlando Mono da Costa compone el histórico personaje de El Guía que sale a buscar el Gran Bulón de cada escenario. Aún hoy, la gente se destornilla de risa.
Grabamos nuestro decimoquinto fonograma: Truco.
El cambio estructural es muy grande y el jurado político coincide esta vez con el jurado popular: la murga es relegada a los últimos lugares.
Parece avecinarse la disolución del grupo. Deudas, pérdida del reconocimiento popular...
Yo decido colgar los zapatos. Tirarme en el sillón a ver televisión y chau.
Pero una noche de invierno...
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1996
Nuestros hijos
capítulo 16
Llega a casa Hugo Brocos acompañado de Yamandú Martínez.
Agitan y me convencen. Elegimos un director que había hecho el taller de murga de La Falta: Fabián Sánchez. Cumple una arriesgada tarea y salva con nota, hasta convertirse en uno de los actuales directores y arregladores de las mejores murgas charrúas.
Convocamos una serie de muchachos nuevos y algunos con experiencia, como el Sapito Laforia, voz característica de otro tipo de murgas.
Marca por primera vez la fusión de estilos: La Teja y La Unión.
También llegan entre otros Pepe, Aníbal Bueno, Juan Ayuto y Fernando Castillo.
Pero lo mas importante de ese 96 es la aparición de quien será el gran embanderado de la nueva etapa: Juan Felipe Castro, mi hijo mayor.
Hoy puedo decir que tomó La Falta en la mas negra de las profundidades y la sacó a flote mas viva y reluciente que nunca.
Él, y los hinchas. Desde sus propias cenizas, otra vez, como el Fénix. Volvió del desierto. Y todo gracias a Felipe.
Por primera vez en la historia de la murga se confeccionan trajes para el invierno, dando comienzo a un ciclo que queda en la memoria de la gente y se prolonga por varios años:
"Sea Ud murguista por una noche", en el local nocturno La Barraca.
Un suceso del que participan miles de montevideanos.
Fernando De Moraes pasa a la dirección, vuelve Alejandro Balbis y llega Leo Bargas.
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1997
Los Piratas
capítulo 17
Desde La Isla, un club de bochas y pescadores de la costa de Malvín, vuelve La Falta disfrazada de Piratas y con una novedad: Un porteño que quiere salir en la murga y lo reclama cantando: Raúl Beaggioni, posteriormente conocido como Larry De Clay.
El gordo es un crack. Tan crack que luego de su actuación en la Falta pasa a triunfar con el staff de Marcelo Tinelli en VideoMatch. Pero se topa con la mezquindad de cierto sector de la prensa que se encarga de descalificarlo por el simple hecho de ser argentino. La genial actuación de Felix Castro y el sublime Loquillo Garrido en la payada Uruguay vs. Argentina alegran Montevideo. La nueva etapa de La Falta sigue madurando lentamente.
En invierno grabamos "100 años de Murga", un CD que se transforma rápidamente en Disco de Oro y aún sigue provocando ventas para el sello Obligado record's. Es la primera vez que una murga reconocida graba canciones de las mejores murgas de la historia.
Trabajamos en invierno como nunca. El sueño sigue vivo.
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1998
El fantasma del tablado
capítulo 18
Con una gran actuación de Roberto García encarnando el fantasma del tablado, se plantea nuevamente en carnaval la veta surrealista y la crítica lúcida y mordaz a las viejas estructuras carnavaleras, que es plantear críticas a la sociedad toda.
Mete el dedo en la llaga del gobierno municipal de izquierda, y sus autoridades se encargan de desplazarla lejos de los lugares preferenciales del jurado político, aunque vuelve a estar entre las mejores.
Alejandro Balbis pasa a la dirección escénica y coral y se incorpora Pablo Milich.
En ese 1998 comienza una historia que cambiará el curso del género para siempre. Un empresario argentino, que nos había visto en aquella visita a la ciudad de Paraná en el 89, le propone a la murga realizar algunos espectáculos en la vecina orilla.
Debutan en La Trastienda nueva, en San Telmo.
El empresario es Alberto Felici.
El destino los ha unido definitivamente, como si hubiese aparecido realmente el Fantasma del tablado...
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1999
La Sociedad, el cupletero asesinado y una gran despedida.
capítulo 19
Por primera vez empiezo a compartir los textos con Felipe. Con la base de músicas de Jorge Lazaroff y vestida otra vez por Mascheroni, es relegada nuevamente por el jurado político de turno. Pero Falta y Resto muestra las garras de la que será su etapa de consolidación, con actuaciones asombrosas y una repercusión cada vez mas fuerte en Argentina. Se llenan los mejores teatros cada vez que actúa La Falta. Se forman murgas "a la uruguaya" en cada lugar que visitamos. Pero sobretodo, siempre queda abierta la puerta de la expectativa para ver con que van a venir el año próximo... .
“25 carnavales”
Historia de Falta y Resto,
escrita en 25 capítulos
por Raúl Tintabrava Castro.
CAPITULOS 20 AL 24 (capitulos anteriores 15- 19)
2000
Murgadiario.
Capítulo 20
El siglo comienza con La Falta a pleno, convertida en el diario de un año agitado y un mundo en cambio permanente. Una sátira mordaz al presidente Sanguinetti,...
2001
Roja y negra.
Capítulo 21
Pasa Felipe a la dirección escénica. Es el mejor de los últimos años.
Juan Mascheroni vuelve al rojo y negro. Sin duda son los colores que mejor le van, porque parte al medio el carnaval y aumenta las giras exitosas por toda la Argentina
.
2002
El gusano loco
Capítulo 22
¿Puede el individualismo socavar hasta los mismos cimientos de la sociedad y de la propia murga? ¿Qué pasa con la izquierda y sus posturas históricas?
¿Puede ser esto parte de un cuplé de carnaval?
2003
La Supermurga
Capítulo 23
Por primera vez una murga tiene el 90% de músicas inéditas. Entra al grupo Andrés Lazaroff, que junto a Felipe, Gerardo "Alemán" Dorado y Coca Vidal, componen músicas.
Dirige Pablo Milich y su trabajo es excelente.
2004
Capítulo 24
La Falta decide no salir en carnaval para tomar carrera. Descanso y creación.
Se incorpora formalmente Soledad Castro, mi hija, al grupo creativo.
Da ideas, escribe las propias y las ajenas, encuentra músicas alucinantes.
2005
25 carnavales
Obra en creacion
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2000
Murgadiario
capiítulo 20
El siglo comienza con La Falta a pleno, convertida en el diario de un año agitado y un mundo en cambio permanente. Una sátira mordaz al presidente Sanguinetti, el Mono Orlando en una descomunal interpretación del Hombre-Mascota y la tierna despedida a La Feria del Barrio enamoran a la hinchada, que en ambas márgenes del Plata vitorean a la murga.
Los disfraces, de tela estampada con letras semejando un diario, son espectaculares. Sin embargo, un peluquero que integraba el jurado político les da el peor puntaje del certamen. Una obra de arte pasa a ser maestra cuando logra saltar por sobre la necedad de un torpe con mal gusto.
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2001
Roja y negra
capítulo 21
Pasa Felipe a la dirección escénica. Es el mejor de los últimos años.
Juan Mascheroni vuelve al rojo y negro. Sin duda son los colores que mejor le van, porque parte al medio el carnaval y aumenta las giras exitosas por toda la Argentina.
El jurado político, a regañadientes, le da el segundo premio.
La gente vuelve a identificarse con ella, como siempre.
El cuplé de los Estados Unidos, el popourri Falta y Resto .com,
la despedida a los emigrantes...
La desaparecida, exultante de creatividad y sencillez, enamora la conciencia de la gente y mantiene cada vez más actual el problema de los derechos humanos. Premian la mejor puesta en escena.
Se edita el primer CD de aquel lado del río para el sello La Trastienda:
Gol uruguayo. La crítica es apabullante: 4 estrellas en la Rolling Stones. Falta y Resto ya no es un fenómeno restringido a los uruguayos y unos pocos fanáticos. Los argentinos la empiezan a conocer y a esperar.
Se incorpora Jorge "Coca" Vidal.
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2002
El gusano loco
capítulo 22
¿Puede el individualismo socavar hasta los mismos cimientos de la sociedad y de la propia murga?
¿Qué pasa con la izquierda y sus posturas históricas?
¿Puede ser esto parte de un cuplé de carnaval?
Se luce Felipe en la interpretación del cuplé y en la dirección escénica.
Otra vez mágica, la Falta se aproxima a la piel popular hasta tocarla. Desde ahí crea un gran espectáculo: el Parque de Diversiones.
Uruguay aplaude. Argentina admira. El jurado político sufre.
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2003
La Supermurga
capítulo 23
Por primera vez una murga tiene el 90% de músicas inéditas.
Entra al grupo Andrés Lazaroff, que junto a Felipe, Gerardo "Alemán" Dorado y Coca Vidal, componen músicas.
Dirige Pablo Milich y su trabajo es excelente.
La propuesta inaugura una nueva forma de hacer política en el país.
Una murga le plantea a la gente la posibilidad de un plebiscito para que los gobernantes duren solo cinco años y no puedan gobernar nunca más.
En "El vecino de al lado" se plantea una profunda crítica al interior de la izquierda lo que nos relega al 9º lugar para el jurado político.
Pero el efecto es inverso al que ellos buscan.
El éxito popular inspira a Felipe que propone agregar al coro una banda de rock and roll. El sonido de la Supermurga llega al Uruguay y a las principales ciudades argentinas. Gastón Ackerman descolla tocando y dirigiendo la banda de rock. Felipe dirige la murga. Matamos.
Trabajamos como nunca.
volver
2004
capítulo 24
La Falta decide no salir en carnaval para tomar carrera.
Descanso y creación.
Se incorpora formalmente Soledad Castro, mi hija, al grupo creativo.
Da ideas, escribe las propias y las ajenas, encuentra músicas alucinantes.
Es una poetiza visceral y bohemia. Con Felipe y Sole, La Falta tiene vida para rato, si Dios quiere.
El 25 de Mayo, en la plaza de Mayo de Buenos aires, para 130.000 personas en vivo y un continente que la descubre por televisión, renace Falta y Resto. Ha vuelto. La Historia Grande de la Murga ha comenzado.
En los muros de Buenos Aires se empiezan a ver los primeros afiches del nuevo espectáculo, que busca reflejar el momento político y social que se vive en estas tierras: Arriba el Sur. Allá vamos
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FÉMINA |
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Por quinto año consecutivo, la Fundación Autor, brazo cultural de la SGAE, organiza la gira de conciertos Fémina. La finalidad de estas actuaciones es reconocer la labor creativa de las solistas femeninas. Fémina 2005: mujeres por la paz engloba más de 80 eventos que se realizarán en 11 salas de Madrid con la asociación La Noche en Vivo entre el 7 y el 20 de marzo.
Viernes 11
Merche Corisco
Curtida en los escenarios nacionales Merche posee el talento de los que saben lo que hacen y lo que quieren. La inspiración en el Rock setentero es evidente en sus canciones, pero sería un error etiquetarla a la ligera, porque para gustos los colores y Merche sería la fusión de todos ellos. Su ecléctica visión de la realidad se plasma en melodías a veces dulces y a veces desgarradoras, como los ritmos que las acompañan, que beben de las más diversas influencias.
Dos discos editados con Sony: "Merche Corisco", y "Dulce Kaos". Si no la conoces, no te pierdas esta oportunidad.
Domingo 13
Inma Serrano
Nació en alicante en 1968 . Estudió música en Valencia y Barcelona.
Inma trabajaba en el guardarropa de un pequeño local de Madrid, mientras en su casa se dedicaba a tocar la guitarra y escribir canciones. Grabó un demo con la ayuda de sus hermanos y de Nigel Walker (productor de Los Rodríguez) y lo mandó a una radio. El mánager del grupo Danza Invisible la oyó y le consiguió la firma de un contrato. Entre más de 50 canciones eligieron las más representativas de su música para la creación de su primer disco.
Actualmente tiene cinco discos en el mercado: CANTOS DE SIRENA, ROSAS DE PAPEL, entre otros.
Es una fiel representante de la canción mediterránea.
Ha sido jurado de OT2 -2004.
Martes 15
Sandra Crivilli
Desde mediados del año 2002, esta cantautora argentina reside en Madrid , haciendo conciertos en diferentes ciudades de España como: Málaga, Marbella, Barcelona, Sevilla, Murcia, Granada y Madrid.
En mayo de 2003 gana el PRIMER PREMIO en uno de los Certámenes de cantautores más importantes del circuito español, “Cantigas de mayo”, compartiendo escenario como telonera de la Sra. Chavela Vargas. Premio del público en el certamen “Carlos Cano”. Premier premio en “Descubre Murcia” organizada por la Casa de Murcia en Madrid.
Comienza el 2004 viajando a Argentina a dar conciertos en las ciudades de Mar del Plata y Buenos Aires.
En el mes de agosto colabora en la grabación de “LUZ” primer disco del cantautor madrileño JAVIER MAROTO. Seleccionada para participar en el II Encuentro de Canción de Autor 2005 y para el IV certamen de Canción de Autor de Granada que se llevará a cabo en febrero del 2005.
Viernes 18
Victoria Gastelo
Con los vientos fríos del norte llega la cálida voz de Victoria Gastelo.
Desde que la cantautora cántabra publicara su opera prima “En la luna” de la mano de la Compañía Sony Music no ha cesado de escribir canciones llenas de matices, sinuosidad y arte de la sugerencia, de ahí que artistas como Mónica Molina, Malú o Los Caños entre otros, interpreten algunas de ellas.
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FENDER |
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La página de Fender en español, como no `pdía ser de otra manera, no podía faltar...hay de todo...y está divertido de navegar, ah, además tienen una novedad guapísima, miren: "Un nuevo concepto: la Acoustasonic® Strat®"
Todo comenzó con el interés de Fender en ofrecer a los músicos un instrumento con la apariencia y que se tocara como una Fender Stratocaster, pero que tuviera sonidos acústicos.
Debido al grosor y tamaño de la Stratocaster, el volumen de aire para producir un sonido acústico es limitado. Por esta razón, tuvimos que buscar la opción de otros materiales no convencionales para una guitarra, como lo es el grafito. En las largas sesiones de prueba, logramos encontrar el balance perfecto entre el grosor del grafito y la madera para obtener el mejor sonido acústico posible. |
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Festival Internacional de Santander |
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El Festival nació de la necesidad de dar una oferta cultural a los estudiantes extranjeros que acudían a la UIMP, iniciándose en 1948 unas actividades musicales en el claustro del seminario de Corbán, en el atrio del Hospital de San Rafael -hoy sede de la Parlamento de Cantabria- y en la Península de la Magdalena, lugar donde unos años antes, la "Barraca" de García Lorca habla recogido experiencias de gran fervor social en su deseo de "sacar la cultura a la calle".
En 1952, y gracias al impulso de Ataulfo Argenta y del que fue primer director del festival santanderino José Manuel Riancho, se crea la Plaza Porticada, considerada por todos durante cuarenta años la "plaza mayor de la música" en España. Tenderete de día, y escenario mágico y único por la noche, por ella han desfilado los más grandes artistas del siglo XX, tanto de la música como de la danza y el teatro. Durante sus 38 años de historia fue el eje sobre el que se vertebraba toda la oferta cultural de la región, centrada, casi exclusivamente, en su mes de actividad. La Plaza Porticada se clausuró el 30 de agosto de 1990 con la participación de la Orquesta de Cámara de Noruega y Mstislav Rostropovich. El Palacio de Festivales es su heredero y desde 1991 acoge el Festival Internacional que, gracias a este nuevo marco escénico, ha podido ampliar su oferta artística, introduciendo la ópera y los grandes ballets en su programación.
En la actualidad, y desde 1979 es director del FIS José Luis Ocejo, bajo cuya dirección el festival se ha ramificado por los lugares más señeros e importantes de la región, creando todo un enramado cultural que convierte a Cantabria en una gran fiesta estival bajo el denominador común de las artes.
El festival siempre ha elaborado una oferta artística que contenga un fuerte atractivo para distintos sectores de la ciudadanía, intentando satisfacer las demandas de los aficionados más exigentes y de todos aquellos que quieran disfrutar de eventos artísticos de calidad. Por ello, el Festival Internacional de Santander busca sobre todo el equilibrio entre las manifestaciones más tradicionales con aquellas tendencias más vanguardista e innovadoras, características éstas que han dado forma a sus señas de identidad.
Otro de sus rasgos definitorios es su vocación aperturista. Además de su sede principal, el Palacio de Festivales de Cantabria, las actividades se extienden por toda la región, ofreciendo conciertos en los marcos históricos de Cantabria, iglesias y edificios de rica arquitectura e historia. Todo ello hace que el Festival Internacional de Santander se convierta en el dinamizador de la vida social y cultural de esta región, y sirve de polo de atracción para personas procedentes de otros lugares.
Es, junto con el de Granada, el más antiguo de cuantos se celebran en nuestro país, y también el de mayor duración: más de treinta días trepidantes, llenos de música, danza, teatro, recitales, etc. Miembro de la Asociación Europea de Festivales con sede en Ginebra, y a la que están adheridos los principales festivales del mundo como el de Salzburgo, Florencia o Verona por poner varios ejemplos, hace que su nombre sea respetado y seguido con interés en los ambientes culturales de Europa y América.
Larga y prolija es la lista de artistas de alto relieve que han actuado en alguna de las ediciones de la amplia historia del FIS, pero sin duda se puede afirmar que el numeroso público de este Festival ha podido disfrutar de la presencia de los más relevantes artistas de todos los ámbitos de las artes escénicas del mundo.
Además de lo meramente artístico, el Festival Internacional de Santander se celebra en una de las regiones más visitadas durante los meses de verano, Cantabria, que ofrece a los turistas una perfecta combinación entre naturaleza, arte y cultura, convirtiéndola en un destino vocacional de primer orden, elegido por un turismo exigente y de calidad.
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Gabriela Giardino |
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ací en Buenos Aires(sitio poco original para ser una cantante de tango). Mi vocación por las artes escénicas se manifestó a muy temprana edad, concretamente cuando, con 2 años, me perdí en una peatonal y —cuentan— que me encontraron bailando delante de una tienda de discos; parece que esa fue la mejor manera de llamar la atención y la adopté de forma continuada en casa, para que mis padres se fijaran en mí, ya que se me hacía harto difícil la competencia con mis cuatro hermanas pequeñas.
Tal era mi obsesión por el escenario que ni siquiera un sarampión impidió mi debut a los 5 años.
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Más tarde comencé mis estudios de danza en diferentes Centros, hasta que ingresé en la Escuela Nacional de Danza, bailando en cuanto lugar podía, y utilizando todo tipo de argucias para actuar, recitar o cantar, en todos los actos escolares. Creo que eso y mis compañeros eran al única motivación para ir a la escuela.
A los 14 años hice mi primer taller teatral.
A los 17 realicé mi primer trabajo como actriz.
A los 18 ingresé en la Escuela Municipal de Arte Dramático.
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Tuve la suerte de trabajar en teatro con figuras como la Sra. Eva Franco, entre otras, durante casi un año.
Más tarde formé parte de "Los Trascendentales", grupo de Teatro independiente, con los que trabajamos durísimo, sólo por amor al teatro. Años inolvidables de crecimiento diversión y austeridad.
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En una versión libre de "El burgués gentilhombre" de Moliere me tocó cantar y, a partir de ahí, me dí cuenta de que podría llegar a hacerlo mejor. Así fue que decidí tomar clases de canto y luego ingresé en la Escuela de Música Popular en Bs. As.
Años mas tarde y extrañando el teatro y la danza, realicé dos años de entrenamiento para profesionales en la Escuela de Comedia Musical de Julio Bocca.
Mientras tanto, he recorrido Argentina y otros países, cantando.
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Mi pasión por el tango, la llevo desde pequeña, que alucinaba escuchando letras, sobre todo, las de Discépolo y me gustaba mucho Rubén Juárez, Roxana Falasca, a quienes veía en "Grandes Valores del Tango", esto, la música clásica, Rafaella Carrá, Liza Minelli, Madonna, Queen, y Serú Girán, marcaron mi infancia y mi adolescencia...
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Rarita la nena, soñaba en aquel entonces con cantar la música de mi país en otros.
El tiempo ha pasado, pero mis deseos siguen vivos, y gracias al talento de grandes músicos pude concretar un pedacito de aquel sueño, grabando "Flor de Fango" y compartiendo con otras culturas, el tango. |
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GONART |
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Desde mediados del año 2002 el guitarrista concertista y profesor del Conservatorio Ataulfo Argenta de Santander Javier Canduela, en colaboración con otras personas y colectivos, entre los que se encuentra la oficina Producciones Artísticas GONARt Cultura y Ocio, ha ido fabricando la idea primero y proyecto después del programa “Guitarte Gaudí”. En este programa además de la guitarra, como instrumento principal y base del espectáculo, se ha unido la narración y declamación, la danza, medios audiovisuales y expresión vocal y corporal.
La idea del programa es unir artísticamente la obra de Antonio Gaudí con los compositores contemporáneos a él. Así, cada obra del genial arquitecto tiene unos lazos de unión tremendamente casuales con compositores como Granados, Francisco Tárrega, M. De Falla, etc. Esta unión aparece en el escenario a través de diapositivas proyectadas mientras Javier Canduela ofrece los sonidos de las partituras. |
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GORKA BENÍTEZ |
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Saxofonista y flautista nacido en Bilbao, en 1966.
Comienza su formación musical en el Conservatorio de Bilbao, que luego se completaría en el Taller de Músics de Barcelona y en el Conservatorio Profesional de Badalona, y posteriormente en Nueva York tras obtener una beca que le permitió estudiar allí durante tres años con profesores de la talla de Dave Kikoski, Billy Hart, Jim Hall, Barry Harris y Cecil Bridgewater entre otros. De Nueva York regresa graduado en Jazz Studies Program de la escuela Harbor Performing Arts Center, habiendo estudiado también en la Mannes School of Music.
También en Nueva York forma su propio trío donde interpreta sus propias composiciones.
En 1995 se traslada de nuevo a Barcelona, ciudad donde reside actualmente.
En esta ciudad continúa liderando su trío (Gorka Benítez Trío), además de formar parte de otros grupos: Emilio Solla & Afines, David Mengual Mosaic, David Xirgu Quartet, Barcelona Big Latin Band, Dani Rambla Quintet, Cuarteto Contrabaix, José Reinoso & Repique, y Joe Smith´Melodic Workshop además de una vasta actividad como "freelance".
De la extensa lista de trabajos discográficos en los que ha participado, vale la pena resaltar: Xavi Maureta i Condició Humana "Uara" y "Entropía"; Carme Canela y la Orquesta de Cámara de Andorra "Cravo e Canela"; David Xirgu Quartet "Indolents" y "Ugrix" (Mejor Disco del Año 1997); David Mengual "Mosaic Nonet"; Iñaki Askunze "Cometa Halley"; D-Drake "Within Your Soul"; Núria Thomás "Tributo a Gershwin"; Emilio Solla "Folcolores" y los discos de sus propios grupos que llevan como título: "Gorka Benítez Trío” y "Fabou".
Ha cosechado numerosos premios de la Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Catalunya. En 1997, fue elegido mejor solista de viento del año y mejor grupo y mejor disco del año con Ugrix, liderado por David Xirgu. Un año después, repitió galardón como solista y formó parte de la formación premiada, Condició Humana, con Xavi Maureta. En los dos últimos años, el músico vasco ha sido elegido mejor saxo tenor y ha participado en las grabaciones premiadas como mejores discos. Además, en 2001 Gorka Benítez Trio fue premiado como mejor grupo de jazz. En el 2002, mejor saxo tenor y mejor grupo (con José Reinoso & Repique).
En el 2000 realiza una importante gira a Japón con la Compañía de Flamenco de Shoji Kojima, junto a destacadas figuras de este género como Miguel Iglesias, David Lagos, Chicuelo, El Londro, Chiqui de la Línea.
Durante el 2002, ha realizado tres importantes giras junto al David Mengual Mosaic Trio (Braga, Portugal) y a José Reinoso & Repique (Montreaux, Freaburg, Suiza) y también, junto a Emilio Solla & Afines (Dinamarca, Finlandia y Suecia).
Actualmente, es uno de los saxofonistas más solicitados en España.
Rai Ferrer + David Xirgu + Dani Pérez + Ben Monder + Carme Canela
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HEREFORD |
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La idea fue recorrer el país llevando el nuevo disco de HEREFORD, "Documentado Electro Acústico" y presentarlo en vivo en los Teatros de diez (10) ciudades del Interior del país comenzando el 1° de agosto y con un "cierre de gira" el 11 de setiembre en la Sala Zitarrosa de Montevideo.
Hasta aquí se trataría de una idea bastante común, lo novedoso está en que gracias al apoyo de empresas públicas y privadas hemos realizado dichos eventos en "forma gratuita" para el público asistente siendo la entrada a cada espectáculo un abrigo o un alimento no perecedero que fue donado a los comedores infantiles de cada ciudad visitada.
La instrumentación de las donaciones fue coordinada por las "Oficinas Municipales de Juventud", los "Departamentos de Cultura" de las Intendencias Municipales correspondientes y con el apoyo del INJU.
Creemos que estamos en un momento particular en el cual la solidaridad debe estar presente en todos los ámbitos de nuestra vida y que de ésta forma estamos realizando una función fundamental como es la ayuda directa a una institución que beneficie a los niños del lugar de realización del show
MUCHAS GRACIAS A TODOS LOS QUE HICIERON DE ESTA GIRA UN ÉXITO!!!
Viernes 1 de Agosto
Paysandú,Teatro Florencio Sánchez
Sábado 2 de Agosto
San José, Club Social (21 hrs)
San Jose, El Bacilon (2.am)
Viernes 8 de Agosto
Fray Bentos, Teatro Mary Mases
Mercedes, Gringos
Sábado 9 de Agosto
Salto Willow (21 hrs)
Salto, La estacion (2am)
Jueves 14 de Agosto
Canelones, Canuto
Sábado 16 de Agosto
Maldonado, Teatro Cantegrill
Viernes 22 de Agosto
Lavalleja, Teatro Municipal de Minas
Lavalleja, Sueños (2am)
Viernes 29 de Agosto
Rivera - Teatro Municipal
Sábado 30 de Agosto
Florida - Teatro 25 de Agosto
Jueves 11 de Setiembre
MONTEVIDEO - Sala Zitarrosa
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Historia del TANGO |
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El tango
El tango es una modalidad musical originaria del Río de la Plata, surgida a fines del siglo XIX, hacia 1870/80, y que a través de su evolución y desarrollo ha incorporado en su torno un conjunto de elementos que le han convertido en una expresión cultural, predominantemente de la ciudad de Buenos Aires, y también de la Argentina en general; aunque — como ocurre en diversas otras manifestaciones de la sociedad y la cultura en el Río de la Plata — ha sido desde sus orígenes un componente cultural compartido con el Uruguay.
Los orígenes remotos del tango son de difícil rastreo. Existe cierto consenso en que en sus componentes musicales, tiene vinculaciones con diversas fuentes; entre ellas, las expresiones musicales originarias de los ámbitos de vida de campo manifestadas en el empleo de la guitarra como instrumento, y en el cultivo de ciertas modalidades de ritmos y estilos de canto, como la milonga.
También se insertan en el tango — como ocurriera con el jazz — elementos rítmicos de origen africano cultivados por los esclavos que, aunque en número sumamente menor al de otras regiones, existieron en el Río de la Plata desde la época colonial.
Entre las danzas que se estilaban en los ambientes en que surgió el tango, se encontraba asimismo la habanera, de oriben cubano, a la que algunas fuentes asignan influencia sobre los orígenes musicales del tango; especialmente en lo que se refiere a sus elementos melódicos.
Otros componentes que indudablemente han debido confluir en la conformación del tango, provienen de la población inmigrante, especialmente de origen italiano, que en Buenos Aires de fines del siglo XIX era muy numerosa, que seguramente aportó la frecuente habilidad en la ejecución de algunos instrumentos, y su inclinación hacia la expresión musical y al canto. Especialmente en este último aspecto, existen claras influencias en el estilo de canto enfático que predominó en los vocalistas de tangos, con el propio de algunas expresiones tradicionales del canto popular italiano.
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IMT Instituto de Música y Tecnología |
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El objetivo del Instituto de Mœsica y Tecnología es formar músicos completos al máximo nivel de estudios y preparación en todas las corrientes y estilos de la música actual, tanto dentro del terreno amateur como del profesional.
Un cuidadoso plan de estudios confeccionado a partir de los programas de las escuelas más prestigiosas del mundo, como lo son el Musicians Institute de Hollywood, del cual somos los únicos representantes autorizados en España, y de la Berklee Scholl of Music de Boston, junto con profesores con la más alta experiencia pedagógica y profesional forman los ejes sobre los que se desarrollan los diferentes departamentos y cursos.Antes de entrar a desarrollar cada uno de los diferentes programas, te explicaremos algunas de las asignaturas más comunes en las que se divide la clase, teniendo siempre en cuenta que cada uno de los instrumentos tiene sus propias particularidades y algunas asignaturas sólo pertenecen a su área.
CHOPS: Es un sistema de aprendizaje que explora el componente melódico del instrumento, analizando los diseños de escalas, arpegios, intervalos, secuencias, patrones y su interrelación en los distintos instrumentos, con el objetivo de dominar los cambios tonales, tocar "inside-outside" y su aplicación en muchos otros campos musicales.
CHORD HARMONY: Conocimiento y práctica de las distintas voces y configuraciones de acordes e interrelación de sus diseños, así como su uso en progresiones, creando sonoridades abiertas, tensiones, walking-bass lines y muchos otros recursos.
IMPROVISACIÓN: Aplicación de los recursos disponibles en cada estilo musical (escalas, sustituciones, ejecución solista sobre cambios de acordes). Desarrollo de vocabulario musical para la improvisación a partir del estudio de los recursos utilizados por los mejores músicos y con especial énfasis en el desarrollo de un vocabulario personal.
LECTURA APLICADA: Práctica de la lectura trabajando directamente sobre el instrumento utilizando los textos más avanzados.
TEORÍA Y ARMONÍA APLICADA: Aprendizaje de la teoría fundamental de la música, desarrollo de la tonalidad, las escalas, los acordes, intervalos, sus funciones, sus usos y el análisis de todos estos elementos usados en la composición musical y en la improvisación, así como su aplicación práctica analizando temas de músicos contemporáneos y desarrollando tu propia capacidad de composición.
TÉCNICA: Desarrollo de velocidad, potencia, seguridad y precisión en la ejecución sobre el instrumento mediante ejercicios destinados a controlar eficazmente motricidad. Estudio de técnicas nuevas e innovadoras
GROOVES Y TÉCNICAS RÍTMICAS: Enfocado a explorar todo tipo de acompañamientos, dentro de distintos estilos y trabajando sobre múltiples estructuras rítmicas, con variaciones de medida, tiempo y "feel". Nuestros certificados y diplomas están avalados no sólo por nuestra reputación en la enseñanza nacional e internacional, con nosotros han estudiado músicos de Japón, Filipinas, Suecia, Estados Unidos, Brasil, Argentina y muchos otros países, sino que tenemos el respaldo del Musicians Institute de Hollywood, el Icade y otras instituciones consolidadas y de indudable prestigio.
Nuestros estudiantes recibirán cada año cursado un certificado de los grados realizados y al final del los estudios el diploma final acreditativo como músico profesional.
Si se desea se puede optar a una titulación de honor con la posibilidad de entrar a formar parte de nuestro equipo de profesores.
Para tener derecho a examen el alumno deberá haber asistido al menos al 80% de las clases pertenecientes a cada ciclo. El examen se llevará a cabo entre el profesor y el director acadŽmico, o bien quien este último tenga en su criterio adecuado asignar.
Quien quiera optar a pasar de ciclo sin realizar el examen deberá de obtener la acreditación de su profesor por el trabajo realizado durante el curso. Entre las novedades del nuevo IMT tenemos nuestra oficina de contratación en la cual diferentes clientes y empresas nos hacen llegar su solicitud de un grupo, cantantes, coros, músicos para directo o estudio, compositores, y en función del presupuesto y del tipo de trabajo, nosotros buscamos a la persona adecuada entre los alumnos que libremente deseen inscribirse en nuestra bolsa de trabajo.
Por otra parte el Instituto siempre está abierto a aceptar entre sus profesores a los alumnos titulados con honores en el programa profesional, siempre que la demanda de estudiantes así lo exija o bien para hacer sustituciones.
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IN, OUT Comunicación y eventos |
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In & Out se ha convertido desde sus inicios en la principal promotora y productora de conciertos y grandes espectáculos musicales y artísticos. En el book de su equipo se recoge la historia de los mayores espectáculos organizados en nuestra Comunidad. Desde Bon Jovi – con más de 28.000 espectadores reunidos en el estadio de El Sadar – pasando por Elton John, Maná, La Oreja de Van Gogh, Julio Iglesias, Ricky Martín, Estopa, Operación Triunfo o EL Circo del Arte.
Miembros del actual equipo de IN&OUT han trabajado en estos conciertos:
Bon jovi
Elton John
Maná
La Oreja de Van Gogh
Julio Iglesias
Ricky Martín
Estopa
101 Dálmatas
EL Circo del Arte
Black Crowes
Warped Tour
Alejandro Sanz
Luis Miguel
Presuntos Implicados
La Fura dels Baus
Joaquin Sabina
Los Rodríguez
Fear Factory
Extremoduro
Celtas Cortos
Helloween y
Bruce Dickinson
Mikel Erentxun
Ketama
Lucrecia
Alan Parson
Joaquín Cortes
David Byrne
Los Sabandeños
Los Panchos
Mclan
Juanes
Manu Tenorio
Chenoa
Bustamante y Verónica
Carlos Núñez
Dover
Juan Perro
María Creusa
Siempre Así
Barricada
Tahúres Zurdos
Pablo Milanés
Benito Lertxundi
Ducan Dhu
E.B. Sola
Luis Llach
Miliki…
Por las taquillas de los conciertos y espectáculos que hemos organizado en el 2002 han pasado más de 80.000 espectadores. Desde padres y niños con 101 Dálmatas, amantes de la escena con La Fura dels Baus o los más jóvenes con Bustamante, Manu Tenorio, Ketama o Estopa.
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IVÁN ZÁRATE |
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CURRICULUM VITAE
DATOS PERSONALES
APELLIDO Y NOMBRE:
Zárate Victor Iván
NACIONALIDAD:
Argentino
DOMICILIO:
EE.UU. 428 Dpto. 4
LOCALIDAD:
Capital Federal
CODIGO POSTAL:
1101
E- MAIL:
laconga@ivanzarate.com.ar
ivan@zarate.net.ar
TRABAJOS ACTUALES
Percusionista de la cantante
Teresa Parodi
ver shows en vivo
Taller de percusión propio
La Conga
Centro Cultural
Roberto Santoro
Programa Cultural en barrios. G.C.B.A. clases de percusión.
Centro Cultural
El Eternauta
Programa Cultural en barrios. G.C.B.A. clases de percusión.
ESTUDIOS SECUNDARIOS
Técnico Mecánico (ENET N 6 Angel Gallardo, Avellaneda) 1976-1982
ESTUDIOS MUSICALES
Estudio de tambores africanos
con Abdulay Badian 2004/2005
Batería y percusión con Norberto Minichilo 2002/2004
Armonía Funcional aplicada a la guitarra en S.A.D.A.I.C. con Samy Mielgo 2003
Computación y Audio Digital con Pablo Guiducci,
Alejandro Castro y
Miguel Gomiz.
1998/2000
Percusión Latina (en U.S.A.) con Luis Andino 1997
Bajo Eléctrico Con Marcelo Ugarteche 1995/1996
Percusión Latina con Hugo Bouchard 1994/ 1995
Estudios de campo sobre música popular latinoamericana en Ecuador, Perú, Bolivia, Chile, y Noroeste Argentino.
1993/1994
Guitarra Eléctrica con Horacio Montesano 1992/ 1993
Canto Popular con Patricia Andrade 1989/1990
Teclado, Lenguaje Musical, Armonía Funcional, Didáctica y Metodología de la Enseñanza Musical. con Alejandro Goldenberg 1987/1992
Canto Lírico con Paula Volkof 1986/1987
Guitarra Española con Hugo Romero 1986/1987
Percusión Clásica y Latina
con Fernando Bozzini
1983/1984
ACTIVIDADES DOCENTES
Taller Infantil de Música Popular Latinoamericana de la Sociedad de Fomento
de Arturo Segui, La Plata
1986
Taller de Música Popular Latinoamericana de A.T.E.
(Asociación De Trabajadores del Estado)
1986/1988
Taller de Música Popular “Ollantaytambo” 1988/1990
Percusión en el Taller de Música “La Convención ” 1991/1993
Taller de Percusión e Instrumentos de Cuerdas Propio. 1994/2001
ACTIVIDADES COMO PERCUSIONISTA
Juventango en
"Señor Tango"
sexteto dirigido por José Leonardo Colangelo. 2000/ 2002
Mariano Fretes
cantante de folclore argentino,
revelación del festival “Cosquin”
2000
Ollantay
folclore latinoamericano
1997/1999
Omar Sirulnik
guitarrista clásico
1998
en EE.UU. :
“Tito Puente” invitado especial en N.Y.
“Balaton” banda de salsa
“La 43” banda de salsa
“Juan Carlos Buscaglia”cantante portorriqueño
“Rumal” folclore del altiplano.
1997
Patricia Andrade
cantante de música popular latinoamericana
1995
Quique Sinesi
guitarrista contemporáneo argentino
1994
Pericles
obra teatral auspiciada por el Museo de Arte Moderno, dirigida por Fernando Piernas
1994
Suna Rocha
cantante de folclore argentino, Festival Cosquin
1993
Chaman
grupo de música étnica dirigido por Iris Guiñazú.
1992/1993
en México:
Gira auspiciada por la U.N.A.M. con la compañía
de teatro “Babastro” en la obra de teatro infantil “Sandokan” dirigida por Daniel Mises
1992
Andamarka
grupo de música popular latinoamericana
1989/1991
Mónica Penchansky
profesora de expresión corporal,
músico acompañante de sus clases.
1989
Ollantaytambo
banda de música folclórica del altiplano
1985/1988
GRABACIONES
"Pequeñas Revoluciones" con Teresa Parodi
produccion Afo Verde, Pepe Cespedes
2005
“Chaman” con Iris Guiñazú, Norberto Minichilo y
Laura Do Santos.
2003
“Por el Suelo”... con los alumnos del Taller de percusión La Conga 2003
“Corazón Valiente” con la O’Connor Celtic Band. 2003
“Iván Zárate Vol.2” disco solista. 2002
“Tumbadora y Tumbador” disco solista, Iván Zárate. 1999
“Música de por acá” con la banda Solo Tres 1998
“La Convención Latina” con La Convención 1993
“Viva la Salsa” con La Guayaba 1992
“Horizonte Artificial” con Ollantay 1990
“Traigan Flores” con Andamarka 1987
“Banda Ollantaytambo” con la Banda Ollantaytambo 1986
INSTRUMENTOS QUE EJECUTA
Accesorios
Bongo Tumbadoras
Guitarra eléctrica
Cajón Peruano
Bombo Leguero Udu drums Guitarra española
Batería Surdos Bajo eléctrico Teclado
Berimbao
Timbaletas
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JAVIER LIMÓN |
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1. enhorabuena por su trayectoria. como ve la entrada de pequeños sellos discograficos en el mercado actual? es mejor el mercado extranjero o el nacional para el flamenco? gracias. luis rockanbole
los sellos pequeños creo que son el futuro porque la industria esta modificandose y acabara por necesitar especializacion. Para el flamenco el mejor mercado es el nuestro, pero hay gente como Paco de Lucia que vende en muchos paises. Japon esta muy bien tambien...
2. ¿No crees que el productor puede llegar a ser "más autor" que el propio compositor?
puede ser, pero no es comun, el autor da la melodía. la armonía y el texto que es lo principal.
3. Podrías destacar una canción que te tocara especialmente el alma. Gracias.
Minha.
4. Hola Javier. Me ha encantado tu disco y tus trabajos hasta ahora. ¿Qué me recomiendas escuchar?
Yo creo que hay pilares básicos de la música imprescindibles: Piazzola (Argentina), Jobim (Brasil), Machito y Bebo o Arsenio Rodriguez (Cuba), Miles y Bill Evans (NorteAmerica), Paco y Camaron (España) ...
5. Antes de nada, enhorabuena por tu trabajo. Me gustaría saber qué formación has tenido exactamente para llegar adonde has llegado. Gracias.
Estudios de oboe, solfeo, armonía en fin clasicos en el conservatorio, tocar blues y jazz con colegas y sobre todo muchas fiestas con los gitanos.
6. ¿Cómo fue la experiencia con Calamaro? ¿Sabe algo de sus nuevos proyectos?. Gracias
Calamaro es el capo de la nueva generacion de musicos argentinos, y ademas de ser un idolo de masas en el mundo del rock, es quizas la persona que puede darle un empujon al tango. Creo que sus próximos proyectos van por ahí encaminados...
7. ¿Dónde tienes puesto el Grammy?
en la cocina, en casa de mi madre.
8. ¿Qué es lo más amargo que te has encontrado en tu carrera?
Mi carrera por ahora ha sido bastante agradable, siempre entre amigos, me preocupa mas aburrime que amargarme.
9. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Luz? Habitualmente tarda años en grabar un disco y contigo tan sólo 20 días. Explícanos este cambio. Gracias.
Fue una cuestion de equipo, la banda y el equipo técnico eran buenísimos, yo solo organicé, disfruté e hice amigos.
10. Me echo a llorar (de pena) cuando oigo su versión de "Lágrimas negras". Lo siento, pero creo que con esta versión mucha gente no ha podido descubrir esta canción de la mano de la maravillosa versión de Compay Segundo
Creo que Lágrimas Negras ha conseguido que mucha gente escuche canciones que nunca hubiera escuchado;tambien Compay versionaba a Arsenio Rodriguez , y Arsenio a los Oruba de Haití, y estos a su vez se basaban en el cante de la Malagueña flamenca, o sea que al final todo es una rueda de intercambios humanos y nada es realmente puro y original, comparar siempre es delicado.
11. hay algun productor español que no sea de flamenco que te guste?
claro, me gusta Nacho Mañó, Andrés Calamaro y Fernando Trueba ...
12. Descubreme 3 autores o discos que creas están por descubrir para la inmensa mayoría de los aficionados a la buena música.
Libertango de Piazzola, Sketeches of Spain de Miles Davis y cualquier disco del POLACO GOYENECHE
13. Hola Javier. Tengo total confianza en tu gusto. Esta tarde voy a comprarme unos discos,¿qué me recomiendas? muchas gracias
Piazzola, Jobim, Bill Evans, Joao Gilberto, Paco de Lucía, Bebo, Miles y sobre todo Richard Bona
14. Felicidades por tu disco, por tus producciones y por tu musica en general. No piensas que ya es hora de que el mundo conozca la musica latina de verdad, aparte de triunfitos, la familia Iglesias y otras cosas asi? Gracias y que siga la musica.
La música está por encima de modas, la música latina tiene su origen hace casi 6000 años, no creo que los fans de las músicas de las que me hablas duren tanto...
15. Buenas tardes Javier, me fascina el Niño Josele, para mi una de las tres mejores guitarras de la actualidad,¿que participación tiene en este nuevo disco? Gracias mosntruo.
Como siempre mucha, podría en realidad ser un disco suyo, es mi mejor colega y hacemos todo juntos. Al loro con el disco que va a sacar en Septiembre sobre Bill Evans
16. Consideras que existen posibilidades para grupos nuevos que escriban letras inteligentes y no sean comerciales?
Por supuesto , todo es cuestión de paciencia,, trabajo y honestidad.
17. aparte de poner la pasta, exactamente que es lo que hace un productor? buen disco el limón.
un productor discográfico no tiene nada que ver con el productor de cine, de echo no pone nada de pasta y solo dirige, la pasta la pone la compañía, es más como un director de cine, toma decisiones...
18. Hola Javier, ¿podrías convencer a un chicdo joven de Asturias a comprarse tu disco?
Mi disco es para gente del mundo, se ha grabado en Palestina, Buenos Aires, Bahia, Nueva York ... Si lo compra un palestino porqué no tu ...
19. Hola Javier! ¿habrá un "Lagrimas Negras 2"? Para mi ha sido el mejor disco junto con "El Cantante" de los ultimos años. Muchas gracias por su tiempo.
Lágrimas Negras fué un momento de encuentro irrepetible, la inocencia del Cigala cantando, el talento de Bebo y la emoción de todos nosotros Fernando, Colina, Piraña, Josele... es difícil de volver a encontrar esa humildad.
20. que no haria nunca (musicalmente) por dinero?
algo que me aburra y que no me levante de la silla al escucharlo.
21. Fuera de lo que es el jazz y el flamenco ¿te gusta el rock o el pop u otros estilos musicales¡¿Cual es el último Cd que te has comprado que no sea de jazz o flamenco'
me encanta toda la música, me gusta lo último de THE ROOTS
22. Hola, Javier. ¿me recomendarías, por favor, un disco para la noche, otro para la tarde y otro para la mañana? Gracias
mañana: Rapsodias Hungaras de Litz tarde: Ellian Elias noche tranquila: Richard Bona noche movida: The Roots
23. ¿Cómo es trabajar con gente como Bebo Valdés, Paco de Lucía, Calamaro, etc. para un mismo disco?
Cada uno es un mundo genial, todos son muy amigos míos, y a todos les debo mucho. estos tres son además enciclopedias andantes y escucharles es siempre una lección de vida.
24. que parte de cual cree usted que ha tenido el top manta e internet en el declive del sector discografico. alguna idea para solucionarlo? luis rockanbole
como un treinta por ciento de culpa ha tenido. es complicado pero si no se ende tan facilmente maría, chocolate, libros fotocopiados o rolex falsos, no creo que debieran permitir la manta.
25. Javier, nos gustaría saber como interpreta el tango Calamaro en el nuevo disco que estáis haciendo?
Es una barbaridad no he escuchado nada igual desde el POLACO.
26. Hola Javier. Soy un compositor fustrado y segun dicen sin talento, pero yo sigo empeñado en sacar algo de provecho, ¿algun consejo?. Gracias de antemano.
Hace seis años yo quise dejar la música porque no tenía curro, pero aguanté, y al final trabajo en esto. Talento, trabajo, inspiración y obre todo paciencia. aco de Lucía, Bebo Valdés o Andrés Calamaro, con sabor a 'Limón'
El álbum, que sale el martes, contiene 11 canciones compuestas por Javier Limón
ISABEL LAGUNA (EFE)
El productor Javier Limón. (Foto: EFE)
A D E M Á S ...
Paco de Lucía | Montse Cortés | Andrés Calamaro
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MADRID.- Es el productor de moda del nuevo flamenco, el artífice de algunos de los discos más memorables de los últimos años, como el de 'Lágrimas negras' de Diego El Cigala y Bebo Valdés, un éxito que él, Javier Limón, aprovecha para dar un paso más y crear su propio sello discográfico, que inaugura con 'Limón', un disco que sale este martes a la venta.
Paco de Lucía, Bebo Valdés, Andrés Calamaro, Niño Josele, Montse Cortés y Concha Buika son algunos de los artistas que interpretan las 11 canciones inéditas que integran este disco, todas ellas creaciones de este compositor y productor, un 'andaluz' nacido en Madrid hace 31 años.
Javier Limón, por cuyo estudio de grabación, en el barrio del Lucero de Madrid, ha pasado lo más granado del flamenco y de otras músicas del mundo, desde el brasileño Carlinhos Brown al israelí David Broza, explica, en una entrevista, que su ley es "buscar siempre la belleza".
"Siempre me ha dado igual vender, prefiero que un disco venda una copia dentro de 20 años que un millón ahora", asegura este músico que en el 2004 recibió un Grammy Latino como productor del año por 'Lágrimas negras' y que se ha colocado en el lado más creativo y menos visible de la música.
"Más vale ser un buen defensa que un mal delantero. Yo prefiero dejar meter goles a los que saben meterlos", dice mientras cuenta que "el aplauso aleja bastante al artista de la verdad del arte" porque los escenarios y los conciertos "no son el lugar original para el que fue creada la música. La música se creó para acompañar momentos especiales de la vida, como una boda o un funeral".
Educación clásica
Para Javier Limón, la creatividad es "una necesidad". "La composición no es un grifo, es un manantial por el que corre el agua con naturalidad, poca cuando hay sequía y mucha cuando llueve". Limón, quien ha respirado flamenco desde su niñez a través de su familia, empezó a estudiar música a los seis años. Estudió oboe y aprendió a cantar los palos flamencos, además de tocar instrumentos como la guitarra, el piano o las palmas.
"A los 14 años sólo escuchaba música clásica", asegura para contar que cuando se fue a estudiar un año a Nueva York le cogió "el punto" a la música de su generación, desde el jazz al rock, y, en la distancia, se dio cuenta de la importancia del flamenco: "Es un pilar de la música grande", afirma.
Cuando volvió a España se dedicó a la composición hasta que se percató de que "algo pasaba en el camino que mis canciones no llegaban adonde yo quería". Así descubrió que "la producción tiene tanta carga de creación como la composición, porque el compositor es quien dice lo que se va a pintar, pero el productor es quien lo pinta".
Una vez que se hizo productor se dio cuenta de que "pasaba lo mismo con los estudios de grabación, todo el ambiente que se respira en ellos queda grabado en los discos, por eso hace cuatro años monté mi estudio", un local en el que se han gestado desde 'Cositas buenas', de Paco de Lucía, a 'Sencilla Alegría' de Luz Casal o 'Putchero de Brasil' de Victoria Abril, entre una larga lista.
Apoyo de una multinacional
Ahora, ha querido redondear el trayecto de sus productos creando su propia discográfica, un sello independiente -aunque con el apoyo en marketing y distribución de Sony-BMG- desde el que lanza 'Limón', un trabajo que es "lo ideal" porque en él "nada se me escapa".
Limón, que asegura que "todos los pilares de la música son hermanos porque todo viene de África", ha plasmado en él las canciones que ha creado en dos años intensos de viajes de trabajo, en los que ha entrado en contacto con músicas y músicos muy diversos. 'Limón' se convierte así en un disco de encuentros musicales con el flamenco en el que ha reunido "a mis amigos", porque él asegura que crea los álbumes "para mí y para los músicos, si luego gustan pues mejor", explica mientras da ejemplos de las extrañas leyes del éxito.
"Antes de 'Lágrimas negras', Bebo y Cigala grabaron tres canciones juntos en un disco que se publicó tres días después del 11-S y del que se vendieron tres copias, el álbum de Victoria Abril apenas se ha vendido en España y en Francia va por 70.000 copias, está claro que no se puede juzgar por las ventas", asegura este compositor comprometido con "la música de verdad".
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JOAQUÍN RODRÍGO |
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Joaquín Rodrigo nació en Sagunto, provincia de Valencia, en la costa mediterránea de España, el día de Santa Cecilia, 22 de noviembre de 1901. El 2001 será por tanto el año de la celebración del centenario de su nacimiento. Fue el menor de diez hermanos, hijo de un terrateniente comerciante de Almenara (Castellón), Vicente Rodrigo Peirats, y su segunda esposa, Juana Ribelles. En el año 1905 sobrevino en Sagunto una epidemia de difteria a causa de la cual murieron muchos niños ; Joaquín se quedó casi sin vista. El compositor comentaría más tarde, sin amargura, que esta desgracia personal probablemente le condujo hacia la música.
La familia Rodrigo se trasladó a Valencia cuando el niño contaba cuatro años de edad. Allí, Joaquín ingresó en un colegio para niños ciegos a fin de empezar su formación. Muy pronto mostró especial interés por la literatura y por la música. En Valencia, la familia Rodrigo frecuentaba el Teatro Apolo, y el joven Joaquín se sintió particularmente atraído por la música que acompañaba las representaciones. Empezó a recibir clases de música con profesores del Conservatorio de Valencia, aunque no se inscribió formalmente en dicho centro. Su profesor de armonía y composición fue Francisco Antich, y los músicos Enrique Gomá y Eduardo López Chavarri, a cuyas clases asistía, también ejercieron una gran influencia en su formación musical. En cuanto a la cultura literaria de que hizo gala Rodrigo a lo largo de su vida, se debió en gran parte a las lecturas de Rafael Ibáñez, empleado por la familia para acompañar a Joaquín, quien también fue su compañero, secretario y copista en los años siguientes. "Rafael me prestaba los ojos que yo no tenía" solía decir el compositor del amigo que le leyó las obras maestras de la literatura española, así como obras filosóficas, ensayos, y estudios monográficos sobre los más variados temas.
A principios de los años 20, Joaquín Rodrigo era ya un excelente pianista y un estudiante de composición familiarizado con las corrientes vanguardistas más importantes del mundo del arte. Sus primeras composiciones fueron escritas en formas musicales pequeñas, aunque su primera obra para gran orquesta data del año 1924. Su opus 1, Dos esbozos para violín y piano ('La enamorada junto al surtidor' y 'Pequeña ronda') fue compuesto en 1923. De esa misma fecha datan también la Suite para piano, la Cançoneta para violín y orquesta de cuerdas, y un austero Ave María para voz y órgano, que años después arregló para coro a capella. La Berceuse de otoño, también de 1923, fue compuesta en su forma original para piano, pero Rodrigo la orquestó en los años 30, y también la incorporó más tarde a la bella Música para un jardín, de 1957. Su primera obra para gran orquesta, Juglares, fue estrenada con éxito por la Orquesta Sinfónica de Valencia bajo la dirección de Enrique Izquierdo en 1924. Animado por este triunfo, Joaquín se presentó a un concurso nacional al año siguiente con una obra mucho más ambiciosa, las Cinco piezas infantiles, obra por la que recibió una mención honorífica del jurado y que fue estrenada con gran éxito en Valencia y París, en 1927 y 1929 respectivamente. Joaquín Rodrigo estudiaba ya por esta fecha con su maestro francés Paul Dukas, en la École Normale de Musique, en París. Rodrigo había decidido trasladarse a Francia en 1927 pues la capital francesa era, desde principios de siglo, un importante núcleo cultural para escritores, pintores y músicos españoles. Era pues de esperar que el joven músico desease seguir los pasos de Albéniz, Falla y Turina.
Las obras de juventud de Joaquín Rodrigo se caracterizan por un delicado lirismo personal, colores orquestales a veces muy atrevidos y un vocabulario armónico que recuerda a Ravel y Granados, entre otros. Estas características, y otras más, se confirmarían y desarrollarían a lo largo de los años de estudio con Paul Dukas.
A su llegada a París, Rodrigo y Rafael Ibañez, su amigo y secretario, se alojaron en casa del pintor valenciano Francisco Povo, quien les presentó a numerosos artistas, músicos y editores. En la clase de Paul Dukas, en la que Joaquín Rodrigo estudió durante cinco años, también se encontraban el compositor mejicano Manuel Ponce, y el director de orquesta vasco Jesús Arámbarri, quien más tarde sería un gran intérprete de las obras de Rodrigo. Paul Dukas calificó a Joaquín Rodrigo como quizá el más dotado de todos los compositores españoles que él había visto llegar a París. Un hecho de trascendental importancia en la vida de Rodrigo tuvo lugar en aquella época: su encuentro con Manuel de Falla, que supondría el inicio de una amistad duradera entre los dos. Falla, que iba a ingresar como miembro de la Légion d'Honneur francesa, insistió para que en el concierto que siguió a la ceremonia no sólo se escuchara música suya sino también obras de jóvenes colegas españoles como Halffter, Rodrigo y Turina. Rodrigo siempre le agradeció la oportunidad que le brindó Falla en aquella ocasión de interpretar su propia música ante un público distinguido e informado.
A nivel personal, fue también en estos años cuando tendría lugar el hecho más importante para Joaquín Rodrigo : su encuentro con la pianista turca Victoria Kamhi, con la que contrajo matrimonio en 1933. Victoria Kamhi fue una de las influencias más decisivas en la carrera de Joaquín Rodrigo. Excelente pianista, cuando se casó decidió abandonar su carrera profesional para dedicarse exclusivamente a su marido. El dominio de varios idiomas junto con un amplio conocimiento de las distintas culturas europeas hicieron de Victoria la compañera ideal para Joaquín. Muchos años más tarde, Victoria publicó una extensa biografía de su juventud, del noviazgo con Joaquín, y de la historia de sus vidas, titulada: De la mano de Joaquín Rodrigo: Historia de nuestra vida.
Al año siguiente, tras instalarse en Valencia con su esposa, Joaquín Rodrigo compuso varias canciones, entre ellas el famoso Cántico de la esposa, con letra de San Juan de la Cruz, y su obra más extensa hasta entonces, el poema sinfónico, Per la flor del lliri blau. Con esta obra obtuvo el premio del Círculo de Bellas Artes de Valencia. En Madrid, y nuevamente, gracias al apoyo de Manuel de Falla, Rodrigo consiguió la beca Conde de Cartagena que le permitió regresar a París junto con Victoria. Joaquín empezó a componer sin descanso y fruto de esta época son varias canciones y algunas de sus más importantes obras para piano. Al mismo tiempo, el compositor asistía a las clases de Maurice-Emmanuel en la Sorbona y a las de André Pirro. Recibió también las últimas clases de su maestro, Paul Dukas. Estos cursos, que abarcaban desde la música de Lassus hasta la historia de la ópera, fueron una importante fuente de inspiración para Rodrigo, que empezaba a contar con una base musical muy sólida. En el verano del mismo año, el matrimonio Rodrigo se trasladó a Austria para comentar el Festival de Salzburgo como corresponsales oficiales de la revista ‘Le monde musical’ de París y del diario valenciano ‘Las provincias’. Fue en Salzburgo donde Rodrigo compuso su conmovedor tributo a la memoria de Dukas, Sonada de adiós, por encargo de la Revue musicale.
Después de obtener la prórroga de la beca Conde de Cartagena, Joaquín Rodrigo y su esposa decidieron, a principios de junio 1936, marcharse un tiempo a Alemania, concretamente a Baden-Baden. Pero el 18 de julio estallaba la guerra civil española. Los tres años siguientes fueron quizá los más difíciles de la vida de Joaquín y Victoria, pues esta vez la beca no les fue renovada. Decidieron dar clases de español y música en su habitación del asilo para ciegos de Friburgo, en la Selva Negra, donde fueron acogidos como "refugiados españoles". El compositor realizó allí un estudio del cantar de los pájaros, además de componer unas cuantas canciones, entre ellas la Canción del cucú, inspirada en la belleza de sus alrededores y con letra de su mujer.
En la primavera de 1938 Joaquín Rodrigo fue invitado a impartir clases durante el verano en la Universidad de Santander, que acababa de abrir sus puertas. El matrimonio Rodrigo pudo retomar así contacto con la vida cultural española, a pesar de las dificultades derivadas de la guerra civil. Entre los nuevos compañeros del compositor se encontraban los escritores Gerardo Diego y Dámaso Alonso y el crítico Eugenio d'Ors. Tuvo lugar un encuentro muy significativo durante el viaje de vuelta a París, cuando, en un almuerzo con el guitarrista Regino Sainz de la Maza y el marqués de Bolarque, Joaquín aceptó con entusiasmo la idea de escribir un concierto para guitarra. Esta obra sería el Concierto de Aranjuez. Durante su último año de residencia en la capital francesa, Rodrigo ofreció recitales de piano, realizó las orquestaciones que le iban encargando y compuso varias canciones de estilo popular. Pero al llegar el invierno, el matrimonio Rodrigo empezó a pensar en un retorno definitivo a España, una vez que el país estuviera por fin en paz. En 1939 Rodrigo recibió una carta de Manuel de Falla en la que le proponía un puesto de Catedrático de Música en la Universidad de Granada o de Sevilla. Por su parte, Antonio Tovar le ofreció un puesto en el Departamento de Música de Radio Nacional. Como el matrimonio deseaba fervientemente establecerse en la capital de España, optaron por la segunda oferta. Joaquín y Victoria regresaron finalmente a España el 1 de septiembre de 1939, dos días antes de que estallase la segunda guerra mundial, llevando consigo el manuscrito completo del Concierto de Aranjuez.
La década de los años cuarenta fue especialmente importante para Joaquín Rodrigo, tanto a nivel profesional como a nivel personal. Desde 1939 ejerció el cargo de jefe de la sección de arte y propaganda de la ONCE. Fue también, desde 1940 y a lo largo de más de una década, asesor de música de Radio Nacional. En 1941 nació Cecilia, su primera y única hija, y al año siguiente el compositor recibió el Premio Nacional de Música por su Concierto heroico para piano y orquesta. En 1942 empezó a trabajar como crítico musical de los diarios Pueblo, Marca y Madrid. Ocupó durante los años 1944 y 1945 el puesto directivo del Departamento de Música de Radio Nacional, así como la Cátedra de Música Manuel de Falla en la Universidad Complutense desde su creación, en 1947, y a lo largo de treinta años. Fue distinguido además, en 1945, con la Encomienda de Alfonso X el Sabio. Por otra parte, las conmemoraciones nacionales de 1948 dedicadas a Miguel de Cervantes le inspiraron una de sus más impresionantes creaciones, sobre un texto de Don Quijote, Ausencias de Dulcinea, galardonada en abril del mismo año con el Premio Cervantes.
El 18 de noviembre de 1951 Rodrigo ingresó como miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tras su discurso, sobre 'Técnica enseñada e inspiración no aprendida', interpretó las Sonatas de Castilla (con toccata a modo de pregón) para piano, escritas especialmente para la ocasión. En 1953 el compositor fue galardonado con la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio, y elegido Vicepresidente de la Sección Española de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea. En 1954, por encargo del prestigioso guitarrista Andrés Segovia, compuso la Fantasía para un gentilhombre, para guitarra y orquesta, cuyo estreno tuvo lugar el año siguiente en San Francisco, en presencia del autor.
Durante todos estos años, los premios y honores en reconocimiento a su labor fueron numerosos, tanto en España como en el extranjero: fue nombrado Officier des Arts et des Lettres en 1960 y Caballero de la Légion d'Honneur en 1963 por el gobierno francés; doctor honoris causa por la Universidad de Salamanca en 1964. En 1966, recibió la Gran Cruz del Mérito Civil y la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo. En 1963 se trasladó a Puerto Rico para impartir un curso de Historia de la Música en la Universidad de Río Piedras, donde permaneció hasta febrero de 1964. Fueron años también de felicidad personal para Joaquín y Victoria, gracias a la unión de su hija, Cecilia, con el violinista Agustín León Ara, y el posterior nacimiento de sus dos nietas, Cecilita y Patricia.
Numerosos conciertos, recitales y festivales dedicados a su música empezaron a sucederse en el mundo entero en reconocimiento a Joaquín Rodrigo como una de las figuras más queridas y representativas de la música clásica contemporánea. Un nuevo estreno llevaría al matrimonio Rodrigo a Estados Unidos, en 1970 : el del Concierto madrigal para dos guitarras, que tuvo lugar en Hollywood. En los años siguientes fue nombrado doctor honoris causa por las Universidades de Southern California, 1982, la Universidad Politécnica de Valencia (1988), la Universidad de Alicante y la Universidad Complutense de Madrid (1989) y la Universidad de Exeter, Gran Bretaña (1990). Recibió sendos encargos de los célebres solistas británicos, James Galway y Julian Lloyd Webber, materializados en el Concierto pastoral, para flauta y el Concierto como un divertimento, para violonchelo, respectivamente. Y en marzo de 1986 asistieron en Londres al festival Rodrigo en el que se estrenó una de sus últimas creaciones magnas : el Cántico de San Francisco de Asís, para coro y orquesta.
Recibió, en 1991, el Premio de la Fundación Guerrero y el mismo año fue ennoblecido por el rey don Juan Carlos I con el título de Marqués de los Jardines de Aranjuez. En 1996 le fue concedido otro gran honor, el Premio Príncipe de Asturias, otorgado "por su extraordinaria contribución a la música española a la que ha aportado nuevos impulsos para una proyección universal". Ese mismo año fue galardonado con la Medalla de Oro de Sagunto, la Gran Cruz de la Orden Civil de Solidaridad Social, y la Estrella de Oro de la Comunidad de Madrid. En 1998 el gobierno francés le honró con el título de Commandeur des Arts et des Lettres, y ese mismo año, recibió el Premio al Mejor Autor de Música Clásica de la Sociedad General de Autores y Editores. También en 1998 le fue concedida la Medalla de Honor de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander, y el año siguiente, la Medalla de Oro del Festival de Granada.
El 21 de julio de 1997 falleció su esposa e inseparable compañera y colaboradora, Victoria. Joaquín Rodrigo falleció dos años más tarde, el 6 de julio de 1999, en su casa de Madrid, rodeado de su familia. Los restos mortales de Joaquín y Victoria descansan juntos en el panteón familiar del cementerio de Aranjuez.
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JORGE "FLACO" BARRAL |
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Bajo, Banjo, Bouzouky, Guitarra acústica, Mandolina, Voz, Composición.
Nacionalidad: Uruguay
1964/66 Mi primer grupo con el cual iniciaría este largo camino musical fue "Les Batants" y mas o menos después de un año con ellos formo “The Walkers” con los que actué en el complejo “Cantegril Country Club” (Punta del Este) donde nos echan por escandalosos. Disuelto este, formo “The Crabs” junto a Rolando Fleitas, Roberto Varas y Carmelo Albano, con los que hacemos infinidad de actuaciones en el programa “Discodromo” de Canal 12, mas tarde viajamos a Buenos Aires para grabar con C.B.S. Por razones desconocidas, el proyecto se va a pique y allí me quedo tirado, ya que los demás abandonan.
1966/70 Actúo en varios clubes de Buenos Aires, y soy parte de un trío llamado "Yes" con los que grabo un tema para un LP de nuevos valores del programa "La Catedral del Ritmo" de Carlos Ricco. Integro plantel en obras de teatro “La historia de la Guita” y “Vietrock”, componiendo la banda sonora de una de ellas. Grabo un L.P. para niños ”Si te gusta te lo canto”. Comenzaría mi experiencia como artesanoen metal y cuero, debido principalmente a que no daba lo suficiente para vivir solo con la música.
1971 Vuelvo a Uruguay para exponer mis trabajos de artesanía en la "Feria del libro y Grabados" y mi amigo Jesús Figueroa me propone integrar el grupo “Opus Alfa”, junto a Daniel Bertolone, Jorge Graf, Jesús Figueroa y Atilano Losada con ellos grabo un L.P. llamado "Opus Alfa". Hicimos infinidad de actuaciones, aunque destacaría las presentaciones en los teatros Sodre, Solis y en el Festival Buenos Aires Rock II. Compongo las músicas y grabo el LP "Un tal Leo Antunez" del poeta uruguayo Leo Antúnez junto a Jorge Silva y Yamandú Perez. Paralela a estas experiencias, se forma el grupo "Bisonte" integrado por Jackie Lussich, Yamandú, Oviedo, Bertolone y yo. Combino estas experiencias haciendo actuaciones como solista y actuando en programas de televisión.
1972 Comienzo mi mejor momento musical con el trío “Días de Blues” junto a Daniel Bertolone y Jorge Graf, actuando en los festivales de Musikulta Producciones, los de Música Prograsiva, en el Festival del Sol, Velódromo Municipal, el Buenos Aires Rock III, en los teatros Stella de Italia, Galpón, Artigas, Solís etc, y una infinidad de cines en lo que se dió en llamar "Gira por los barrios". Con ellos grabo LP “Días de Blues” editado en Uruguay y Argentina y hoy día pirateado en la red. Esta es una etapa muy movida en la cual integro diversas formaciones entre ellas "La Banda" que la integraba Dan Jackson, Ruben Rada, "Pito" Varela, Raúl Lerma, Luciano, Daniel Bertolone y Jorge Graf y también en bandas fugaces con músicos amigos como Yamandú Perez, Harutium y los argentinos Pappo, Billy Bond, Pinchesky. Actúo como solista en varios conciertos entre los que esta el ciclo "El Desenchufazo" y en el programa "Prohibido para adultos" de Canal 4. Grabo algunos temas y produzco junto a Hamlet Faux y Estevan Leivas el L.P. "Jesús con todos" de mi amigo Jesús Figueroa Antes de marchar de Uruguay, grabo el LP como solista: “Chau” no editado en esa época debido al golpe de estado militar y que en el año 1998 ve la luz en la edición de Posdata “Jorge Barral - 30 años de la música Uruguaya”.
1973/75 Viajo a España y vivo en Barcelona. Actúo con Enric Herrera (Ex Máquina) y Emilio Baleriola en el Pub "La Enagua", durante 3 meses. Hago una gira por Europa con el coro del instituto Lasalle Bonanova y el arreglista Albert Amargós (Música Urbana). Acompaño a Mike Kennedy (cantante del grupo "Los Bravos) y entro en el grupo "Los Bueyes Madereros" de Gato Pérez. Gracias a una actuación que realizo en Menorca con el grupo "Massa" con Gerard Bouvie, Emilio Baleriola, Nacho Ortega, me quedo un par de años viviendo en una casa de campo. Fueron un par de años de reflexión, pero que marcarían mis próximos años. Menorca ha sido mi segunda tierra y la llevo en mi corazón. Acompaño a Enric Barbat y con el viajo a Barcelona donde se formaría el grupo "La Rondalla de la Costa" con María del Mar Bonet, Enric Barbat, María Alberó, Fermí Rexach, Xavier Batlles, Gerard Bouvie, Xavier García,"Krupa" Quinteros, Martí Soler, Toni Xuclá, Mariano Alberó, con los que haríamos unas representaciones en teatro. En Menorca también conozco a Hilario Camacho que había ido de visita a la isla, se queda en casa unos tres meses y me acompaña en algunas actuaciones y allí, entre canutos y naturaleza, comenzamos a componer los temas de su próximo disco.
1976 Hilario me lleva a Madrid a grabar el LP ”La Estrella del Alba” en el que comparto letras y músicas compuestas en Menorca. Me quedo en Madrid y lo acompaño en sus giras.
1977/79 Integro el grupo “Azahar” junto a Gustavo Ros, Antonio Valls y Dick Zapala y grabamos el LP “Elixir”. Esta sería una etapa muy loca en la que dimos rienda suelta a la imaginación, haciendo giras por toda la geografía española y cosechando inumerables muestras de admiración. Combino el grupo con grabaciones como músico de sesión para Sussi, Manuel Gerena, Melchor Baltasar, Gente del Pueblo, etc.
1980/85 Fundo junto a Gustavo Ros el grupo “Azabache” y grabo 2 LP “Días de luna” con Gustavo, Daniel Hernestrosa y Ricardo Valle y “No, gracias” con Gustavo, Daniel, Miguel Torres y Hermes Calabria. Acompaño a Sergio y Estíbaliz, a Emilio José y fruto de ello abro el Estudio de grabación “Colores” donde se grabará parte de aquella “Movida Madrileña” (1º L.P. de Siniestro Total, 091, Derribos Arias, Las Vulpes, Glutamato Ye Ye, Alphaville, etc). A esta altura falta carretera y dejo el estudio para integrar el grupo “Raza” con Manolo Jimenez, Carlos Lopez y Leonel Vignola, con quienes grabo un L.P. para México y un mini L.P. con 6 temas .
1985/93 Entro en el grupo de folk “Labanda” junto a Leonel Vignola, Francois André, Victor Ruiz y Terry Barrios con los que hago actuaciones en festivales, giras por España, Irlanda, Marruecos (dos), y con ellos grabo 4 LP: “Un Millón de Kilómetros”, “Buenos Tiempos”, y el doble LP en directo ”Rural Tour”, paralelamente formo el grupo “Hispano Uruguaya” de estilo Blusero con Terry, Victor y Leonel.
Combino estos grupos con “Cañones y Mantequilla” integrado por Jack Jamison, Judy Clericuzio, David Gwynn y Manolo Jimenez grabando y produciendo el LP “Una noche más” y nos presentamos en The International Festival of Country Music 91 en el Wembley Arena de Londres, junto a Johnny Cash, June Carter, Jhon Mc. Euen etc. Acompaño en sus dos giras por España a los bluesmen Carey Bell y Louisiana Red (EEUU). También a Rick “Eureka” Jones (EEUU), Hilario Camacho, David Gwynn (EEUU), Karen James (Inglaterra) y a Ollie Hassall (Inglaterra). Grabo los LP de Kevin Ayers (Inglaterra) (ex-Soft Machine) y Moris “13 mujeres”.
1994/00 Dejo el grupo Labanda y fundo “La Destilería” junto a Ñaco Goñi,Claudio Gabis, Fede Aguado y Manuel Torrego. Actúo durante la temporada 95 con “California Country” (Gregory Salazar, Regina Eusey y Torrego) y en las 96/97 con “Caravana del Oeste” (Javi Morrison, Manolo Jimenez, Ana Campesino y Héctor Díaz) en el parque temático: “Port Aventura”. Formo parte del grupo de música country "Abuelo Jones". Grabo el segundo LP de David Gwynn “The last buffalo”, el LP ”Navidades en familia” de Julián Granados, el de Christina Rosenvinge “Flores Raras” (en directo) y el de Laura Granados, acompaño a David Gwynn y combino todos estos trabajos con la formación de “Manzanares Delta” (grupo de Blues Rural junto a Fede Aguado, Manuel Torrego y Osi Martinez ). Me invita Jose María Barrios y Radio X a participar en el “Montevideo Blues Festival II”, con mi grupo “Flaco Barral y los Criollos Blues”, junto a artistas de la talla de Eddy Clearwater , Smoking Joe Kubeck y Pablo Traberzo. Produzco junto a Raíces y Ritmo y acompaño en sus dos giras 99/00 a Pablo Traberzo (guitarrista uruguayo), a King Rollo (Inglaterra) y en el Festival de Cazorla a Ian Siegal (Inglaterra).
2000/..... Entro a formar parte de la banda de Ñaco y los Bluescavidas, banda de Rythm & Blues integrada por Ñaco Goñi, Kapo Alburquerque y Armando Marcé, con los que sigo hasta la fecha. Con ellos he compartido escenario con Phil Guy (EEUU), acompañando a Amar Sundy ( Francia), Velma Powel (EE.UU) y junto a Raimundo Amador los conciertos "Reunión Blues" presentandonos en los Festivales de Blues de Béjar, Reus, Cerdanyola, Getxo, etc. Acompaño en su presentación en España a Jorge Nasser (Uruguay). Grabamos con Bluescavidas el C.D "Nada que perder" con la colaboración de mi amigo Raimundo Amador, magnífico en los tres temas . Actúo esporádicamente con el dúo “Kossa Nostra” con Hada Guldris y me asocio en el estudio de grabación “Lagar 74” en Chinchón, donde intervengo como técnico o productor en los discos de: "Los Reyes del K.O.", "Alias Blues Gang", "Smiling Jack Smith" entre otros.
Y la carretera es larga, muy larga.
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JORGE DREXLER |
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(Montevideo-Uruguay en 1964)
Sus canciones han sido grabadas, entre otros, por Ana Belén, Víctor Manuel, Neneh Cherry, Pablo Milanés, Ketama , Miguel Ríos, Ana Torroja, David Broza, Rosario Flores, Lorenzo Jovanotti, Paulinho Moska, Jaime Roos, Adriana Varela y Bajofondo Tango Club.
Ha editado como solista 7 discos de canciones :
“La luz que sabe robar” (1992) AYUI
“Radar” (1994)AYUI
“Vaivén”(1996)VIRGIN ESPAÑA
“Llueve”(1998)VIRGIN ESPAÑA
“Frontera”(1999)VIRGIN ESPAÑA
“Sea”(2001) VIRGIN ESPAÑA
“Eco”(2004) DRO-WARNER
Su penúltimo disco "Sea" , ha sido nominado a los Latin Grammy Awards, a los MTV Latin Awards y votado entre los 10 mejores álbumes del 2001 por la revista Rolling Stone Argentina.
Tanto "Sea" como "Frontera" han sido nominados a los Premios Gardel de la Música Argentina (2001 y 2000, respectivamente) y obtuvieron el Disco de Oro por sus ventas en Uruguay.
Una publicidad de la TV argentina que incluía su canción “Me haces bien” ganó el premio Martín Fierro a mejor pieza publicitaria del año 2002.
Es coautor de la canción “Perfume” incluída en el disco “Bajofondo Tango Club” que obtuviera un Grammy Latino y un Premio Gardel en el 2003.
Ha trabajado extensamente en música y canciones para cine en producciones españolas y argentinas. Recientemente se ha estrenado “Motorcycle diaries” del director brasilero Walter Sales (Estación Central de Brasil) que incluye su canción “Al otro lado del río” compuesta especialmente para la película.
Desde 2002 trabaja junto a diversas ONG uruguayas en la página web puentealsur.org.uy . Este sitio se dedica a la revinculación de uruguayos en el exterior con una serie de proyectos culturales y de ayuda en emergencia en su país.
Su nuevo disco “ECO” con 11 canciones nuevas, fue editado en marzo del 2004 por el sello DRO-EAST WEST. Está Producido por Juan Campodónico (productor del recientemente multipremiado Bajofondo Tango Club) y coproducido por Carlos Casacuberta y Jorge Drexler. Entre otros músicos, participa el percusionista brasilero Marcos Suzano. El disco fue grabado en Montevideo con un equipo de músicos uruguayos, argentinos, españoles y brasileros, mezclado en Madrid y masterizado en Los Angeles. Incluye entre sus canciones una coautoría con Ben Sidran, el prestigioso pianista de jazz, compositor y productor norteamericano. |
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JORGE FANDERMOLE |
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"Navega"
Si un recital de Jorge Fandermole puede convertirse en la suma de una serie de excelentes temas que compuso en los últimos quince años (desparramados en los repertorios de muchos intérpretes), este disco sería la cuidada versión de estudio.
. . . . "Navega" no tiene desperdicios y, como dice una de las piezas, lleva versos "condenados a sobrevivir".
Una placa que suena tan simple en formas de canción, con la imagen urbana y la copla de tierra o agua muy bien conjugadas. Tan clara en su sonido, tan bella en sus melodías; rica en música y climas, desde las primeras notas hasta los arreglos más exquisitos."
Mauro Apicella - La Nación
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Jorge Fandermole es rosarino. Tiene una trayectoria extensa y es autor de verdaderos clásicos del rock nacional, como "Era en abril" o la "Canción del pinar". Sin embargo, conserva el perfil bajo y reconoce que la cultura de Salta ha influido mucho en él. Rescata y admira la obra del "Cuchi" Leguizamón, Manuel Castilla, Jaime Dávalos y Eduardo Falú.
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Por Eduardo González
Estamos en abril. Un mes que recuerda el título de una de sus canciones más famosas ("Era en abril") y que resulta ideal para que Jorge Fandermole se acerque un poco más a la tierra que -poetas mediante- influyó mucho en su obra.
Fandermole actuará en la Casa de la Cultura de Salta el próximo viernes 18 de abril, gracias a la producción del cineasta salteño Josè Issa. En su presentación interpretará canciones de su último CD, "Navega", pero además hará un recorrido por sus mas grandes éxitos.
REPASO
Fandermole formó parte de la "trova rosarina" que desembarcó en Buenos Aires con Juan Carlos Baglietto a la cabeza en los '80. Entre sus temas más reconocidos se encuentran "Canción del pinar", "Tiempo de silencio", "Río marrón" y "Era en abril". En 1997 formó "Rosarinos", con Lalo De los Santos, Adrián Abonizio y Rubén Goldín.
En el 2002, luego de nueve años, editó "Navega", un disco con doce temas propios. Para la presentación de este material, reunió una banda compuesta por Carlos Aguirre (piano, acordeón y voz), Fernando Silva (bajo), Juancho Perone (percusión), Rubén Goldín (voz), José María Blanc (voz), Iván Tarabelli (teclados) y el Trío de Guitarras de Rosario, integrado por Claudio Bolzani, Gustavo Marozzi y Carlos Casazza.
En esta nota con Nexo, Jorge habla del pasado, del presente y del futuro, como previa de su recital en Salta.
Quizás tu visión de "rosarino por adopción" te dé una visión más objetiva de las particularidades de la música rosarina.
Puede ser, pero para hacerlo deberíamos pensar en los diversos géneros de música que se producen en Rosario. Creo que hay una dinámica de vida en la ciudad que tiene que ver con su historia, su crecimiento, y con su escala, y que estos son condicionantes para el desarrollo de características particulares. En los géneros urbanos es donde más se nota, creo, el "color local", por llamarlo de alguna manera, pero no puedo definir los parámetros de ese "color", ni creo que nadie pueda hacerlo porque carecemos de perspectiva histórica.
Vos pertenecés a un sector conocido como la "trova rosarina". ¿Cómo lo definirías?
Desde el punto de vista organizativo es un movimiento informal, ya que no tiene normativas que la regulen desde ningún aspecto. Es, además, un movimiento de producción que desde el punto de vista estrictamente musical, siempre ha sido de una gran heterogeneidad respecto de los géneros y los lenguajes. Desde el punto de vista de mercado, es un producto directo del conflicto de las Malvinas, que cobró trascendencia nacional a partir de un talento musical innegable (me refiero al de Baglietto), pero que luego, por condiciones de mercado posteriores al conflicto, entre las que se encuentran el éxodo de gran parte de sus integrantes a Buenos Aires, hicieron que fuera perdiendo cierta mística no premeditada que podría haberle dado mayor proyección. Quizás esto, más condiciones generacionales y de formación musical de los que nos seguían, sea tal vez la explicación de esa falta de descendencia musical.
¿Cuáles fueron tus influencias?
Mis influencias más importantes fueron Litto Nebbia y Los Gatos, Eduardo Falú y Jaime Dávalos, Gustavo Leguizamón y Manuel Castilla, Chico Buarque, Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez y Luis Alberto Spinetta. También Paul Simon, ya que Los Beatles me llegaron muy tarde, y también a Joan Báez.
¿Aporta algo la globalización en la creación musical de la Argentina?
En principio creo que puede otorgar una visión universal, una información ampliada, a la que seguramente ninguna sensibilidad puede permanecer indiferente. Respecto de las particularidades creativas o expresivas, no creo que Internet haga más que potenciar lo que ya está dado. Hay ciertos géneros que se van a abroquelar sobre sí mismos y otros que se van a abrir con mayor repercusión.
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Reportaje en "El Cronista Digital" de Paraná (Entre Ríos).
Octubre de 2003.
Jorge Fandermole: “En Paraná tienen tipos muy creativos”
El cantautor rosarino habla del fenómeno de la trova rosarina, de su trabajo, y destaca el valor de algunos artistas de la capital entrerriana.
Uno busca en un cajón y encuentra eso que necesitaba ayer… y hoy ya es tarde. Después sigue sacando cosas y halla, por fin, el documento de identidad, aunque lo necesitó por última vez en octubre del año pasado, el día de las elecciones, sin suerte de dar con su verde y rugoso paradero. ¡Bueno, a esta altura uno ve que no era tan necesario!. Pero las cosas aparecen cuando menos se las espera. Como el casete ese, que se hizo rogar antes de mostrarse dentro de una caja con otros 104 casetes que custodian testimonios en formato de entrevistas. Lo metemos en el grabador, chequeamos y ¡por fin! sale la voz pausada, llana y sincera de Jorge Fandermole: el rosarino que hizo historia en la historia de la música argentina. Aunque los diccionarios no hablen de él, y sí lo hagan los recuerdos que miles de muchachos y chicas colgaron de sus canciones durante las tres últimas décadas, Fandermole es un prócer de la poesía y la música de este lado del planeta.
Unos horas antes de su presentación en una impiadosa tarde de diciembre de 2002, Fander habló con Cronista Digital, mientras esperaba que le abran las puertas del 3 de Febrero para que él y sus amigos músicos de Paraná puedan entrar los instrumentos con los que fabricaron una presentación maravillosa.
Desde esa presentación, desde esa charla, hasta la publicación de esta nota, pasaron casi tres meses. ¡No importa!, lo que dice Fandermole sirve hoy, como en 1983, como dentro de 10 años.
-El artista afuera esperando y el teatro cerrado...
-Teníamos horario a la cinco y media y como no queremos desperdiciar ni un minuto.
-Esto de verte traer los equipos, las chicas que pasan cerca y no saben que sos el que escribió Canción del Pinar, aunque la hayan cantando mil veces bajo la ducha. ¿Es una determinación eso de escaparle al ruido, a los flashes, a la gran ciudad?
-No, no. Creo que en realidad no hay ningún tipo de determinación personal en cuanto a lo que pueda uno trascender o no. Primero que creo en el mercado actual, la trascendencia está del lado del espectáculo. Y en general los compositores no hemos sido centro del mercado nunca. Pero yo no lo veo como un lamento, sino que las cosas siempre fueron así. Por otro lado me parece que, en realidad, el tema de la emergencia -que de eso se trata- de algunos artistas está vinculada a los lugares de residencia, a los lugares de trabajo; y en general yo creo que es un fenómeno común a todos los artistas del interior.
Me parece que, en general, es mucho más consistente, mucho más importante que lo que se sabe del trabajo desarrollado. Y probablemente eso tenga que ver con la modalidad de difusión, inclusive de los medios locales y regionales, que tienen una fuerte referencia en los medios centrales. Y por otro lado, los medios centrales no se hacen eco de las actividades culturales del interior, excepto que se llegue hasta su propio riñón. Es bastante difícil que diarios de Buenos Aires, de motu proprio, cubran sucesos de cualquier índole que ocurran en el interior, excepto cuando se trata de catástrofes o cuestiones que tengan una importancia relacionada con el rating. Creo que tiene que ver con eso.
-¿El éxito comercial, por llamarle de alguna forma, de la trova rosarina estuvo garantizada por la partida de Juan Carlos Baglietto a Buenos Aires?. Digo, por eso que señalás vos de que "hay que ir hasta el riñón de las grandes ciudades".
- Sí, sí. Yo creo que sí...
-Es como que se cerró un circuito perfecto, entre ustedes que escriben y que deben quedarse en su propia geografía, en sus propios ambientes y entre aquellos que difunden y se van hasta el riñón de la ciudad. ¿Lo vés así?
-Mirá, nunca se ha dado como algo formulado de esa manera, lo que sí ocurre es que en general ese fenómeno de emergencia, de eso que dieron en llamar La Trova Rosarina ocurrió ... primero porque había un gran intérprete, de una singular y considerable fuerza expresiva, que ya tenía años de trabajo y una importante energía puesta en su camino, ¿no?. De modo que en el momento en que se le presentó la oportunidad era indefectible que iba a ocurrir ese surgimiento. Y por atrás vinimos gente que estaba vinculada a él, tal vez en otras disciplinas. Por ejemplo en mi caso tenía que ver más con la composición que con la performance. Pasado el momento histórico que propició ese movimiento, hubo un decaimiento, no a nivel de actividad de la gente sino el nivel de conocimiento general que se tenía del suceso (o del fenómeno), entonces parecía que, la misma gente que años anteriores estuvo en el tapete, parecía que había desaparecido. En realidad, ninguno de los que participaron de ese movimiento informal dejaron de trabajar nunca. Todo ese tiempo estuvimos activos: editando discos, generando material nuevo, Este tipo de fenómenos tiene más que ver con cuestiones mediáticas, cuestiones de mercado, donde el mercado discográfico sobre todo, que es el que manda, pauta un poco qué es lo que pasa.
- ¿Fito Páez fue parte de la trova rosarina?
- Sí, por supuesto. En realidad nunca nadie dijo “Fulano es y Mengano no lo es”, en realidad esa denominación la dio el periodismo y dentro de eso involucró a la gente que estaba más cercana a ese fenómeno. En ese momento Fito Páez se perfilaba como un gran compositor, como un buen arreglador, como un buen pianista, dentro de la banda de Juan Baglietto y después continuó su camino por peso propio como solista y como uno de los grandes referentes de la música argentina. Pero sí, era parte, claro.
- Creés que hay, así como fue la trova rosarina, algún otro movimiento en el interior que no se ve y que no tenga la difusión que corresponde? Por ejemplo, aquí en Paraná ¿hay algo de eso, que el mundo se lo está perdiendo?
- Yo estoy seguro. Primero hay que aclarar que el movimiento de la trova rosarina no existe como tal, no existió nunca como movimiento formulado, como cosa formalizada. Yo creo e que es una suma de voluntades entre gente que estaba vinculada entre sí, desde lo escénico, desde lo creativo, y que en algún momento a alguien se le ocurrió denominar a eso en forma plural.
A mí no me caben dudas, a partir del conocimiento que estoy teniendo de gente del interior, que la mayor parte de la producción artística, en todas las disciplinas, no es lo que se ve. Es como que, en todo caso, si vos decís “los fenómenos a la vista constituyen una muestra de la cultura de un país”, yo no estaría muy seguro de que sea así. Yo creo que lo que está a la vista es un emergente ínfimo de lo que ocurre culturalmente en un país. Principalmente en aquellas actividades artísticas que están ligadas a un mercado determinado. Me parece que pasa lo mismo con la danza, con el teatro ... pasa con la música, en sus diversos géneros. Cada lugar creo que tiene gente valiosa, y cuando digo valiosa lo puedo decir con nombre y apellido, de los lugares que he podido visitar me he traído una sorprendente emoción, por conocer a tal o cual compositor o autor.
Y acá en Paraná tienen a gente de muy buena formación, tipos muy creativos que creo (yo no conozco mucho) que el Negro Aguirre es uno de los más importantes referentes del país. En cuanto a forma de ver las cosas, lo artístico, a la manera de producir, en cuanto al impulso creativo y cómo lo desarrolla. Y vos te podés encontrar con gente así en cualquiera de las provincias, lo que pasa es que forman parte de una periferia, sobre todo en un mercado que está tan concentrado, tan vinculado a la farsa del Primer Mundo y la Globalización. A causa de esa centralización existe una periferia muy ancha.
-Vos grabaste con Sagrahada Medra, un sello de aquí de Paraná. Seguro que al momento de grabar estás decidiendo “con este sí, con este no”. ¿Alcanza con tu decisión o tenés que estar permanentemente escapando de las garras de un sello comercial, rico y grande?
- Por un lado me parece que fue una buena decisión. Pero hay varias cosas. En principio yo tengo más predisposición para trabajar con gente que tiene mi mismo criterio, respecto a los estético, a las modalidades de trabajo y producción. Hay una permanente comunión que se da solamente en un sentido, lo que estamos haciendo no despierta una gran avidez por parte de los sellos discográficos importantes. Sencillamente por ninguna de las expresiones de los que estamos acá se puede convertir en un hit, porque no participa de ciertos lenguajes, de modo que a ninguno de nosotros nos estuvo corriendo ningún sello tentándonos con ningún tipo de propuesta. Pero eso viene pasando desde hace mucho tiempo. En un momento donde los fenómenos mediáticos como “Popstars”, o los chicos futbolistas, donde convocás a decenas de miles de jóvenes buscando un genio ... y lo vas a encontrar al genio. Es muy fácil, es muy sencillo. Y si vos querés armar alrededor de ese tipo talentoso un producto que se venda al otro día como pan caliente, también lo vas a lograr. Entonces, en medio de eso, lo que nosotros estamos produciendo no pertenece a ese rango de hit, de modo que no hay ningún sello que esté dispuesto a hacer un buen negocio con nosotros, ni nosotros estamos dispuestos tampoco a servir de carnada para ningún sello. Por eso es cada vez más fuerte la producción, la edición independiente.
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Viernes 26 de septiembre de 2003
Jorge Fandermole en gira regional con "Navega"
El cantautor rosarino Jorge Fandermole hoy inicia su gira a las 22 en Casa de la Cultura de General Roca, mañana estará a las 22 en el Teatro de la Ciudad, Sarmiento 458 de Neuquén Capital. Trae los temas de su último disco, "Navega".
NEUQUEN (AN).- ¿Quién si no ese muchacho mitad campesino mitad urbano pudo armar mixturas? Se lo escuchaba con devoción a veces y luego, cuando las luces se apagaban , la gente se iba canturreando "Canción del pinar", "Tiempo de silencio", "Río marrón" y "Era en abril".
La juventud eclosionaba y Jorge Fandermole pasó a formar parte de la Trova Rosarina, la mismísima en cuerpo y alma que luego -con pujanza y prepotencia de trabajo arltiana- desembarcó en Buenos Aires con Juan Carlos Baglietto a la cabeza.
De los locos furiosos -en el sentido simbólico- seguidores de los provincianos que pusieron la "alpargata" fuerte en el adoquín del puerto, quedan casi todos prendidos a los discos, regodéandose con aquellos temas nacidos en 1997 cuando formó Rosarinos, con Lalo De los Santos, Adrián Abonizio y Rubén Goldín. A Neuquén llegaron en bandada hace años e hicieron una de las mejores actuaciones a auditorio lleno, compartiendo con la gente a manos llenas En el 2002, luego de nueve años en que Jorge anduvo los escenarios, editó "Navega", un disco con doce temas propios, que es el que lo trae nuevamente a la región, donde lo presentará hoy en Casa de la Cultura de Roca y mañana en el Teatro de la Ciudad de Neuquén, ambos días a las 22. De su discografía anterior se recuerda "Pájaro de fin de invierno" (1983), "Tierra, sangre y agua" (1985) y "Los trabajos y los días" (1993).
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Experiencia, vitalidad y lucidez
Fandermole cantará mañana en Casa de la Cultura de Roca y el sábado en el Teatro de la Ciudad de Neuquén, canciones que lo ubican como uno de los más talentosos autores nacionales.
Jorge Fandermole lucha por la difusión de su música.
Autor de "Era en abril", "Tiempo de silencio", "Río marrón" y "Canción del pinar", en "Navega", el último trabajo de Jorge Fandermole reúne doce obras propias que ya han interpretado otros músicos como Mercedes Sosa, y otras que él mismo ha hecho trascender: "Corazón de luz y sombra", "Lo que usted merece", "Navega", "Marina", "El limonero real", "La mirada", y "La torcida", acompañado por Carlos Aguirre en piano, acordeón y voz, el bajista Fernando Silva, Juancho Perone en percusión, los teclados de Iván Tarabelli, el Trío de Guitarras de Rosario -Claudio Bolzani, Gustavo Marozzi y Carlos Casazza- más José María Blanc y Rubén Goldín en voces.
"Estuve todo el año presentando este disco; en la mayoría de los casos lo hice solo, aunque en algunas oportunidades me acompañó Carlos Aguirre en piano o la banda con la que lo grabé, pero sin músicos invitados. En el sur, particularmente, voy a tocar sólo un repertorio conformado por canciones del disco y una selección de las que vine componiendo en los últimos diez años y las más nuevas, que no entraron en 'Navega'. Las temáticas abordadas hoy no varían demasiado de las que me ocuparon siempre; creo que la canción es una forma expresiva muy elástica para, con enfoques y lenguajes diversos, manifestar desde lo sensible nuestra visión de las cosas del mundo que nos interesan. Pero, por sobre todo, me importan los lenguajes y tanto los de los géneros que forman parte del llamado folclore como los urbanos son -para cada cosa en mayor o menor medida- más pertinentes o más eficaces" Fandermole fue parte de la Trova Rosarina que desembarcó en Buenos Aires en los '80, con Juan Carlos Baglietto a la cabeza. "Hay una dinámica de vida en Rosario relacionada con su historia, su crecimiento y su escala. En los géneros urbanos se nota más el color local, por llamarlo de algún modo, pero no puedo definirlo y nadie puede hacerlo porque aún carecemos de perspectiva histórica", precisa el cantautor que sigue viviendo en Granadero Baigorria, pegadito a Rosario, hacia el norte. "La Trova fue un movimiento informal de producción que en lo musical siempre tuvo gran heterogeneidad al expresarse; para el mercado, un producto emergente del conflicto de Malvinas, que trascendió al ámbito nacional a partir del talento innegable de Baglietto, pero luego, por el éxodo a Buenos Aires de gran parte de sus integrantes, fue perdiendo cierta mística que podría haberle dado mayor proyección. Quizás esto, más condiciones generacionales y de formación musical de quienes nos seguían, explique la falta de descendencia musical".
- ¿Cómo responder a las condiciones actuales del mercado?
- "Las posibilidades de comunicación de una producción musical no pueden ni deben dejarse condicionar por las reglas de un mercado cada vez más estrecho y centralizado, que atentan contra la diversidad cultural del mismo modo que desde las corporaciones agroquímicas y desde la ingeniería genética se afecta la biodiversidad. En general, son estos estrechamientos los que propone la globalización. Desde lo artístico, la respuesta pasa por la alternativa: producción de espectáculos y ediciones independientes, modos de acción que partan de un pensamiento divergente; afortunadamente cada ve más frecuente entre los músicos. La difusión es una lucha diaria que debe librarse sin descanso".
Autor, compositor, intérprete y docente de música, nacido en Andino, Santa Fe, hace 47 años, está casado y es padre de dos hijos, de 9 y 5 años. "Para ellos deseo una vida digna, feliz y en paz. Quisiera que fueran gente que actúe críticamente y en la convicción de que sus acciones están sumándose a lo que construye y conserva. Quisiera que fuesen lúcidos y enérgicos. Trabajo contra las condiciones de base que cercenan su conocimiento y su bienestar, como cualquier papá" "Desde 'Era en abril' he cambiado lo que te imponen treinta años de diferencia; lo que pasó afuera en ese tiempo lo conocemos todos. Lo que sucedió internamente es demasiado complicado, pero el balance es bueno: ganan la experiencia y la vitalidad; ojalá la lucidez también. No puedo manejar datos objetivos para medir cuánto cambió nuestra realidad en ese tiempo. Intuitivamente y por algunos indicadores personales tengo la sensación de que han acontecido gran cantidad y diversidad de sucesos y muy poco cambio significativo. Nadie puede dudar que desde el punto de vista social las condiciones han empeorado; cultura y educación se han deteriorado, al igual que alimentación y salud. En el plano político parece que hubiese aumentado un poco el interés de la gente, aunque no su participación. ¿Puede un músico hablar tan livianamente sobre condiciones por todos conocidas?" se pregunta Jorge y queda pensativo por unos segundos. "Sí creo que hemos retrocedido en los valores que desde lo individual y lo comunitario harían crecer una sociedad en la que prevalecen lo ignorantes, hipócritas, cobardes y egoístas. Que cada uno haga su evaluación y me disculpe si me equivoco, no pretendo ofender a nadie".
Eduardo Rouillet
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JOSE RAMÓN SAN JUAN |
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Santander, 25-XII-46)
Periodista y poeta, su vinculación a la música comienza a los quince años en el marco del "pop" como líder de dos grupos de corta vida y escasa incidencia. En esa época se inicia en la composición. Luego, sus temas se adensan y profundizan en la realidad, a partir de su traslado a Madrid, a los 18 años, para estudiar Periodismo, lo que le da oportunidad de conocer la entonces naciente canción de autor a través de los temas de Raimón y Serrat fundamentalmente, así como las primeras grabaciones de Paco Ibáñez, que aún no se distribuían en España. Esta triple influencia, unida a la del cantautor belga Jacques Brel, a la de los "folk singers" norteamericanos (Pete Seeger, Bob Dylan, Joan Baez...) y a la de un argentino crucial y casi olvidado (Atahualpa Yupanqui) marca profundamente sus planteamientos creativos, regidos por el principio de lograr la ambientación musical más adecuada para expresar un texto determinado.
En los últimos años 60 forma en Santander, junto al grupo de "folk" Nuevos Juglares, el colectivo Canción del Pueblo, única referencia entonces, en Cantabria, de la "folk song" de contenido social y de la canción de autor.
En 1973 se despide de los escenarios con su participación en un festival celebrado en Madrid para volcarse en la práctica del periodismo y limitar su actividad artística a la poesía (Antología Poetas de Cantabria hoy, 1979, y diversas publicaciones en la revista Peña Labra desde 1972 hasta su desaparición).
Retoma la composición a partir de 1991 y participa en la fundación del colectivo de cantautores cántabros Cantera. La presentación del colectivo, en diciembre del 95, supone su retorno a los escenarios.
En Abril de 1998 aparece su primer disco, titulado Tierra de Nadie e integrado por once canciones originales, de las que es autor, en letra y música, con la excepción de No vale (poema de Agustín Millares) y Yo voy soñando caminos (poema de Antonio Machado).
Su próximo disco, titulado Nación Humana, verá la luz en 2001 y entre su contenido se incluirán varias adaptaciones de temas de Jacques Brel.
Guillermo Balbona Arauna (Bilbao, 20-VI-1962) es -así se define él mismo- periodista de profesión y poeta de convicción. Escribe poesía desde los primeros años de adolescencia y es autor de más de una decena de poemarios.
En 1987 obtuvo el segundo premio del certamen de Poesía del Mar "Jesús Cancio" por su obra Azules disturbios, playas blancas.
En 1988 fue finalista del Premio Nervión, convocado por la Sociedad "El Sitio" de Bilbao.
En 1991 logra el primer accésit de la XI edición del Premio José Hierro, convocado por el Ayuntamiento de Santander. Tres años después repite premio en el mismo certamen.
Ha publicado en la colección La Sirena del Pisueña el poemario El abandono está lleno de rosas (1994) y una muestra significativa de su obra fue incluida en Mar de fondo (Antología de poesía última en Cantabria) en 1996.
La mayor parte de los poemas aquí reproducidos aparecen publicados en el libro editado en Abril de 1999 por Manuel Arce con motivo del 50 aniversario de su colección La isla de los ratones, de honda influencia en las letras españolas. Dicha edición es acompañada por una poética de cada autor. La de Guillermo Balbona se reproduce más abajo..
Leer poemas
POETICA DE LA NO POETICA
Buscar las señas de identidad de lo poéticamente correcto en uno mismo me parece gratuito y escasamente sincero. Bien que uno mismo debe descifrar sus claves, o bien convertir su territorio de creación en un manifiesto claro en el que la poesía se tienda orgullosa de sí misma. Pero he sido testigo de pedantes poéticas que superaban en ardor, intensidad y pasión a las poesías que frágilmente sostenían. Cuánta preocupación tan obsesiva en nuestro tiempo ha llevado a propiciar más definiciones de poesía como forzadas declaraciones de principios que el verso en la palabra, y viceversa, como único estandarte.
Es cierto que existen unas claves. Las mías son la pasión, la necesidad de desvelar a través de la palabra, la cotidiana tarea de decirse a uno mismo el hallazgo de estar y ser en el mundo. La insoportable levedad del ser confundida con la posibilidad pessoana de encontrar en todo un más allá del fingimiento sentimental que me procura una estancia para reconciliarme con la vida o para descubrir la complicidad con el tiempo que nos alumbra y nos oculta. Sólo hay memoria y nostalgia, aunque sea de un futuro que nunca nos tiene reservados. Y, por supuesto, no fundamento más poética que la pérdida: esa fugacidad que nos arrebata el poderoso influjo de lo que nunca llegamos a tener. Desposeídos siempre.
Por ello, entre la metáfora y la negación gramatical del orden riguroso que no deja resquicio para inventar las palabras cada día, concibo la poesía como rescate, reencuentro, código existencial, silencioso acuerdo, territorio con el que burlar la superficie que nos aparta del mundo.
Guillermo BALBONA
1999
VALENTIN PEREZ VENZALA (Madrid, 1972) estudió Filología Hispánica en la Univesidad Complutense y realiza actualmente su doctorado sobre literatura picaresca española y su relación con la locura y la llamada literatura bufonesca.
Su interés por la literatura despierta tempranamente y funda y dirige en el instituto la revista Qhita, que aún sobrevive, en tanto que su vocación artística se ha materializado en estudios musicales y en su experiencia como actor teatral, además de escribir poesía y prosa.
Ha publicado artículos en publicaciones científicas de su especialidad, como Revista de Dialectología y Tradiciones Populares, del CSIC, o Dicenda, editada por la Facultad de Filogía Hispánica de la Universidad Complutense. Es autor de un Cd rom interactivo sobre Miguel de Cervantes y su obra, coordinador del colectivo Minotauro y director de su revista en Internet, MInotauro Digital, que pretende ser un rincón en la red para el arte y la literatura en todas sus vertientes.
ELVIRA CALVO (Madrid, Octubre de 1970) mostró una pronta pasión por la literatura, primero como insaciable lectora y enseguida como escritora.
Sus primeras obras ven la luz en la revista del instituto en que estudiaba. Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad Complutense, es profesora de Lengua y Literatura y está elaborando actualmente su tesis doctoral. Paticipa en el grupo Minotauro como redactora de la sección literaria de la revista digital del colectivo.
Los poemas aquí reproducidos pertenecen
a De alas corazón y Pájaro de sueño. |
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juanjo respuela |
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Guitarrista y compositor de BLOQUE, legendario grupo en tiempos heroicos del rock hispano, con 6 discos fundamentales editados por CHAPA Discos.
Posteriormente, músico, técnico de sonido y productor de grupos siempre interesantes ( Mastretta,La Bea,Green Notes,etc..)
Fundador de los Estudios SALAMANDRA en Santander, por donde han pasado la mayoría de los músicos de Cantanbria.
Creador del 'Taller Experimental de Música y Sonido', una iniciativa original para formación de músicos y técnicos.
Actualmente, presenta su nueva formación instrumental,' NOTAS al MARGEN ',un homenaje a sus guitarristas más queridos ( Peter Green, Bill Frisell, Jeff Beck, Scofield,etc..)
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LA CURSI |
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CURSI, nació a mediados de 1997, creado por Fabián Krut y Diego Drexler. Entre 1999 y el 2001 la banda fue afianzando su presencia en escenarios locales, tanto de Montevideo como de la costa este.
En Diciembre de 1999, el grupo presentó su primer disco, "CURSI".
El 2000 fue un año movido para CURSI. Se realizó una presentación a sala llena en la Sala Zitarrosa (15-10-00) y, gracias a la repercusión generada por ese recital, la banda realizó una gira de verano por toda la costa nacional, con más de 20 presentaciones entre enero y febrero del 2001.
El gran salto llegó en el 2002 con la edición de “Del 2 al 70”. Con este disco, CURSI obtuvo una repercusión considerable gracias a la gira de presentación del mismo por todo el país (destacándose sus shows en Argentina y Paraguay) y a la fuerte difusión en radios de varios de sus singles (“Yo confío en el dolor”, “Terapias Alternativas”, “La Pachanga Falsa”). Además, el clip de la canción “Del 2 al 70” (dirigido por Gabriel Bossio) se mantuvo más de seis meses en rotación en la cadena MTV latina.
En octubre del 2003, se publica CURSIMIX, un trabajo original y novedoso basado en remezclas de gran parte de las composiciones de “Del 2 al 70”. Se trata de una selección de remixes de temas del disco anterior y del otro material de la banda, realizados por músicos de Uruguay y Argentina.
Se quiso lograr que cada músico diera su propia versión de los temas de CURSI; la música del grupo vista por los ojos de los otros. El resultado es un disco como nunca se ha producido en Uruguay, una mezcla sorprendente y atrayente de temas conocidos y sonidos nuevos. Un disco “parecido” a CURSI, pero a la vez total y radicalmente diferente.
Un año mas tarde, octubre del 2004, sale a la calle “Corazón de Hotel”, el cuarto disco de Cursi. Estamos ante un trabajo diferente pero que conserva intacto el estilo particular de la banda.
Grabado en el estudio “Cerro de las Espinas”, bajo la producción de Román Varas, quien ha colaborado con artistas de la talla de Kevin Johansen y Babasónicos, éste disco muestra la capacidad que tiene Cursi para explorar constantemente nuevos caminos sin perder un estilo que le es propio. Esta edición incluye el video-clip del tema “Te Besé”, dirigido por Gabriel Bossio.
“Creemos que en este disco la gran apuesta es tratar de seguir buscando nuevos caminos, seguir abriendo puertas y tratar de no caer en la repetición de nosotros mismos”.
Cursi va camino a ganar su apuesta. “Corazón de Hotel” es editado por el sello argentino Pop-Art en abril del corriente año y la banda se prepara para realizar varias presentaciones al otro lado del río.
De nuestro lado del río podemos esperar la vuelta de Cursi para el mes de junio. Será la Sala Teatro Movie-Center quien recibirá los días 15 y 16 de junio a Cursi y por supuesto a su público que aumenta día a día.
Podemos esperar un show nuevo, una nueva propuesta y una novedosa puesta en escena, todas cosas a las que Cursi nos tiene acostumbrados. :::
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LA GUITARRA |
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Pedro de Miguel, P. Bernabé, A. López, J. Ramirez, Gerundino Fernandez, Jerónimo Pena Fernández, Raimundo&Aparicio, M. Contreras, Casimiro Lozano, Antonio Picado, A. Marin Montero y una larga fila de luthiers utilizan este site para exponer sus instrumentos....entrad, es muy interesante.
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LA MÚSICA EN CANTABRIA |
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Hola,
Pues no sé qué poner aquí, al principio parecía que lo tenía claro pero no.
Y es que,... ¿qué voy a decir?:
...que soy Nacho Fernández Campuzano?,
...que vivo en Cantabria, paraíso terrenal?,
...que llevo escuchando buena música desde 1978?,
...que soy el más alto, el más guapo o el más listo?,
...que hace tiempo que no oigo nada nuevo que me guste?,
...que toco la guitarra desde hace más de 15 años (y no soy bueno)?,
...que ya no soy un crío, pero tampoco un viejo (Too old to rock´n´roll too young to die)?,
...que me estoy aburriendo?.
Pues no.
Pensé en poner un guestbook de ésos, pero eso es saludo para un día y punto. Además ya tengo uno en mi página tributo a Rory Gallagher...
También pensé en un foro por si queríais poneros en contacto conmigo. Pero ya tengo uno también en la página tributo a Rory,... y paso de estar como loco mirando el foro dos o tres veces al día. Así que si alguien quiere hacerme preguntas sobre música o instrumentos musicales aquí tiene mi E-mail.
No soy un experto en nada, pero a lo mejor os sirve mi ayuda... ¡Ojo!¡Nada de mariconadas!
MI COLECCIÓN DE DISCOS A (volver)
AC/DC Let there be rock
Al DiMeola, McLaughlin, Paco De Lucia Friday Night In San Francisco
Albert & The Blue Kings Deltonos en…
Albert Collins Live ´92-´93
Albert Collins En directo 2 VCDs
Albert King Live
Albert King Live at the Fillmore
Alex A. & TNT I feel the blues again
Ali Farka Toure with Ry Cooder Talking Timbuktu
Allman Brothers Band Brothers and Sisters
Allman Brothers Band Hittin´ The Note 2003
Allman Brothers Band Madness of the West
Allman Brothers Band Midnight Rider
Allman Brothers Band NY 71
Allman Brothers Band Rock from the South
Allman Brothers Band Brothers of the Road 2 VCD
Allman Brothers Band Live at the Filmore 1970, VCD
Amadeu Casas Estrictamente personal
April Wine Live 21/11/82
April Wine Live on the King Biscuit Flower Hour
Arthur Williams Harpin´ On It (with Boo Boo Davis)
Aynsley Dunbar Retaliation
B (volver)
Bad Company Bad Co.
Bad Company Live In Concert
Bad Weather Little bit of…
Bakerloo Bakerloo 1969
Banshee DemoCD
BB King Completely Well
BB King His definitive greatest hits
BB King Live at San Quentin
BB King Live at the Apollo
BB King Live in Japan
BB King Martin Scorsese Presents The Blues
Beatles 1
Ben Harper Burn to shine
Ben Harper Fight For Your Mind
Ben Harper The Will To Live
Big Bill Broonzy Warm, Witty & Wise
Big Dave McLean Blues from the middle
Big Dave McLean For the blues… "always"
Big Dez Sail on Blues
Big Joe Turner Jackson on my mind
Big Mama & The Blues Messengers Blues, Blues, Blues
Big Mama & Victor Uris Blues De L'Ombra Blava
Big Mama Electric Band Ser O No Ser
Big Mama, Victor Uris & Amadeu Casas Blues De La Inflació
Billie Holliday Me, Myself and I
Billy Idol Rebel Yell
Black Crowes Amorica
Black Crowes black crowes + Robert Plant bootlegs from tape
Black Crowes Three Snakes And One Charm
Black Oak Arkansas Fresno 1974
Black Sabbath Iron Man -Greatest hits
Blackfoot Live on the King Biscuit Flower Hour
Blind Boy Fuller East Coast Piedmont Style
Blind Faith Blind Faith
Bloodrock Live 1972
Bloque Bloque
Bloque El Hijo del Alba
Bloque Hombre, Tierra y Alma
Bloque Musica para la libertad
Blue Oyster Cult Live 1975
Blues Blasters Keep the blues alive
Blues Creation Demon Eleven Children
Blues Creation I
Blues Devils Nightlife
Bluesfalos 10º Aniversario
Bluesfalos La magia
Bluesfalos Mi guitarra y el Blues
Bob Dylan Greatest Hits
Bob Dylan Greatest Hits Volume 3
Bob Dylan NY - Tramps - 26/7/99 - 2 CD
Bob Dylan Orlando 2002-TD Waterhouse Centre 2 CD
Bob Dylan Strasbourg 2002-Hall Rhenus, France 2 CD
Bob Seger & the Silver Bullet Band Greatest Hits
Bob Seger & the Silver Bullet Band Live Bullet
Bogart´s Bounce The JW Jones Blues Band
Bonnie Raitt Road Tested
Bonnie Raitt The Bonnie Raitt Collection
Booker T. & the M.G.s Green Onions
Brian Setzer Nitro Burning Funny Daddy
Brian Setzer Orchestra The Dirty Boogie
Brian Setzer Orchestra Guitar Slinger
Brooks, Hunter & Walker Lonestar Shootout
Bruce Springsteen Born To Run
Bruce Springsteen Greatest Hits
Bryan Lee Blues Band Toronto Jazz Festival - 1 Julio 2000 - 2 CD
Buddaheads Howlin´at the Moon
Buddaheads Mungo Jumbo
Buddy Guy The Complete Chess
Buddy Guy The Complete Chess Studio Recordings 2 CD
Buddy Guy & Junior Wells Alone & Acoustic
Buddy Holly La historia de Buddy Holly, 2 VCD
Budgie Budgie
Budgie In for the kill 1974
Budgie Nunca le vuelvas la espalda a un amigo
Bugs Henderson Call of the wild 2CD
Bugs Henderson Daredevil of the red guitar
Bugs Henderson Drug Store Blues
Bugs Henderson Guitarbaz-drumz - Live 2001
Bugs Henderson Legendary Jams
Bugs Henderson Prohibition Room. Live Dallas 88
Bugs Henderson That´s the Truth -Live!
Burning Bulevar + Atrapado en el amor
Burning Madrid + El fin de la década
Burning Rock´n´roll
Burning Plauge M/T 1969
Burning-Tributo Banquete para ellos
C (volver)
Cactus ´Ot´n´Sweaty
Caledonia Blues Band Blues for the mother
Camel Paris Collection - Live 2001
Canned Heat Blues History
Canned Heat Canned Heat Blues Band
Canned Heat On the road again
Canned Heat San Francisco 1971
Canned Heat The great Canned Heat
Canned Heat Boogie Up the country
Canned Heat Rolling and tumbling
Canned Heat The best of Canned Heat
Caravan Live at the fairfield halls 1974
Carson Blown 1972
Carson Downey Band All the way
Cartoons Toonage
Charlie Musselwhite Ace of Harps
Charlie Musselwhite One night in America
Charlie Musselwhite Stand Back!
Chicken Shack 100 tn Chicken 1969
Chicken Shack 40 Blue Fingers 1968
Chicken Shack Accept 1970
Chicken Shack BBC on air 1971
Chicken Shack Imagination Lady
Chicken Shack Live Webb Tour 2002
Chicken Shack OK Ken 1968
Chicken Shack Stan Webb´s Chicken Shack - Plucking Good
Chicken Shack Stan Webb´s Chicken Shack - Stan the Man Live
Chicken Shack The collection-Castle Communications
Chicken Shack Unlucky Boy
Chicken Shack Webb´s Blues 1994
Chicken Shack Winchester 9-3-2001
Chicken Shack Goodbye Live 1973
Chris Barber´s Jazz Band Greatest Hits
Chris Farlowe M/T
Clarence Gatemouth Brown Gate’s On The Heat
Clarence Gatemouth Brown Long Way Home
Climax Blues Band The best of CBB
Climax Blues Band FM Live 1973
Coco Montoya Can´t Look Back
Coco Montoya Gotta Mind To Travel
Coco Montoya Just Let Go
Coco Montoya Suspicion
Coco Montoya Ya Think id Know Better
Colin James And the Little Big Band
Colin James And the Little Big Band II
Colin James Bad Habits
Colin James National Steel
Colin James Traveler
Colosseum II Strange New Flesh
Concord Jazz Like Minds ´98
Coronas M/T
Cream Disraeli Gears
Cream I & II (In the studio & Live) 4 CDs
Cream Strange Brew - The Very best of…
Cream Wheels Of Fire 2 CD
Credence Clearwater Revival 25 Grandes Exitos
Credence Clearwater Revival Woodstock 1969
Cristine Perfect Cristine Perfect 1970
Custard Pies A tribute to Led Zeppelin
D (volver)
Dave Hole Ticket to Chicago
David Gogo Halfway to Memphis
David Gogo Live at Deer Lake
David Gogo Personal Jesus (Promo CD)
David Gogo Recorded Live
De Entramborríos Blues Band Cuadrabonia
Debbie Davies Picture this
Deborah Coleman I Can´t Loose
Deborah Coleman Soul be it
Deep Purple In Rock- Anniversary Edition
Deep Purple Machine Head - 25 Anniversary
Deep Purple Made in Japan
Deep Purple Made in Japan 25 Aniversario 2CD
Deep Purple Parlez Vous Purple - Paris - 7 Agosto 1985 2 CD
Delaney & Bonnie On Tour With Eric Clapton
Deltonos ¡A comer a casa! -CD single
Deltonos Bien Mejor 2 CD
Deltonos Como decía Yo-Edición Limitada
Deltonos Ego Trip
Deltonos Rien Mejor
Deltonos Solido
Deltonos Tres Hombres Enfermos 2 CD
Deltonos ZZ´s Top
Dereck Trucks Live 2/9/99
Derek & the Dominoes Layla and other assorted love songs 2CD
Derek & The Dominoes The Layla Sessions
Derringer Live 1983
Dixie Dregs Night of the Living Dregs
Dogs D´Amour All or nothing, Cdsingle
Dolphin Blues Band Papa Blues
Doobie Brothers Still Smokin´
Dr Feelgood Live at BBC 1974-5
Dr Feelgood Malpractice
Dr Feelgood Singled Out A´s B´s & Rarities 3CD
Dr Feelgood The UA Years
Dr. Feelgood Speeding thru Europe (Live in Concert)
E (volver)
Eagles Hotel California
Eagles The long run
Eddie Boyd & His Blues Band
Edu "Big Hands" & Whiskey Tren Maqueta
El Tri Otra tocada más
El Tri Un cuarto de siglo 2CD
Elliot Murphy Selección
Elmore James Dust my broom
Elvis Presley Solo Rock 2CD
Eric Bell Band A Blues Night In Dublin
Eric Clapton Bottom Dollar 1978 2CD
Eric Clapton Civic Center 1974
Eric Clapton Me and Mr. Johnson
Eric Clapton Reptile
Eric Clapton Roll it Over
Eric Clapton 24 Nights 2 CD
Eric Clapton 461 Ocean Boulevard
Eric Clapton Another Ticket
Eric Clapton August
Eric Clapton Backless
Eric Clapton Behind The Sun
Eric Clapton EC was here
Eric Clapton Eric Clapton
Eric Clapton From The Cradle
Eric Clapton Journey Man
Eric Clapton Just One Night
Eric Clapton Just One Night 2 CD
Eric Clapton Money and Cigarettes
Eric Clapton No reason to cry
Eric Clapton Pilgrim
Eric Clapton Rainbow Concert
Eric Clapton Slowhand
Eric Clapton There´s on in every crowd
Eric Clapton Unplugged
Eric Johnson AUSTIN CITY LIMITS 85 & 97
Eric Sardinas Devil´s Train
Eric Sardinas Treat me right
Etta James Let´s Roll
F (volver)
Fabulous Thunderbirds Collection
Fernando Noronha & Black Soul Live in Europe
Flamin´ Groovies Yesterday Numbers
Fleetwood Mac Bermuda Triangle (Los Angeles, CA, 1974)
Fleetwood Mac Boston Blues 2CD
Fleetwood Mac Capitol Theatre, Passaic, Mayo 1975
Fleetwood Mac Carousel Ballroom - San Francisco 68
Fleetwood Mac Live at te BBC - Peter Green´s Fleetwood Mac
Fleetwood Mac Live in Chicago
Fleetwood Mac Live -MARBLE ARCH ROCK
Fleetwood Mac Live -SARABANDAS
Fleetwood Mac London, 5/68
Fleetwood Mac New Orleans - LA Warehouse
Fleetwood Mac New Orleans 31/1/70, 2 CD
Fleetwood Mac ON STAGE
Fleetwood Mac San Francisco - Fillmore 4/1/70
Fleetwood Mac Shrine ´69
Fleetwood Mac The Dream
Fleetwood Mac Time
Fleetwood Mac Bare Trees 1972
Fleetwood Mac Behind The Mask 1990
Fleetwood Mac Fleetwood Mac 1975
Fleetwood Mac Future Games 1971
Fleetwood Mac Heroes are hard to find 1974
Fleetwood Mac Kiln House 1970
Fleetwood Mac Mirage 1982
Fleetwood Mac Mistery to me 1973
Fleetwood Mac Penguin 1973
Fleetwood Mac Rumours 1977
Fleetwood Mac Tango in the night 1987
Fleetwood Mac Then play on 1969
Fleetwood Mac Time 1995
Fleetwood Mac Tusk 1979
Fleetwood Mac The original Fleetwood Mac, The early years. VCD
Foghat Live 2000
Foghat Live on the King Biscuit Flower Hour
Foghat Los Angeles 1977
Foghat Return of the boogie men
Foo Fighters M/T
Frank Marino Live album 1978
Frank Marino Maxoom - Child of the novelty
Frank Marino Power of rock and roll
Frank Marino Salinas California 83
Frank Robinson & Guitar Curtis Deep East Texas Blues
Frank Zappa Apostrophe
Frank Zappa Boston 68
Frank Zappa Hot Rats
Frank Zappa My Guitar
Frank Zappa New York 1970
Frank Zappa Tercer Poder 2 CD
Freak Kitchen Appetizer 1994
Freak Kitchen Dead Soul Men 2000
Freak Kitchen Freak Kitchen 1998
Freak Kitchen Move 2002
Freak Kitchen Spankin Hour 1996
Freddie King Is a Blues Master
Freddie King Live at the electric ballroom
Freddie King This is the Blues!
Free All right now London 73
Free Civic Auditorium, Santa Monica, 22/4/72
Free Coatham Bowl 1972
Free Isle Of Wight Festival
Free Live
Free Sunderland + Radiohuset Stockholm 1/2/71
Free TCCC Ft Worth Texas 19/1/73
Free Winterland San Francisco 23/1/73
G (volver)
Gaby Jogeix Band Learnin´...
Gary Moore Out in the fields -The best of Gary Moore
Gary Moore Rockin´ Every Night
George Benson Absolute Benson
George Benson Breezin´
George Benson Gold Series
George Benson Weekend in LA
George Thorogood & The Destroyers Let´s work together
George Thorogood & The Destroyers The baddest of George Thorogood & the Destroyers
George Thorogood & The Destroyers Thorogood Live
Gerry McAvoy Bassics
Gillan Trouble -The best of Gillan
Glamour Puss Wire & Wood
Gov´t Mule Live 1997
Gov´t Mule Life before insanity
Graham Parker M/T
Graham Parker The best of
Grand Funk Railroad Closer... USA 70/75
Grand Funk Railroad Live Album
Grand Funk Railroad Shinin´On
Grateful Dead Bird Song
Grateful Dead Winterland 1978 4 CD
Grinderswitch Live at My Father´s Place
Grinderswitch Live tracks 95
Guess Who On Tour
Gun 1416326326 caja de cartón
Gun Taking on the world
H (volver)
Harmonica Coixa Blues Band Walkin' Blues + Harmónica Coixa Blues Band
Harry Manx West Eats Meet
Harvey Mandel Baby Batter
Heavy Jelly Take Me Down To The River 1968
Hems Harlem Gambling & Playing
Herb Ellis Roll Call
Herbie Mann Memphis Underground
Hip Linkchain Airbasters
Hollies Butterfly
Hollywood Fats Band Rock this house
Homer Homer 1970
Hook Herrera I´m gonna move
Hot Tuna Funky #7
Hound Dog Taylor Genuine Houserocking Music
Howlin´ Wolf The London Howlin´Wolf Sessions
Humble Pie Live on the King Biscuit Flower Hour
Humble Pie WINTERLAND THEATRE SAN FRANCISCO
I (volver)
Ibio Cuevas de Altamira
Ike & Tina Turner Millenium Collection 2CD
Imperfectus Bultus N.A.B. -O- Land
Imperfectus Bultus Saponaceus
Indigenous Medina Entertaintment Center, Medina, 31 Diciembre 2002 - 2 CD
Iron Butterfly In-A-Gadda-Da-Vida
J (volver)
J. Teixi Band Atrapado
J. Teixi Band Showtime
Jack Bruce BBC Live in Concert
Jack De Keyzer 6 String Lover
Jam Collection
James Brown At Studio 54
James Brown Live
James Gang Live in Concert 1971
Jane Live
Janis Joplin Absolute Janis 2CD
Janis Joplin Live at Winterland
Jason Buie Urban Blues
Jazzt four Ruth Demo Directo Sala Oassis 2003
JB Hutto Slidewinder
Jeff Beck Brisbane Australia 2/7/77
Jeff Beck Got the feelin´
Jeff Beck Guitar Shop
Jeff Beck Live at BB King Club 2003
Jeff Beck Jeff
Jeff Beck Jeff Beck Live at BB King Club & Grill NY 9/10/03)
Jeff Beck Jeffology
Jeff Beck Live 1989
Jeff Beck London 71
Jeff Beck Outtakes 25/10/74
Jeff Beck Philadelphia 5/2/75
Jeff Beck Shapes of things
Jeff Beck The Palladium NY 10/8/76
Jeff Beck Viena Austria 7/7/79
Jeff Healey Band Cover To Cover
Jeff Healey Band Feel This
Jeff Healey Band Hell to Pay
Jeff Healey Band See The Light
Jeff Healey Band For Your Love-Live in NYC 1990
Jeff Healey Band The very best of Jeff Healey
Jeffrey P. Ross My pleasure
Jethro Tull 25 Anniversary 4 CD Box
Jethro Tull Carnedgie Hall 1970
Jethro Tull In Concert
Jethro Tull Isle of Wight
Jethro Tull Live Bursting Out
Jethro Tull Night of the Road - Providence 3/5/75
Jethro Tull Thick As A Brick -25 Aniversario
Jethro Tull Living in the past
Jethro Tull Videoclips
Jim Suhler & Monkey Beat Starvation Box (The best of…)
Jim Suhler & Alan Haynes Live at Blue Cat Blues
Jimi Hendrix Axis: Bold as Love. Mono Edition
Jimi Hendrix Band of Gypsys
Jimi Hendrix Blues
Jimi Hendrix Electric Experience 2 CD
Jimi Hendrix Electric Ladyland
Jimi Hendrix FREEDOM (MONTERREY-HAWAI-NY)
Jimi Hendrix In from the Storm -CD Single
Jimi Hendrix Interview Disc & Fully Illustrated Book
Jimi Hendrix LIVE NYC
Jimi Hendrix NY 68
Jimi Hendrix ROCK ME BABY (MONTERREY-NY-WIGHT)
Jimi Hendrix Smash Hits
Jimi Hendrix The Jimi Hendrix Experience FF 4CD
Jimi Hendrix Woke up this morning and found myself dead
Jimi Hendrix Axis: Bold as Love
Jimi Hendrix Band of Gypsys
Jimi Hendrix Blues
Jimi Hendrix Concerts
Jimi Hendrix Electric Ladyland
Jimi Hendrix Experience Hendrix
Jimi Hendrix First Rays Of The New Rising Sun
Jimi Hendrix Live in San Diego 1969
Jimi Hendrix Singles Collection 1
Jimi Hendrix Singles Collection 2
Jimi Hendrix South Southern Delta
Jimi Hendrix Atlanta. 4 Julio 70, mpg. VG+
Jimi Hendrix Berkeley. 30 Mayo 70, mpg. VG+
Jimi Hendrix Experience 67. 24 Mayo 1967 & more, mpg. VG
Jimi Hendrix Hawaii & more. 30 Julio 70, mpg. VG+
Jimi Hendrix Koncerthouset. 9 Enero 69, mpg. VG-
Jimi Hendrix Monterey. 18 Junio 67, mpg. VG+
Jimi Hendrix Royal Albert Hall & more. 2 CD. mpg. VG+/Exc-
Jimi Hendrix The man they made god & "The Experience!", mpg. VG+
Jimi Hendrix VH1 Legends, mpg. Exc-
Jimi Hendrix Woodstock, mpg. VG+
Jimmy Morello The road i travel
Jimmy Rogers All Stars Blues Blues Blues
Jimmy Thackery Guitar
Jimmy Thackery Wild Night Out
Joanna Connor Nothing but the Blues
Joanna Connor The Joanna Connor Band
Jody Grind Far Canal 1970
Joe Bonamassa A new day yesterday Live
Joe Bonamassa Blues deluxe
Joe Bonamassa Kansas City 7/30/03 2 CD
Joe Satriani Flying in a blue dream
Joe Satriani Joe Satriani ´95
Joe Satriani Surfin´with the Alien
John Campbell Howlin Mercy
John Coghlan Band Live 1998
John Cougar American Fool
John Cougar Mellencamp Scarecrow
John Hiatt Selección
John Hiatt Slug Line / Two Bit Monsters
John Lee Hooker More real folk blues (the missing album)
John Lee Hooker One Bourbon, one Scotch, one Beer
John Mayall Along for the ride
John Mayall Blues from Laurel Canyon
John Mayall Bluesbreakers
John Mayall Jazz Blues Fussion
John Mayall LIVE IN MILAN 1982. Featuring Mick Taylor
John Mayall Simply the Blues
John Mayall Festival de Jazz de San Sebastián, mpg. VG
John Mayall & the Bluesbreakers Silver Tones - The best of John Mayall & the BB
John Mellencamp John Mellencamp
Johnny Winter 18/Mayo/90 "Barcelona Boogie"
Johnny Winter And Live
Johnny Winter Captured Live
Johnny Winter Central Park NY 27/7/80
Johnny Winter Dervish Blues - San Bernardino- California-Sept 1975
Johnny Winter Highway 61 Revisited
Johnny Winter JOHNNY B. GOODE 1979 -BUY OR DIE
Johnny Winter JOHNNY BE GOOD 1980 -FLASHBACK 2CD
Johnny Winter Johnny Winter Collection
Johnny Winter Let Me In
Johnny Winter Live
Johnny Winter Scorchin´ Blues
Johnny Winter Serious Business
Johnny Winter The best of Johnny Winter
Johnny Winter The Masters 2 CD
Johnny Winter The progressive blues experiment
Johnny Winter The winter of ´88
Johnny Winter White Lightning
Johnny Winter I´m a Bluesman 2004
Johnny Winter & Muddy Waters Johnny Winter & Muddy Waters 2 CD
Johnny Winter WOODSTOCK REVIVAL 1979 -THE SWINGIN’ PIG
Johnny Winter Rockpalast ´79 2 VCD
Jonny Lang Lie to me
Joy Division Closer
Joy Division Unknown Pleasures
Judas Priest British Steel
Judas Priest Defenders of the Faith
Judas Priest Living after midnight
Judas Priest Metal Gods (Menphis ´82)
Judas Priest Sad Wings of Destiny
Judas Priest Sin After Sin
Judas Priest Unleashed in the East (Live in Japan)
Juicy Lucy Get a whiff a this 1971
Juicy Lucy Live Back And Enjoy 1970
Julian Sas En concierto
K (volver)
Kansas Dust In The Wind
Kansas The best of kansas
Karonte Promo CD 2003
Keef Hartley Band Battle of the Northh West Six
Keef Hartley Band Halfbreed 1969
Kelly Richey Band Live
Ken McMahan Ball & Chain
Ken Serio Eye to eye
Ken Serio Through the gate
Kenny Neal De Luxe Edition
Kenny Neal Hoodoo Moon
Kenny Neal Walkin´On Fire
Kenny Wayne Shepherd Ledbetter Heights
Kenny Wayne Shepherd Recopilación
Kenny Wayne Shepherd Varios
Kid Ramos Two Hands One Heart
Killing Floor Out of Uranus
Kim Wilson Tigerman
King Crimson In the court of the Crimson King
King´s X Gretchen goes to Nebraska
King´s X Dogman
King´s X Ear Candy
King´s X Faith Hope Lov
King´s X Gretchen goes to Nebraska
King´s X King´s X
King´s X Manic Moonlight
King´s X Out of the silent planet
King´s X Plase come home…Mr. Bulbous
King´s X Tape Head
King´s X The best of
King´s X Ear Candy
King´s X Riding the Wind
Kinks Kinks
Kinks UK Jive
Kinks London 1974
Kinks One for the road
Koko Taylor Queen of the blues
Kristy Johnston Band That would be fine
L (volver)
Led Zeppelin 69-Led Zeppelin I
Led Zeppelin 69-Led Zeppelin II
Led Zeppelin 70-Led Zeppelin III
Led Zeppelin 71-Led Zeppelin IV
Led Zeppelin 73-Houses Of The Holy
Led Zeppelin 75-Phisical Graffiti 2CD
Led Zeppelin 76-Presence
Led Zeppelin 76-The Song Remains The Same
Led Zeppelin 79-In Through The Out Door
Led Zeppelin 82-Coda
Led Zeppelin 96-Remasters
Led Zeppelin 97-BBC Sessions 2CD
Led Zeppelin A Paris Affair, 1 April
Led Zeppelin Destroyer. 2 CD
Led Zeppelin Electric Magic Over Dallas
Led Zeppelin Houses of the holy
Led Zeppelin How the west was won 3CD
Led Zeppelin LA Forum 1977 - 2CD
Led Zeppelin Mobile Dick 2 CD
Led Zeppelin Rarezas
Led Zeppelin Return to Blueberry Hill 2 CD
Led Zeppelin Riverside Blues 2 CD
Led Zeppelin Studio Gems Vol.1
Led Zeppelin Studio Gems Vol.2
Led Zeppelin Vienna 73
Led Zeppelin We´re Gonna Groove
Led Zeppelin White Summer
Led Zeppelin Earls Court, London 1975, 4CD, mpg. VG
Led Zeppelin Physical Rocket, mpg. VG
Led Zeppelin Royal Albet Hall, 1970, mpg. VG
Led Zeppelin Seattle 77, mpg. VG-
Led Zeppelin Seattle Kingdom, mpg. VG
Led Zeppelin Videos Breves, 2 CD, mpg. VG/VG+
Lenny Kravitz Are you gonna go my way
Lenny Kravitz Circus
Lenny Kravitz Five
Lenny Kravitz Lenny
Lenny Kravitz Let Love Rule
Lenny Kravitz Mama said
Leño Carabanchel 1979
Leño Corre Corre
Leño En directo
Leño Leño
Leño Mas madera
Leño Rarezas
Les Dudek Say no more/Ghost Town Parade
Leslie West Great Fatsby 1974
Leslie West Blues to die for - 2003
Lil´Ed and Dave Weld Keep on Walkin´
Link Wray Apache/Wild side of the city lights
Little Charlie & The Nightcats Captured Live!
Little Richard All the hits
Little Walter
Living Blues Rocking at the tweedmill 1972
Lluis Coloma Trio Remember
Lobby Loyde Plays with George Guitar 1971
Lone Star Todos sus exitos
Long John Hunter Swinging from the rafters
Long John Hunter & Tom "Blues Man" Hunter One foot in Texas
Lords Of The New Church The Lords of New Church
Los Lobos The Ride
Louis Armstrong In the Symphony Hall
Love Sculture Blues Helping 1968
Luther Allison Bad News is coming
Luther Allison Live in Chicago 2 CD
Lynyrd Skynyrd Gold and Platinum 2CD
Lynyrd Skynyrd Live 73/75
Lynyrd Skynyrd One more from the Road
Lynyrd Skynyrd Second Helping
Lynyrd Skynyrd Freebird - The movie
M (volver)
Madera de Blues Demo 98
Madera de Blues Legiones Oníricas
Mai An Le Secret Des Celtes
Manfred Man THE MIGHTY QUINN - LONDON
Marillion Kayleigh
Marshall Tucker Band 1974
Marshall Tucker Band New Jersey 1981
Marshall Turner Overdrive
Marty Friedman Dragon´s Kiss
Marvin Gaye Midnight Love
MC 5 Back in the USA
MC 5 High Time
MC 5 Kick out the jams
Memphis la Blusera Angelitos Culones
Memphis la Blusera Blues en español Vol. 2
Memphis la Blusera Memphis la Blusera
Mermelada En el Nº 1
Mermelada Nueve Bajo Cero
Metallica Master of Puppets
Mick Taylor Live in Venio 1998 2 CD
Mike Bloomfield RX for the blues
Mike Oldfield Crises
Mike Oldfield Discovery
Mike Oldfield Earth Moving
Mike Oldfield Ergest Ridge
Mike Oldfield Five Miles Out
Mike Oldfield Heavens Open
Mike Oldfield Hybernaculum
Mike Oldfield Incantations
Mike Oldfield Islands
Mike Oldfield Ommadawn
Mike Oldfield Platinum
Mike Oldfield Qe2
Mike Oldfield The Songs Of Distant Earth
Mike Oldfield Tubular Bells
Mike Oldfield Voyager
Mississippi Fred McDowell You Got To Move
Mitch Woods and his Rocket 88´s Mr. Boogie´s Back In Town
Molly Hatchet Flirtin´with the disaster
Mountain Avalanche
Mountain Flowers of Evil
Mountain Roll Over Beethoven
MSG One night at Budokan
Muddy Watters London Sessions
Muddy Watters Rolling Stone/The Golden Aniversary Collection 2CD
N (volver)
Neil Young & The crazy horse Rust never sleeps
New Order Power, Corruption & Lies
Nighthawks Backtrack
Ñ (volver)
Ñaco Goñi M/T
Ñaco Goñi Moby Dick
Ñaco Goñi & Malcom Scarpa 1980-2000
Ñaco Goñi & Malcom Scarpa Doin Our Kind
O (volver)
Obligaciones Prueba a gritar, prueba a llorar
Original Killing Floor Rock the blues 1969
Otis Redding Remember me
P (volver)
Pappo´s Blues El auto rojo
Pappo´s Blues Vol. 1
Pappo´s Blues Vol. 4
Pat Metheny Group The road to you (Live in Europe ´93)
Pat Travers Blues Tracks
Pat Travers Boom Boom
Pat Travers Band …Live! Go for what you know
Pata Negra Rock Gitano
Paul Butterffield Blues Band East-West
Paul Fenton Live! In Toronto
Paul Gilbert Burning Organ
Paul Rodgers Live Bootleg
Paul Rose Band Demo CD
Paul Weller Feile 95
Pearl Jam No Code
Pearl Jam
Peg Leg Sam (feat Louisiana Red) Early in the morning
Pete Haycok Livin´ it
Peter Green ROBERT JOHNSON SONGBOOK
Peter Green Soho Sessions 2 CD
Peter Green Songbook
Peter Green Splinter Group Me and the devil (The blues of Robert Johnson as told by PGSG)
Pink Floyd The wall
Pink Floyd Wish You Were Here
Q (volver)
Queen Live Killers 2CD
Queen A day at the races
Queen a kind of magic
Queen a nigt at the opera
Queen at the beeb
Queen Flash Gordon
Queen Hot Space
Queen Innuendo
Queen Jazz
Queen Made in heaven
Queen News of the world
Queen Queen I
Queen Queen II
Queen Sheer Heart Attack
Queen The Game
Queen The Miracle
Queen The works
R (volver)
Rab McCullough Belfast Blues
Ramones Anthology 2CD
Ramones It´s alive
Red House Captured Live!!! 2 CD
Red House Hold On!!
Red House Red House
Renegade Jazz Quartet Demo 2000
Rick Derringer Back to the blues
Rick Derringer Jackhammer Blues
Rick Derringer & Friends Live on the King Biscuit Flower Hour
Robben Ford & The blue Line
Robben Ford Live in San Francisco
Robben Ford Mystic Mile
Robben Ford Supernatural
Robert Cray The Score
Robert Cray Band False Accusations
Robert Gordon Too fast to live… Too young to die
Robert Johnson The complete recordings
Robert Lockwood Jr. The Legend Live
Roberto Manes Phoenician Dream
Robin Trower 20th Century Blues
Robin Trower Back it up
Robin Trower Ballard Fire House 13/3/99 2 CD
Robin Trower Bridge of Sighs Remast.
Robin Trower Champions of Rock
Robin Trower Daytona 1974
Robin Trower Ebbet Field 73
Robin Trower Fillmore 19/4/2000 2 CD
Robin Trower For Earth Below/Live
Robin Trower KEIL AUDITORIUM
Robin Trower Live at BBC 75
Robin Trower LIVE IN DETROIT 1987 2 CD
Robin Trower Live in Detroit 2 CD, 3/7/1987
Robin Trower Live on the King Biscuit Flower Hour
Robin Trower Live Pittsburg 74
Robin Trower LIVE SAN RAPHAEL 88 2 CD
Robin Trower Long Misty Days/In City Dreams
Robin Trower NEW HAVEN CONNECTICUT
Robin Trower OPRY HOUSE AUSTIN TX
Robin Trower San Francisco 73
Robin Trower The collection
Rod Stewart RDS Stadium
Rolling Stones Electric Motherfuckers
Rolling Stones Stripped
Rolling Stones Black and blue
Rolling Stones Bridges of Babylon
Rolling Stones Exile of main st
Rolling Stones Goats head soup
Rolling Stones it´s only rock´n´roll
Rolling Stones Let it bleed
Rolling Stones Some girls
Rolling Stones Sticky fingers
Rolling Stones Stripped
Rolling Stones The London years
Rolling Stones Voodoo Lounge
Rolling Stones Spanish Tour 90 promovideo, mpg. VG
Roomful Of Blues Under One Roof
RORY GALLAGHER A Blue Day for the Blues
RORY GALLAGHER Against the grain
RORY GALLAGHER Against the grain Remast.
RORY GALLAGHER BBC Sessions 2CD
RORY GALLAGHER Blueprint
RORY GALLAGHER Blueprint Remast.
RORY GALLAGHER Calling Card
RORY GALLAGHER Calling Card Remast.
RORY GALLAGHER Defender
RORY GALLAGHER Deuce
RORY GALLAGHER Etched in Blue
RORY GALLAGHER Fresh Evidence
RORY GALLAGHER Fresh Evidence Remast.
RORY GALLAGHER Irish Tour ´74
RORY GALLAGHER Irish Tour ´74 Remast.
RORY GALLAGHER Jammin´ with Albert Collins
RORY GALLAGHER Jinx
RORY GALLAGHER Jinx Remast.
RORY GALLAGHER Let´s go to work 4 CDs
RORY GALLAGHER Live in Europe
RORY GALLAGHER Live in Europe/ Stage Struck
RORY GALLAGHER Meeting wit the G-Man+
RORY GALLAGHER Photo-Finish
RORY GALLAGHER Rory Gallagher
RORY GALLAGHER Session Man 3
RORY GALLAGHER Stage Struck Remast.
RORY GALLAGHER Tatoo
RORY GALLAGHER Tatoo Remast
RORY GALLAGHER Top Priority
RORY GALLAGHER Top Priority Remast
RORY GALLAGHER Wheels Within Wheels
RORY GALLAGHER Irish Tour 74 DVD
RORY GALLAGHER - Tribute A Fan´s Tribute
RORY GALLAGHER - Tribute Band Of Friends - Abbyville 22/3/2003 2 CD
RORY GALLAGHER - Tribute Band Of Friends - Marne La Vallee - 17/3/2001
RORY GALLAGHER - Tribute Brute Force & Ignorance - Just Hit Town
RORY GALLAGHER - Tribute Brute Force & Ignorance - Rory Gallagher Bar - Cork Tribute 2002
RORY GALLAGHER - Tribute Brute Force & Ignorance - Taste
RORY GALLAGHER - Tribute Chris Newman - acusticas
RORY GALLAGHER - Tribute Disney Village
RORY GALLAGHER - Tribute Electric Patchwork - Farewell, Rory
RORY GALLAGHER - Tribute Juke Joints - 1,2,5… Live
RORY GALLAGHER - Tribute Juke Joints - Live In Ireland
RORY GALLAGHER - Tribute Laundromat - Dutch Tribute Band
RORY GALLAGHER - Tribute Messin´with the kid
RORY GALLAGHER - Tribute Mississippi Sheiks
RORY GALLAGHER - Tribute Nine Below Zero And Band Of Friends - Loreley 23/6/96 2 CD
RORY GALLAGHER - Tribute They don´t make like you anymore
RORY GALLAGHER - Tribute Paul Rose live on Rory Gallagher tribute, mpg
RORY GALLAGHER COLABORACIONES "Session Man 3"
RORY GALLAGHER COLABORACIONES 2CD
Rose Tattoo Limited Edition -Plus 8 bonus tracks
Rose Tattoo Assault & Battery
Rose Tattoo Scarred for life
Rose Tattoo Southern Stars
Rose Tattwho? A tribute to the boys
Rosendo A las lombrices
Rosendo A tientas y barrancas
Rosendo Canciones para normales y mero dementes
Rosendo Deja que les diga que no
Rosendo Directo
Rosendo Fuera de lugar
Rosendo Grandes exitos
Rosendo Jugar al gua
Rosendo La tortuga
Rosendo Listos para la reconversion
Rosendo Loco por incordiar
Rosendo Para mal o para bien
Rosendo Siempre hay una historia
Rosendo Veo veo mamoneo
Rosendo Video Octubre 89
Roy Buchanan Guitar On Fire-Atlantic Sessions
Roy Buchanan Live in Virginia 1988
Ry Cooder River Rescue (The very best of Ry Cooder)
Ryan Adams Promo CD "Gold"
S (volver)
Salvajes Todos sus Eps
Sam Apple Pie Sam Apple Pie 1969
Sam Cooke You send me
Santana Carlos Santana-12 Grandes éxitos en V.O.
Santana El arte de Santana/The best of Santana
Santana Lotus 2CD
Santana abraxas
Santana borboleta
Santana caravanserai
Santana divine light
Santana inner secrets
Santana lotus
Santana moonflower
Santana Santana - 1
Santana santana - 3
Santana Santana - Buddy Miles
Santana Welcome
Savoy Brown Blue Matter 1968
Savoy Brown Boogie Brothers
Savoy Brown Chicago 1969
Savoy Brown Getting to the point 1968
Savoy Brown Heilbound Train 1972
Savoy Brown Jack The Toad. Live 70-72
Savoy Brown Live from the house of blues 2002 2CD
Savoy Brown Live in Central Park
Savoy Brown Looking In 1970
Savoy Brown Raw Sienna 1970
Savoy Brown Shake Down 1967
Savoy Brown Street Corner Talking 1971
Savoy Brown The best of Savoy Brown
Savoy Brown Wire Fire 1975
Scott Henderson Dog Party
Scott Henderson Tore Down House
Shemekia Copeland Talking to Strangers
Shemekia Copeland Wicked
Siniestro Total La historia del blues
Smokey Wilson The man from Mars
Smokin´ Joe Kubek & Bnois King Roadhouse Research
Snooky Pryor Mojo Ramble - Live in concert
Son House Father Of The Delta Blues: 1965
Son Seals Blues Band The Son Seals Blues Band
Soul Gestapo The Rise Of The SG
Spin Doctors Homebelly Groove
Spin Doctors Pocket full of Kryptonite
Spoonfull For a few sugar more
Status Quo 12 Gold Bars
Status Quo Live at the NEC, Birmingham, 14 Mayo 1982
Status Quo Tokyo Quo, Sun Plaza Hall, Tokyo, 17 Noviembre 1976
Status Quo Whatever you want + Just Supposin´
Steamhammer Steamhammer 1969
Steve Morse Band Structural Damage
Stevie Ray Vaughan Couldn´t Stand the weather
Stevie Ray Vaughan In The Open 20/8/79
Stevie Ray Vaughan Live Album
Stevie Ray Vaughan Live at Carnegie Hall, NY
Stevie Ray Vaughan Live at Olympia 88?
Stevie Ray Vaughan Live in Italy - Piazza del Duomo - Julio 88
Stevie Ray Vaughan McDonald Arena 2 CD
Stevie Ray Vaughan Mr. Clean, Fox Theatre, Atlanta, 31 Diciembre 1986
Stevie Ray Vaughan Rarities in Concert
Stevie Ray Vaughan Somewhere over the rainbow
Stevie Ray Vaughan Soul to Soul
Stevie Ray Vaughan Texas Flood
Stevie Ray Vaughan ACL Outtakes
Stevie Ray Vaughan In Session, VCD
Stevie Ray Vaughan Live at El Mocambo
Stevie Ray Vaughan Montreux 82
Stevie Ray Vaughan Varios conciertos DVD
Stevie Ray Vaughan & Buddy Guy Club Legend 30/7/89
Stevie Zee Band Wail
Stone The Crows Live London 1971
Stooges Fun House
Stooges The Stooges
Strawberry Path When the raven has come to earth 1971
Suburbia Cómic
Sue Foley Back to the blues
Sue Foley Young Girl Blues
Sugarloaf Sugarloaf 1970
Suzi Quatro Centenary Collection
T (volver)
Taj Mahal The Real Thing
Taladrina Long way down (Maqueta)
TASTE Live
TASTE Live in the isle of Wight
TASTE On the boards
TASTE Taste
Ted Hawkins Recopilatorio
Ted Nugent Double Live Gonzo
Ted Nugent Live at Hammersmith 79
Ten Years After Helsinki 1969
Ten Years After I´m going Home
Ten Years After Recorded Live
Ten Years After A Space in Time
Ten Years After Cricklewood Green
Ten Years After Essential
Ten Years After Pure Blues
Thin Lizzy RDS Stadium
Thin Lizzy Archives
Thin Lizzy Black Rose
Thin Lizzy Chinatown
Thin Lizzy Fighting
Thin Lizzy Jail Break
Thin Lizzy Life
Thin Lizzy Live & Dangerous
Thin Lizzy One Night
Thin Lizzy Renegade
Thin Lizzy Thunder & Lightning
Thin Lizzy Whiskey in the Jar
Thin Lizzy Live in Australia
Tinsley Ellis Storm Warning
Tom Petty Full Moon Fever
Tom Petty The DJ´s
Tommy Bankhead Message to St. Louis
Tommy Bolin Anthology 2CD
Tommy Bolin Ebbet Field ´74
Tommy Bolin Ebbet Field ´76
Tommy Bolin Golden Rainbow
Tonky Blues Band Groovin´ Thhe Blues
Tonky Blues Band Night Time
Tony Joe White The Best Of Tony Joe White
Tramp Tramp 1969
Triumph Cleveland 81
Txell Sust & August Tarrats Blues Trio Gran Hotel Havana
U (volver)
U2 Rattle and hum
UFO Live At The Rounhouse 76
UFO Phenomenom
UFO Rock & Pop Legends
UFO The best of UFO
V (volver)
Van Halen Videoclips, mpg VG+/Exc-
Van Morrison Live at the Point Dublin,Christmas '95
Van Morrison The Best Of VM
Van Morrison The Philosopher´s Stone 2 CD
Vargas Blues Band Feedback
Vargas Blues Band Madrid-Chicago Live
Vargas Blues Band Last Night
Vargas Blues Band The Best Of
Vargas Blues Band Chill Latin Blues
Vargas Blues Band All Around Blues 1991
Vargas Blues Band Madrid-Memphis 1992
Vargas Blues Band Blues Latino 1994
Vargas Blues Band Texas Tango 1995
Vargas Blues Band Gipsy Boogie
Vargas Blues Band Chill Latin Blues
Vasco Rossi Stupido Hotel
Vasco Rossi Vasco
Ventures Pops in Japan
Ventures Walk-Don´t run
Veterans Versiones
Víctor Aneiros Band Live in Montreux
Víctor Aneiros Band O Blues Do Amencer
Victor Uris De lado a lado
Victoria Warne Band Live at the Savoy
W (volver)
Walter Gandini Lucky
Wang Dang Doodle - Winnipeg Live at the Walker Theatre (5 bandas de blues de Canadá)
Who Early Who
Who Join Together 2 CD
Who Live at Leeds
Who Quadrophenia remastered 2CD
Who Rarities
Who Sell Out
Who Tommy 2CD
Who Who´s last
Who Who´s next
Widespread Panic Austin City Limits
William Clarke Collection
Willie Dixon I’m The Blues
Wishbone Ash Argus-Expanded
Wishbone Ash BBC Live 78-80
Wishbone Ash Greatest Hits
Wishbone Ash Live at the House Of Blues
Wishbone Ash Live in Theatre Paris, London 1972
X (volver)
Y (volver)
Yardbirds Eric Clapton and the Yardbirds
Yes Roundabout USA 74
Z (volver)
Zelaz Ceros y Unos
ZZ Top 6/10/79, 2 CD
ZZ Top Afterburner
ZZ Top Beards Getting Rythm 1980
ZZ Top Degüello
ZZ Top EL DIABLO 1980 -BEECH/MARTEN 2 CD
ZZ Top El Loco
ZZ Top Eliminator
ZZ Top Fandango
ZZ Top First Album
ZZ Top FUEGO A EL PASO 1980 -LOBSTER
ZZ Top Greates Hits
ZZ Top HI-FI MAMA LIVE -LIVE LINE*
ZZ Top One Foot On The Blues
ZZ Top Recycler
ZZ Top Tejas
ZZ Top Tres Hombres
ZZ Top XXX
ZZ Top Rio Grande Mud
ZZ Top 12 Videoclips, mpg. VG+/Exc-
¿? (volver)
Varios Alligator 25 Anniversary 2CD
Varios Alligator 30 Anniversary 2CD
Varios Blues for 2
Varios Blues Guitar Duels
Varios Blues Woman - Recopilación
Varios British Blues Sampler (Feat. Taste)
Varios Clásicos de Cine
Varios Esta noche cruzamos el Mississippi 2CD
Varios Just because we love you
Varios Livin´the blues 3CD
Varios Lo Mejor del Blues Español Vol.1-Cambayá
Varios Los mejores rock and roll del siglo
Varios Noise Inc. Volume 3
Varios Peter Green Songbook 2 CD
Varios Reading Festival ´73
Varios Redlax. Volumen 1. Música Celta
Varios Rock Hits - The rock collection
Varios Rock´n´Roll Gold Collection 2CD
Varios Solid Gold 50´s 2CD
Varios The blues Dejavu Retro Gold Collection 2CD
Varios The blues story
Varios The Blues White Album
Varios The day we killed grunge
Varios The rock Collection/Rock Hits 2CD
Varios White Man Blues
Varios Agradecidos Rosendo
Varios Beat Club 1970
Varios Glam Rock 2VCDs
Varios Glastonbury Pop Festival
Varios Isle of Wight Festival-The film 2CD
Varios Rock Videos, mpg. VG+/Exc-
Varios BSO Dame algo BSO
INDICE
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LA TRAMPA |
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La Trampa se inició el 3 de mayo de 1991 con un recital dado en un teatro de la ciudad de Montevideo. Desde entonces su formación ha tenido varios cambios, pero ha logrado mantener la personalidad que la ha caracterizado en estos 13 años de música ininterrumpida. A lo largo de su carrera La Trampa ha sido y es destacada por la prensa y público como una de las bandas más importantes del rock uruguayo, con un sonido potente e identificable, con dosis de rock, tango, malambo, y punk. La Trampa ha participado en recitales en todo el circuito montevideano, así como también en el interior (Salto, Treinta y Tres, y otros). En 1991, La Trampa, edita el video de su tema "Vals", el cual fue uno de los primeros videos nacionales en aparecer en la cadena multinacional MTV. En un principio la banda rechazó una oferta para realizar su primer trabajo discográfico en 1992, por considerar no haber logrado su meta musical en forma completamente definitiva. Luego, se editó en 1994 una ensalada de rock nacional en la que la banda participó con su tema: "Dulces Tormentos". En enero de 1995 sale a la venta a través del sello Orfeo, el primer CD "La Trampa toca y obliga". Actualmente este CD se encuentra agotado. En 1996, la banda participa en el homenaje a Los Estómagos, con una versión original del tema: "En la noche". Editado en el CD "Extrañas Visiones". Para su mejor difusión La Trampa produce el video "En la noche" en forma independiente. En 1997 La Trampa edita su material "CALAVERAS" a través del sello Ayuí, grabado entre diciembre '96 y febrero '97 en Montevideo y masterizado en Argentina, fue presentado al público el 18 de octubre del '97 en La Factoría a sala llena. Es destacado por la prensa y el público como mejor disco de rock nacional del año. Actualmente se encuentra a disposición del público en su tercera edición. En el transcurso de 1998, La Trampa, se ha presentado en los grandes festivales como Rock'n'ROU, Rock de Acá, Comunafiesta y varias veces en La Factoría, entre otros, y con creciente apoyo de la gente que como La Trampa, vive, trabaja, ama y muere en estas latitudes.
luego de seis años ininterrumpidos de presentaciones en Montevideo y demás ciudades, LA TRAMPA edita en octubre de 1997 su segundo CD: "Calaveras" en co-producción con el sello Ayuí, agotando su primera edición en el primer mes de ventas. La presentación del disco se realizó en La Factoría (principal recinto cerrado para espectáculos de rock en Montevideo) con capacidad colmada que confirmó la creciente comunión entre el público y la banda.
En "Calaveras" LA TRAMPA abandona el recurso tímbrico y melancólico del bandoneón (presente en su anterior CD) e incorpora el bombo legüero como complemento de la batería tradicional, que vital, punzante y rabioso acompaña la crudeza de los riffs "heavy-folclóricos" de la nueva propuesta de la banda en la interpretación del sentir de "Yo se quién soy" y "Las cruces del corazón", con aires de chacarera, malambo y gato; sin abandonar la milonga y el tango presentes en "Los Patios del Alma" y "Los días de Milagro". Pero fue sin dudas "Mar de Fondo" el tema con mayor difusión y aceptación espontánea por la prensa y público.
"Calaveras" fue elegido por la audiencia de X FM y por la mayoría del staff de la radio, como mejor disco nacional de 1997, de esta manera LA TRAMPA tendría asegurada una serie de presentaciones en vivo que serían fundamentales como por ejemplo: Rock de Acá II, en el Teatro de Verano de Montevideo.
Durante 1999 LA TRAMPA compone y graba su tercer disco: "Resurrección "con el sello Koala Records, pasando por la experiencia de trabajar en los estudios de "Del Abasto al Pasto" de Buenos Aires, lugar clave en los registros de rock de la vecina orilla.
Un disco de rock fuerte, entregado a un lenguaje expresivo contundente, sin titubeos, sin concesiones. Un disco con tópicos definidos en visiones claras sobre el ser humano , el mundo de hoy y del futuro.
Son once canciones propias, entre las que se destacan:"Maldición", "Canción 2000", "Vendas en el Corazón", "Contrapiso para el alma", "Peligro", "Resurrección" y una versión original de "Ahuyentando el miedo" de Zero, una de las bandas más importantes del rock uruguayo de los ochenta.
La presentación del disco se realizó en La Factoría, a sala llena y con el apoyo de la filial local de Amnistía Internacional; situación a la que se llega a partir de la inclusión en el arte gráfico del disco La Declaratoria Universal De Los Derechos Humanos en su 50 aniversario.
Junto al CD, se presenta el videoclip "Maldición"apoyando la difusión del primer corte del disco.
El nuevo siglo encuentra a la banda realizando diversas presentaciones en Montevideo destacandose un ciclo de recitales denominado "Entre Bombas y Jazmines" en el tradicional pub AMARCORD . Alli por primera vez se realizan en vivo 3 canciones en formato acustico demostrando que las canciones van mas alla de los instrumentos que se utilizen para tocarlas. Otro desafio para una banda que asume riesgos y no le teme a los cambios. En el 2002 se presenta un nuevo disco esta vez nombrado "Caida Libre" nuevamente con el sello Koala Records, es un disco muy actual, muy rockero y que vuelve a fusionar el rock con lo criollo algo tipico de La Trampa, un disco que se muestra perfecto, desde el arte de tapa muy logrado, el sonido muy limpio y exelentemente editado y las canciones que muestran una banda madura, que sabe lo que quiere y a donde quiere llegar, tiene 11 canciones propias entre las que figuran "Santa Rosa", "Caida libre", "Cruz Diablo", "El oro y la maldad", "Muerte serena", "Perdidos en Montevideo" y una version original de "Muere con la sonrisa" de Eduardo Nieves. Despues de 1 año y medio de tocar en varios escenarios rockeros como La Comisaria, La Petrolera, La Factoria presentando su nuevo disco y de participar del festejo de los 12 años de La Factoria en el Teatro de Verano, La Trampa decide grabar un nuevo disco, esta vez seria un disco en vivo grabado los dias 12 y 13 de Setiembre ante mas de 1200 personas en el Teatro Don Bosco, donde se presento un espectaculo de primer nivel, con pantalla gigante, luces, humo, exelente sonido y un publico que como siempre apoyo y disfruto como nunca. Este nuevo disco que plasma dos dias de concierto inolvidables y que ademas refleja la magnitud que tiene La Trampa tocando en vivo salio el sabado 20 de Diciembre, conteniendo 18 canciones de las 25 tocadas en el concierto. |
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LA VELA PUERCA |
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La historia empieza de forma similar a las tantas otras que tiene el mundo de rock, un par de amigos que se juntan por una misma pasión en común, la música. Allá por 1995 S. Teysera, S. Butler y N. Lieutier se reunían en un garaje de Punta Carretas a tocar entre otras cosas temas de Sumo y Bob Marley. En aquellos tiempos Sebastián Teysera además de componer canciones se encargaba de la batería.
Con el paso del tiempo S. Teysera -el que tomaba la cosa más enserio- fue "reclutando" a otros integrantes (S. Cebreiro, R. Di Bello y C. Quijano) y entre todos fueron armando nuevas canciones ("de tal palo", "el bandido", "madre resistencia", etc.) y es así que en la navidad de ese mismo año en un baile callejero en la esquina de Scozeria y Franzini (frente al bar "El Tigre") se realizó lo que fue el primer toque en vivo del grupo (bautizado horas antes como "la vela puerca") ante un público formado principalmente por amigos y familiares. Dicen por ahí que el nombre viene de un apodo que le habían puesto a S. Butler en el trabajo pero vaya a saber uno...
1996-1998
Como era de esperar, el entusiasmo posterior a ese primer toque fue tan grande que la banda decidió seguir tocando durante el verano del 96' hasta que S. Teysera se marchara por unos meses a España. A su vuelta, trajo nuevos temas (como "vuelan palos" y "alta magia") y muchas ganas de seguir adelante por lo que decidió enviar un demo con las únicas tres canciones que el sonidista pudo grabar completas de aquel primer toque al concurso Generación 96' organizado por el programa de televisión "Control Remoto". También tuvieron que tocar en vivo en el el canal pero de entre más de 200 bandas nacionales, ellos fueron los ganadores y su premio 80 horas de estudio (además de una guitarra y un amplificador Fender) que finalmente nunca usaron pero que les servirían para llegar a un contacto (Andrés Sanabria) por medio del cual llegarían a realizar un acuerdo con Obligado Records y en octubre/noviembre del 97' con la producción artística de Claudio Taddei en el estudio "La Cárcel" se comenzó a trabajar en el disco que finalmente saldría en marzo del 98' con el nombre de "Deskarado" (por la forma en que ellos se sentían en aquel momento) y que se convertiría en disco de oro en solo seis meses. Para estos tiempos S. Teysera ya había dejado su lugar en la batería a L. de Acevedo y pasó a dedicarse exclusivamente a la parte vocal.
1999
Para este entonces la banda ya tenía una gran cantidad de seguidores y gracias a una increíble casualidad (se las cuento más abajo) su música llego a los oídos del renombrado productor argentino Gustavo Santaolalla quien le ofreció a la banda un contrato con Surco, la filial latinoamericana de Universal Records. Sin embargo a un año de la salida del primer disco, la banda no tenía muchos temas como para empezar a trabajar en uno nuevo y Santaolalla decidió entonces editar el "Deskarado" para poder presentarlo en el resto del continente y de allí resultó el disco "La Vela Puerca" que es una remasterización y remezcla del "Deskarado" en el cual se agregaron nuevas trompetas y otros detalles que faltaban en el original y que mejoraron el sonido notablemente. Fue además en ese año (el 2 de octubre más precisamente) que la vela hizo su primer Teatro de verano en el toque bautizado como "Margarita pa' los chanchos" que como no podía ser de otra manera fue una fiesta que además de convocar a 5000 personas, contó con un espectáculo previo de malabaristas y tamboriles. Poco después de ese toque se uniría a la banda el trompetista A. Piccone y también el manager A. Zas.
De Yapa - ¿Quieren saber realmente como la música de la Vela llegó a G. Santaolalla?
Mucho tiempo atrás S. Teysera estudiaba Diseño Gráfico y una tarde mientras preparaba unos trabajos escuchó por en la X FM (que en paz descanse!) un concurso de MTV en el cual pasaban una canción y había que adivinar el nombre; la canción era Break on thorugh de los Doors y además de la respuesta, el Seba agregó en el email que formaba parte de una banda llamada La Vela Puerca y que iban a grabar un disco en poco tiempo. Ese e-mail lo recibió Enrique Lopetegui, un uruguayo radicado en Los Angeles que escribía artículos para revistas de rock latinas y quien le pidió que cuando tuvieran el disco se lo enviasen; lo increíble ocurrió meses después cuando tuvo el disco en sus manos y se lo hizo escuchar por teléfono a su amigo que no era ni mas ni menos que G. Santaolalla que aunque estaba tan ocupado que tuvo tiempo para escuchar una sola canción (Mi semilla), igual le alcanzó para querer que la banda pasara a formar parte de su sello. Esto convierte a E. Lopetegui en una especie de iluminado porque fue quien además le mostró a G. Santaolalla a la Bersuit.
2000
Aprovechando el verano, en enero la banda (y parte del grupo amigo de juglares, malabares y tamboriles) cruza el charco para instalarse en Villa Gessel y tocar siete veces alli y otras siete en ciudades como Mar de Ajó y Mar del Plata. Los lugares donde tocaron fueron variadisimos; tocaron en boliches como Prix (donde las primeras veces el público era de no mas de 50 personas) y Cátulo Castillo, en dos plazas de Villa Gessel y hasta en una playa de Mar de Azul (a beneficio de una escuelita). Increiblemente, todo ocurrió en tan solo 20 días y en vez de tomarse unas merecidas vacaciones, en febrero ya estaban tocando de nuevo pero esta vez en el Teatro Alfredo Moreno de Malvin junto a la Bersuit con la que ya habían tocado en la gira.
Aunque se notaba que la banda empezaba a gustar en la vecina orilla, con la re-edición del "Deskarado" ya a la venta, era tiempo entonces de ponerse a trabajar en un futuro segundo disco por lo que el resto del año tendría que ser principalmente de encierro para componer, ensayar y grabar demos salvo los fines de semanas cuando se "escapaban" para seguir probando suerte en el vecino país y de vez en cuando tocar acá (en mayo tocaron de teloneros de los Fabulosos Cadillacs y en octubre volvieron a tocar con la Bersuit).
2001
La grabación del disco que había comenzado en diciembre del pasado año en los Estudios Panda de Buenos Aires se extendió hasta mayo del 2001 pero finalmente todo el arduo trabajo tuvo su premio ya que este segundo disco fue el que llevó a la banda a la cúspide del rock uruguayo (me refiero en popularidad) y hace tiempo ya que el disco es triple-platino. "De bichos y flores" es definido por el propio S. Teysera como un disco más maduro, más profundo y desde el punto de vista musical mas pesado (mas "rock"). La presentación se llevo a cabo el 20 de Octubre en el Teatro de Verano y como cada toque de la vela, fue un éxito total.
2002
Aunque conservado la sencillez y la humildad de siempre, la banda empieza este año sabiendo que su público ha crecido enormemente y por eso en mayo de este año apostaron a realizar por primera vez dos toques seguidos en el Teatro de Verano donde convocaron a alrededor de 12000 entre los dos días; vean más información de este toque acá. Sin embargo este éxito no se esta dando solo en Uruguay si no también en Argentina donde en junio la banda reunió a casi 2000 personas en "Cemento", el templo del rock Argentino. Y lo que trajo aún más alegrías es que durante el mes y medio que estuvieron de gira por México la banda gusto muchísimo y eso obviamente iba a seguir abriendo mercados. Y como si fuera poco y para coronar este increíble año, el 28 de diciembre la banda se presenta como parte del ciclo de recitales de rock de la Cerveza Patricia ante más de 20000 personas lo que no deja dudas de que es una de las más populares del país.
2003
Aunque todos pensaban que iba a continuar la buena racha, por el contrario el año comienza con el diagnostico de un tumor cerebral a Lucas de Azevedo el baterista quien tuvo que ser operado de urgencia en Brasil a mediados de enero. Obviamente por la seriedad del problema el tema se oculto hasta que Lucas estuviera ya en recuperación y actualmente esta siendo suplantado por P.P. Canedo ex-baterista de "El Peyote Asesino". Sin embargo y como dice el dicho, un tropezón no es caída y por lo tanto la banda le sigue metiendo y al momento que escribo esto, ellos estan en viaje a su primer gira por Europa la cual les trae una gran responsabilidad pero también es un sueño cumplido.
Y es algo así que se está escribiendo la historia de esta banda que aunque en el presente muchos la llamen comercial, todavía sigue conservando aquello de ser solo un grupo de amigos con no solo ganas de subir a un escenario y tocar, si no de subir y hacer una fiesta para y con la gente. |
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Laura Dos Santos |
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Nació en Buenos Aires ,Argentina, el 11/ 12/1966.
Comenzó a tocar la guitarra, su instrumento base, a los 7 años,que aún toca como instrumento principal. Estudió en diferentes escuelas y universidades de la Ciudad de Buenos Aires, Composición, Organología, instrumentos de cuerda y percusión menor sudamericanos ,talleres de musicoterapia, pedagogía y músicas populares (jazz, tango, música brasilera, etc). Sus investigaciones en el campo de los orígenes y el desarrollo del lenguaje musical, la han llevado a experimentar en otros terrenos: el teatro, performance , danza-teatro, la imagen.
Ha grabado varios Cds de música de cámara , música étnica, folclórica Argentina y Sudamericana, Tango y Música Infantil.
Actualmente tiene dos grupos con los que difunde sus trabajos discográficos:
Banda DoSantos y Las Tangueras (grupo de Tango con arreglos de cuerdas de cámara)
Ha realizado una labor pedágogica que va desde el trabajo social y cultural para el Gobierno de Bs As y representando a su país en el extranjero en Festivales de música folclórica, hasta Conciertos Didácticos de Música Argentina en sus últimos años de residencia en Madrid.
Ha realizado trabajos de campo en diferentes provincias de Argentina ,Bolivia ,Chile, Perú y España.
Sus últimos trabajos de investigación son “La Música Imprevista” y el proyecto de “Música -Acción”.
Su propuesta como artista es un trabajo dedicado a:
1) La investigación de un línea histórica en la evolución musical, desde los primeros sonidos hasta la composición electrónica, y su aplicación en el área de la composición , la educación, la salud y el trabajo sociocultural
2) El conocimiento y la conciencia de la diversidad de espacios donde la música-sonido sucede.
Entre sus instrumentos se encuentra el BANDOLAU, un instrumento del que por el momento sólo hay un ejemplar, construído por Esteban Pérez Esquivel, que ha sido la base para crear la Música Imprevista.
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LEO MINAX |
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Leo Minax nació en Belo Horizonte, la montañosa capital del Estado de Minas Gerais, y tercera ciudad de Brasil después de Rio y de São Paulo.
Empezó a tocar la guitarra (y otros instrumentos) y a componer canciones de muy joven. Al margen de haber tomado clases en distintas escuelas, su aprendizaje ha sido informal y principalmente autodidacta.
Interrumpió la carrera de Periodismo para dedicarse totalmente a la música. Su estreno profesional fue como batería en el grupo de Solange y Nico Borges (hermanos del destacado compositor Lô Borges), en Belo Horizonte. Luego retomó la carrera de Periodismo y llegó a ejercer algún tiempo esta profesión, antes de tomar la decisión de dedicarse plenamente a la música y salir de Brasil.
En 1989 vino a España.
Bonito de escutar (Pulque Sí/Tangará, 1996) fue su debut discográfico en el que participaron, entre otros, Toninho Horta, conocido compositor y guitarrista brasileño, y Suso Saiz, en su faceta de músico.
El proceso de ir incorporando y asimilando distintos estilos de música a lo largo de su carrera fue determinante para que Leo Minax lograse reunir un amplio espectro de colaboraciones en su segundo disco, Sol no Breu (Tangará/Discmedi, 2000). Volverían Toninho Horta y Suso Saiz en este trabajo, pero en la lista de participaciones figuran, además, Sèrgio Santos, destacado cantante y compositor brasileño, Mercedes Ferrer, Luis Pastor y Pedro Guerra, co-autor de una canción inédita (“Me vuelvo sin ti”). Sol no Breu es una producción a tres bandas dirigida por Leo Minax y Alfredo Lorenzo (Tangará), con el apoyo del actor Gabino Diego que puso a disposición la infraestructura de su sello discográfico (Sorondongo) para las fotos y el diseño del CD.
En estos momentos Leo Minax publica su tercer disco, Stereo 13 (Galileo MC). El álbum es producto del trabajo creativo del trío compuesto por Suso Saiz que dirige toda la producción, Guillermo Quero como co-productor, y Leo que comparte la autoría de las composiciones con Suso Saiz, Jorge Drexler (que, a su vez, ya había grabado la canción Causa y Efecto en su disco Sea), Pablo Guerrero, Diego Vasallo, Mar Serna, Marcelo Sarkis y Luis Pastor (que también grabó la canción Labios de Sal en su más reciente álbum).
Stereo 13 representa una ruptura con los trabajos anteriores de Leo Minax. Es una producción muy atenta a las nuevas tendencias de la música brasileña, sin renunciar a resaltar los particulares caminos armónicos de Leo. La elaboración armónica es algo muy característico de la música brasileña y de la de Minas Gerais, en especial.
Leo Minax participó junto a Djavan en el “Johnnie Walker Festival”, en Madrid (1997). Actuó también en el “Grec” de Barcelona junto al mismo artista y, junto a Rosa Passos, gran intérprete y autora brasileña, en “La Mar de Músicas” de Cartagena (1997).
Entre sus recientes colaboraciones en proyectos de otros artistas destacados cabe mencionar la co-autoría de la canción “Sem tirar nem pôr”, incluida en el último disco de Celso Adolfo, O Tempo, que acaba de publicarse en Brasil, y la interpretación del tema “Tú eras la canción” (Samos/Gutiérrez) que forma parte de la banda sonora de la película Le Defi de Blanca Li.
Leo también ha colaborado como instrumentista en grabaciones de otros artistas, como los ya citados Celso Adolfo y Luis Pastor, y en discos de Seydu, María Eva Albistur y Lucas Martí, entre otros.
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LONDON LUXURY |
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En la primavera de 2003 germina el proyecto cuando dos amigos con intereses musicales en común deciden crear un nuevo proyecto y para ello contar también con otro viejo conocido suyo (que por casualidad del destino en ese momento viajaba a Londres...)
~ Sin prisas y con muchos “ñoquis” por medio los tres amigos se reunían en casa de uno de ellos para cenar de vez en cuando y rasguear sus instrumentos probando sonidos. Con las ideas más claras bautizan el proyecto como Luxury, pero tras descubrir la existencia de una banda con ese mismo nombre, deciden hacer un guiño a una de sus bandas fetiches, Suede, y denominar el proyecto “londOn luxury”.
~ Al proyecto se les une otro amiguete a la sección rítmica, el círculo se completa y comienzan los ensayos Luxuriosos...
+ Ahora se les une Lucille a los teclados, aumentando el espectro sonoro del grupo.
< 23-06-05 >Nuevos conciertos añadidos a la sección correspondiente. ¡Entérate!
<08-07-05> Comunicado de London Luxury a raíz de la suspensión del concierto de ayer, obligados por la policía (secreta) Pincha en este texto para leerlo
< 23-06-05 >Nuevo concierto, día 7 de Julio, Jueves, a las 21 Horas en el pub el Planeta, del Río de la Pila, Santander. Es gratis, ¡vente!
< 21-06-05 >Nuevas fotos del concierto de ayer. puedes ver la galería accediendo a la sección Media
< 15-06-05 >Dos temas en descarga, en el apartado Audio. Disfrútalos.
< 25-05-05 >Nuevo concierto a la vista. El día 20 de Junio, 19:00 Horas en C.C. Bahía de Santander ( El corte Inglés), en Acústico, junto a Lunática, y gratis.
< 15-05-05 > + Añadidas las fotos del concierto del pasado día 10 en el Bhengala de Santander. Puedes verlas en el apartado Media. También informamos de que ya tienes a tu dicposición el banner para linekarnos en tu web. Si quieres lu enlace en la nuestra, mándanos un e-mail : londOn_luxury@ono.com.También tenemos ya disponibles los puntos de venta del disco, que son estos:SANTANDER: Flash, Sugarless Store, Ediciones Tantín, El Corte Inglés y Nexus. , TORRELAVEGA: Don Disco y Manuel Muñoz. VALLEREAL: Gong.
<10-03-05>Lucía Venero se ha incorporado como teclista a la formación. en breve podrás saber más de este nuevo miembro de London Luxury.
<10-02-05> London Luxury estrenan Web y Disco: "At London's Underground", su primer trabajo estará próximamente disponible. Haz click en la Imagen y verás la ficha del disco (abre nueva ventana)
09-05 SANTANDER, Aparcamiento Calle Castilla Hermida, Barrio Pesquero, Ssntander 17:30 horas I Festival Castilla - Hermida, junto a Lunática, Soylent Green y Marcellus Wallace
25-08-05 SANTANDER, SOTO BAR 21:00 horas Entrada libre (Frente al Palacio de Festivales)
YA CELEBRADOS
21-07-05 LAREDO OPERACIÓN MAKETA JOVEN, JUNTO A LAZY (Pop) EASY OPEN (Rock) LUZ DE MUNDO (Flamenco) RIBARUDEBOYS (Ska)
07-07-05 El planeta (c/ Río de la Pila, Santander) Gratis, 21 horas ///SUSPENDIDO
22-06-05 Antiguas escuelas de CASTILLO, (Localidad en la carretera a Noja) Hora: 20 horas. Gratis, Stereoluxuries Sound System, Pier (Hysterics in the stereo / London Luxury): Batería, guitarra, percusión y voz
Jaime (Hysterics in the stereo): Bajo
Dako (London Luxury): voz, guitarra y flauta
20-06-05 EL CORTE INGLÉS C.C. BAHÍA DE SANTANDER A PARTIR DE LAS 19 H, JUNTO A LUNÁTICA, EN ACÚSTICO
10-05-05 Santander-Pub Bhengala . Entrada Libre
26-02-05 lla Lechera,(Torrelavega) II edición del Festival Mucanbu, con Fatal Portrait, Frontline, Bifrost y Emboque
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LUÉTIGA |
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Para celebrar estos 16 años de existencia, Luétiga ha editado a finales de 2001 un disco en directo con alguno de los temas más emblemáticos de la historia del grupo: "Nel el vieju", "Ya no van los mozos", "Panceaos lebaniegos", etc., con la incorporación de algunos temas nuevos. El disco se va titular "A lo vivu" y supone un giro de 180º con la anterior grabación "Cántabros". En él han participado Sebastián Rubio, prestigioso percusionista, músico de grupos tan importantes como Radio Tarifa o La Musgaña, que ha aportado el cajón flamenco, la darbuka y el tar, con los que ha enriquecido de manera rotunda los ritmos y melodías tradicionales de Cantabria, las pandereteras Maite Blanco y María Santos, que posteriormente se han incorporado definitivamente al grupo, el teclista Rafael Santana y el bajista Fernando Segura. En este disco, Luétiga intenta transmitir el ambiente participativo y de diversión que se forma en cada una de sus actuaciones.
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MALENA MUYALA |
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“Malena Muyala es una artista que tiene el timón de la estética que construye. Se apoya en excelentes músicos, pero los arreglos están marcados por su personalidad. Canta segura. Genera climas. Seduce. Las letras se valorizan, no las impone, las sugiere.
Malena interpreta tangos, valses, milongas y canciones propias con gran fineza y soltura. Si a esto le sumamos su presencia escénica, su concepción estilística y sus dotes de compositora, estamos hablando de la figura más completa de las que han surgido dentro de la música ciudadana rioplatense.
Su discografía abarca "Temas pendientes" (Disco de Oro, Ayuí, 1998) y "Puro verso" (Ayuí, 2000).
Ahora se presenta nuevamente en la Sala Zitarrosa cerrando un ciclo de exitosos conciertos.
Será una excelente oportunidad para escuchar algunos de sus temas nuevos, que formarán parte de su tercer material discográfico.”
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MANU CHAO |
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MANO NEGRA
Se conocieron en un andén del metro de París y se separaron a bordo de un destartalado tren en Colombia. Nunca se propusieron hacer carrera ; aún así la hicieron y la ganaron. Jamás buscaron competir en la esfera del rock ; pese a ello (o tal vez gracias a ello) fueron, por momentos, el más colosal grupo del mundo. Evidentemente, Mano Negra.
1987-1994 : suena a esquela pero extrañamente nunca necesitamos despedirnos del grupo galo. Nada de epitafios ; sentimentalismos, los menos posibles : todo empieza y acaba, y lo importante es lo que quedo en medió.
O sea, ocho años de patchanka, ocho. Kilómetros de furgoneta como para dar varias vueltas al mundo ;
cinco álbumes anárquicos –rock-africano-flamenco- ska-raï-salsa-raggae, y en cada uno, consignas fundamentales para un mestizaje presente y futuro.
Los discos de Mano Negra siguen cerca del equipo de música, no se fueron.
Eso sí, entre estos han aparecido un puñado de seguidores/correligionarios que recogieron sus enseñanzas desde Buenos Aires hasta Lavapiés (Fabulosos Cadillacs, Negu Gorriak, Todos Tus Muertos, Tijuana No, Zebda, Amparanoia, Color Humano, Hechos Contra El Decoro… y unos tales Radio Bemba). Ocho años de revolución musical, de insumisión al business, de buenas ideas y saber cómo ejecutarlas. De inteligente anarquía (apenas hizo falta decir « fuck »). Fueron los Clash de los 90, no hay miedo a decirlo. Cuando les veías te daba la sensación de que podías cambiarlo, itodo !
Por eso « Best of » : abundantes buenos recuerdos de pogo, viajes y fiesta arrabalera. Desde los incipientes codeos en la primera generación del
mestizaje francés (Kingsnakes, Chihuahua, Satellites, Negresses Vertes
hasta las descargas de « Puta’s fever » que tuvieron lugar en los mismos
sex shops parisinos que visitaban las tropas de Napoleón. Desde ahí al Machu Picchu y a Tokio y a Nueva York, y siempre de vuelta a los barrios parisinos. Hasta que un barco (Cargo 92) les lleva por los puertos de la Amérika perdida, desde Santo Domingo hasta Buenos Aires. Descubren que
«entre casa y Babylon el camino está cabrón » y (re)inventan el rock latino.
Dos años más tarde, subidos a ese tren de hielo y fuego, en Colombia, oyen la balasera que acaba con la vida del narco Escobar. Tocan techo y se van.
El pesimista esgrime un argumento inapelable : « No volverá a haber un grupo parecido a Mano Negra ». El optimista sostiene ese mismo argumento y otro
más : « A ver qué hacen los ex-miembros del grupo ». Y ambos disponen, desde ya, de un « nuevo » disco donde escuchar, del tirón, « Patchanka », « Señor Matanza », « Indios de Barcelona », « King Kong Five », « Santa Maradona »,
« King of the Bongo », « Sidi ‘h’ bibi », « Guayaquil city », « Mala vida »,
« Sueño de Solentiname », « Noche de acción » y 11 más.
« Best of » es el álbum definitivo de Mano Negra. Nos prometieron, y hay que creerles, que no les quedan temas inéditos, directos perdidos ni rarezas de estudio. Nos juraron, y hay que tomarles la palabra, que no volverían a juntarse para revivalizar. Motivos para apreciar aún más, si cabe, este legado que, presentado como punto y final empieza, sin embargo, como sus conciertos más memorables : «¡Mano Negra morenooooooooooooo ! ».¿Por dónde saldrá el sol? Por la carretera. Wawa Babilonia. Rumbo perdido. Brazil presente. Cumbia colombiana. Peru presente. Chiapas presente. Ecuador presente. Bolivia presente. Hijos de desaparecidos presentes. Cuba presente. Chavez presente. Venezuela bolivariano. Maputxe presente. Tijuana presente. Guatemala City. Rumba de Barcelona. Tournée Radio Bemba Explosiva. Jai Alai sur tes routes. Dates. Feuilles de route. Bus. Train. Hotels. Avions. Pensions. Anaïs. Rencontres. Public. Rencontres. Appartés. Risas. Quelle heure est-il ce matin? Ici Corida. Où on part désormais. Toujours plus. ¿Dónde llegaré? Con todos vosotros, siempre.
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MARCOS BARCENA |
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Nace en 1970 en Santander (Cantabria) hijo Juan Ignacio, químico de la Real Compañía Asturiana de Cinc, que fue dirigida durante la década de los 50 por su padre Leopoldo Bárcena, ingeniero de minas, y de Marina Borrajo, experta en tarot y ciencias ocultas y titulada en canto lírico. A través de este lenguaje de símbolos y su don innato de clarividencia, Marina vaticina que Marcos se dedicará con éxito al mundo del espectáculo, destacando en el campo de la música.
Su infancia, bastante atormentada es vivida en Torrelavega y está marcada por diversos acontecimientos que moldean su personalidad, pasando los diecisiete primeros años de su vida en esta ciudad. La plaza Baldomero Iglesias, el colegio público Menendez Pelayo y el Círculo de Recreo de Torrelavega son los escenarios principales de su niñez.
Comienza su andadura musical a los trece años cuando descubre la música de los Beatles. Pronto empieza a tocar la guitarra de forma autodidacta y posteriormente con diversos maestros. Apasionado de la Naturaleza y del arte, Marcos se inicia en el mundo de la fotografía, el cómic y los títeres, siguiendo los pasos de su único hermano, el polifacético Pedro Bárcena al que considera su ojo derecho.
Su afición por los viajes y su carácter rebelde e inquieto le llevan a realizar distintos periplos por Francia y Holanda a mediados de los años ochenta, utilizando los instrumentos musicales ( guitarra, flauta y gaita) como vehículo de comunicación y modo de autofinanciación de los mismos. En uno de ellos conoce a la británica Kate Gass, en el Encuentro de músicos de Saint Chartier (Francia). Desde entonces decide compartir su vida con ella, casándose en Comillas el 3 de marzo de 1990 y juntos emprenden una carrera musical con dos formaciones significativas en el Renacimiento de la música popular de Cantabria: Luétiga y Atlántica.
Conviven juntos en diversos entornos rurales de Cantabria: Ruiloba, Villasuso de Anievas, Cabezón de la Sal y Ontoria, alternando la vida bohemia de farándula con la vida en el campo siguiendo los modelos de autosuficiencia que paulatinamente van desapareciendo a medida que evoluciona su carrera musical. Tienen dos hijos, Lucas de quince años y Lara de once, ambos con inquietudes artísticas.
Su espíritu creador y su afán de libertad le conducen a su separación por mutuo acuerdo en diciembre de 2005. Multiinstrumentista y polifacético se adentra en el universo del teatro recibiendo clases de Román Calleja en el Palacio de Festivales de Cantabria.
Sus proyectos inmediatos son la grabación de su primer CD en solitario, acompañado de la banda “los supervivientes” y su debut en el mundo del cine de la mano de su amigo, el realizador Nacho Vigalondo con el que espera trabajar en el futuro a sus órdenes como director.
Sus aficiones principales son el submarinismo y las ciencias ocultas.
Nace en 1970 en Santander (Cantabria) hijo Juan Ignacio, químico de la Real Compañía Asturiana de Cinc, que fue dirigida durante la década de los 50 por su padre Leopoldo Bárcena, ingeniero de minas, y de Marina Borrajo, experta en tarot y ciencias ocultas y titulada en canto lírico. A través de este lenguaje de símbolos y su don innato de clarividencia, Marina vaticina que Marcos se dedicará con éxito al mundo del espectáculo, destacando en el campo de la música.
Su infancia, bastante atormentada es vivida en Torrelavega y está marcada por diversos acontecimientos que moldean su personalidad, pasando los diecisiete primeros años de su vida en esta ciudad. La plaza Baldomero Iglesias, el colegio público Menendez Pelayo y el Círculo de Recreo de Torrelavega son los escenarios principales de su niñez.
Comienza su andadura musical a los trece años cuando descubre la música de los Beatles. Pronto empieza a tocar la guitarra de forma autodidacta y posteriormente con diversos maestros. Apasionado de la Naturaleza y del arte, Marcos se inicia en el mundo de la fotografía, el cómic y los títeres, siguiendo los pasos de su único hermano, el polifacético Pedro Bárcena al que considera su ojo derecho.
Su afición por los viajes y su carácter rebelde e inquieto le llevan a realizar distintos periplos por Francia y Holanda a mediados de los años ochenta, utilizando los instrumentos musicales ( guitarra, flauta y gaita) como vehículo de comunicación y modo de autofinanciación de los mismos. En uno de ellos conoce a la británica Kate Gass, en el Encuentro de músicos de Saint Chartier (Francia). Desde entonces decide compartir su vida con ella, casándose en Comillas el 3 de marzo de 1990 y juntos emprenden una carrera musical con dos formaciones significativas en el Renacimiento de la música popular de Cantabria: Luétiga y Atlántica.
Conviven juntos en diversos entornos rurales de Cantabria: Ruiloba, Villasuso de Anievas, Cabezón de la Sal y Ontoria, alternando la vida bohemia de farándula con la vida en el campo siguiendo los modelos de autosuficiencia que paulatinamente van desapareciendo a medida que evoluciona su carrera musical. Tienen dos hijos, Lucas de quince años y Lara de once, ambos con inquietudes artísticas.
Su espíritu creador y su afán de libertad le conducen a su separación por mutuo acuerdo en diciembre de 2005. Multiinstrumentista y polifacético se adentra en el universo del teatro recibiendo clases de Román Calleja en el Palacio de Festivales de Cantabria.
Sus proyectos inmediatos son la grabación de su primer CD en solitario, acompañado de la banda “los supervivientes” y su debut en el mundo del cine de la mano de su amigo, el realizador Nacho Vigalondo con el que espera trabajar en el futuro a sus órdenes como director.
Sus aficiones principales son el submarinismo y las ciencias ocultas.
Pero remontándome en el tiempo he de decir que éste no fue mi primer contacto con el folk. Todavía no había empezado el instituto, de hecho tenía doce años cuando mi amigo Raúl el hijo de Teuca la del kiosko de la calle donde vivía, me dejó una cinta del grupo bretón Gwendal. Raúl fue uno de los primeros amigos con los que compartía la afición a la música y hacíamos trapicheo con cintas de The Beatles, Supertramp, Mike Olfield o Alan Parsons Project. Quizá por lo atractivo de su portada llegó un día a sus manos este primer disco de Gwendal y lo cierto es que el rollo ese de las flautas y los violines tenía un aroma singular que hizo que conviviera con el resto de música que por entonces coleccionaba. Ese fue mi primer encuentro con la música celta.
Quizá algo más significativo fuera dos años más tarde cuando conocí en el instituto a Roberto Diego, con quien más tarde compartiera diez años de mi vida en las filas del grupo Luétiga. Roberto era tres años y medio mayor que yo, lo que a esas edades estudiantiles podía considerarse una sustancial diferencia. No era precisamente un buen estudiante y creo que desde bastante joven descubrió su verdadera vocación; la música tradicional y el cantabrismo.
Lo cierto es que debo reconocer que su influencia fue decisiva en mi iniciación al mundo del folk. Antes de conocerle yo pensaba que la música celta era un invento del único grupo que yo conocía, Gwendal, hasta que a través suyo descubrí a the Chieftains, Alan Stivell y Milladoiro. También por aquel entonces compartíamos clase con un personaje que escondía su cara tras unas redondas gafas a lo Jonh Lennon. Su nombre era Raul Molleda, al que yo conocía bien desde los últimos años del colegio y junto al cual había compartido momentos realmente divertidos ( recuerdos lapidarios de la adolescencia).Pero él se metió algo más tarde en el mundillo del folk, compartiendo conmigo una etapa considerable en Luétiga. Sin embargo el punk fue siempre su predilección.
De hecho aún continúa con su guitarra eléctrica al frente del grupo Kloakao, combinando su faceta rockera con la jota y la dulzaina.
De modo que fue en ese caldo de cultivo que era el instituto de Torrelavega Marqúes de Santillana , en su horario de nocturno donde me inicié con mi primer instrumento folk, propiamente dicho el tin whistle o flauta irlandesa, aunque ya había empezado con la guitarra unos años antes, recibiendo clases de Rosina Tella. De hecho la guitarra era mi principal instrumento, aunque aún tuvieran que pasar años antes de soltarme a cantar con ella.
Un dato anecdótico es que en esta época compré mi primera guitarra. La de aprendizaje fue una vieja guitarra española que mi madre me había regalado y la cual tenía que andar escondiendo debajo de la cama para que mi padre en sus peores momentos de alteración psíquica no me la partiera en mil pedazos. Después de unos años en un momento de reflexión y arrepentimiento que siempre agradeceré, me regaló una postal con el lema “dale una oportunidad a la paz” que decía:
Marquitos: no pienses que me molesta tu forma de ser en la faceta de imitar a J. Lennon que debió de ser una magnífica persona además de un artista de primera línea”. Pero volviendo a la guitarra daré un dato curioso; no fue una acústica, si no una eléctrica. Se trataba de una imitación de Gibson Les Paul con una placa de SEAT 600 pegada en la caja. Se la compré a Felón de un grupo rock de Torrelavega “La Burla”.
Por aquel entonces me relacionaba con la peña roquera de mi ciudad, cuando el grupo de surferos Melopea eran los amos del cotarro.Los hermanos Sainz Sainz y compañía eran auténticos sex-simbols entre las féminas de la capital del Besaya.
Con la flauta aprendí un puñado de temas de oído principalmente de los intérpretes antes mencionados y pronto amorticé las 300 pesetas que costaba entonces la flauta, tocando el primer verano en las calles de Santillana del Mar y Santander. Además conseguí ahorrar para comprar mi primera gaita. La traje de Avilés y comencé a soplar sin piedad hasta que logré traspasar algunos de los temas de la flauta al nuevo instrumento. Viviendo en un piso pronto me di cuenta de que debía seguir practicando en la calle percatándome de que multiplicaba los ingresos con el ruidoso aparato. Era bastante gratificante observar como la gente pagaba tus ensayos echando monedas sobre la bolsa de tu instrumento.
Pero estos recuerdos de mi proceso de aprendizaje e iniciación en el folk inevitablemente se entrelazan con los del deseo de pertenecer a un grupo. En ese sentido otra persona a la que no debo olvidar es a Chema Murillo al que conocía desde niño y por el que sentía un gran respeto por su arte tocando el violín. Todavía recuerdo cómo alucinábamos mi hermano Pedro Bárcena y yo cuando nos tocaba algunos compases de “Eleaonor Rigby” de los Beatles cuando íbamos a su casa de vez en cuando. El caso de Chema es bastante sorprendente. Fue alma del grupo Vallobera, en 1998 pero también se subió al tren de Luétiga apeándose años más tarde con otros dos compañeros para formar el grupo Mayadama, quienes editaron un misterioso pero interesante disco en 1990 que por su pésima distribución poca gente conoce, la primera palabra .Pero volvamos atrás.
Chema se reunía conmigo en los comienzos, antes incluso de que yo propusiera el nombre de Luétiga ( lo saqué de un palabrero que aparecía en el libro de Vindio, la historia de Cantabria contada a los niños) con Roberto y con su hermano Fernando a tocar temas bretones, irlandeses y gallegos. Por aquel entonces yo poseía más ilusión que conocimientos e intuición musical. No tenía un instrumento definido. Tocaba un poco la guitarra y la flauta pero en ese momento era Fernando, quien se encargaba de la cuerda y su hermano de los instrumentos de viento. De modo que me tocó la china. Me propusieron que me comprara un tambor y probara suerte como percusionista Lo hice pero creo que la idea no fue buena y fracasé. Por alguna razón jamás se me han dado bien las baquetas. Sin embargo el bodhram o pandero irlandés el cual se tañe con una sola maza enseguida aprendí a dominarlo. Recuerdo que practicaba en el instituto golpeando los ritmos con el bolígrafo sobre la carpeta de apuntes.
Pero Luétiga tenía muy claro que ellos querían tambor cántabro y poco a poco dejaron de llamarme para ensayar comenzando a contactar con nuevas personas hasta conseguir una formación más estable. Mi intuición me dice ahora que fue Fernando el que no quería verme por allí ni en pintura. Era horrible sentirse que era demasiado malo ( o joven) para continuar con ellos. De ahí en adelante desfilaron numerosas personas por la banda, algunas de ellas no llegaron nunca a actuar en público, abandonando tras algunos ensayos. De hecho es sin duda el grupo musical cántabro por el que han pasado más componentes a lo largo de su historia, ( más de veinte músicos ), aunque nadie ha estado tanto tiempo (a excepción de la panderetera Conchi García ) como Kate Gass y un servidor.
Pero esto no permitió que tirara la toalla. Por el contrario yo continué tocando y tocando y encontrando nuevos amigos en el camino, hasta que por fin conseguí formar mi primer grupo, Magosta. Miento; hubo una experiencia anterior con Nobel Sámano, hijo del conocido compositor cántabro que años más tarde creara el espectáculo “Misa Popular Cántabra”, junto a Jose Luis Ocejo y su Coral Salvé de Laredo, montaje en el cual Luétiga teníamos un importante papel como instrumentistas del montaje. De modo que Nobel hijo, que por cierto era también compañero de clase en aquel primero de BUP en el nocturno del Instituto Marqués de Santillana, su primo Armando, ( proveniente del grupo heavy Estirpe) al bajo, teclas, Chema Murillo, violín y un batería del mundillo rock llamado César creamos lo que fue mi primer grupo de música. Únicamente actuamos una vez y no teníamos ni nombre. Fue en Santillana del Mar y tocamos cuatro temas en un evento organizado por un personaje singular de la movida cultural de aquella época en Cantabria, sobre todo en el campo del teatro: Juaco.
De hecho fue él con quien me inicié en el mundillo de la escena, concretamente en el de los títeres. Este noble arte siempre me ha acompañado como actividad paralela en mi devenir en la música siendo un complemento enriquecedor en mi vida. Historias del Muro fue la primera y modesta compañía con la que recorrimos diversos lugares con varios montajes, especialmente con una obra escrita por mí titulada “la flor mágica”.Como dato curioso mencionaré que fue en este grupo de títeres donde tuve la oportunidad de trabajar con mi hermano Pedro, al cual le apasionaba el mundo de la marioneta. De hecho organizamos el primer Festival de Títeres de Torrelavega, subvencionado por el Ayuntamiento al que conseguimos sacar un millón de pelas para organizar once días de programación con compañías de Marionetas de varios países del mundo. Los muñequitos parecen perseguirme y actualmente colaboro asiduamente con Pati Doménech y María Vidal en el seno de Abrego Teatro, en la parte musical. de varios montajes teatrales infantiles ( la leyenda de los besos, de corazón a corazón …) y en estos momentos que escribo estas líneas me encuentro desarrollando un curso de interpretación dramática en el Palacio de Festivales con el excelente Román Calleja como director. Mi actual y reciente amistad con Marius, marionetista de Rumanía, también se va a transformar en una relación de trabajo y de puesta en escena en breve.
Pero Juaco me brindó la oportunidad de tocar con la gaita en público por primera vez, dentro de un montaje organizado. Se trataba de la peculiar cabalgata de Reyes Magos del año 1986 en Torrelavega. Sí, Juaco fue la persona encargada de organizar este evento para el cual contaba con un gran presupuesto y medios materiales y humanos. Yo era uno de esos últimos e hice de pastorcillo gaitero recorriendo las calles de la ciudad.
La crítica fue severa con el montaje innovador donde convivían pastorcillos quinceañeros e inocentes con unos reyes magos vanguardistas que saludaban a los niños desde lujosos descapotables mientras fumaban largos puros cubanos. Torrelavega y sus familias bienpensantes no estaban preparados para algo así.
Pero volviendo a la música y tras aquella actuación primera y última en Santillana con aquella formación, nació Magosta, grupo menos efímero por el que pasaron diferentes componentes. La formación más estable y duradera fue la de Luis Alberto Hoyos, a la guitarra, con quien empecé a dúo meses antes debutando en el carnaval de Cóbreces en el 87,( en el descanso de la verbena amenizada por Plenitud).Siempre me ha gustado tocar a dúo. Es diferente el grado de intensidad en la comunicación cuando tocas sólo con otro músico. Se convierte en un verdadero diálogo. Por eso los dúos siempre me han acompañado a lo largo de mi carrera ( Kate Gass, Miguel Regal, Ramón Bueno Rody Herrera, Flaky Jake…)
Pero sigamos con Magosta: pronto se unieron Rudi Alonso al bajo y Man a la percusión (estos dos últimos, años más tarde crearían junto al exluétiga Miguel Balsa el primer pub folki de Cantabria, el Ave Turuta de Torrelavega ). Yo me encargaba de las flautas y de la gaita y eventualmente de la guitarra. Más tarde se incorporaría Itziar al acordeón pero tan sólo una temporada ya que abandonó el grupo despavorida tras una actuación con un final delirante en la Campa de Santa Lucía ( Cabezón de la Sal), donde se despidió de nosotros diciendo:- hasta luego, no me volváis a llamar. Demasiadas cervezas y mezcladillos fumables.
Man había sido compañero mío de aventuras en algunos inolvidables viajes al extranjero que nos llevaron a París o a Ámsterdam en el 86 y 87 respectivamente.
En esos viajes tocaba la flauta incansablemente en parte por practicar más y más temas y en parte por autofinanciarnos los desplazamientos, mejor dicho la manutención, ya que nos movíamos a dedo o colándonos en los trenes. Todavía recuerdo la cara de los revisores de tren franceses cuando abrían la puerta del baño y nos pillaban allí, con el macuto esperando nuestra estación. Apeo en la siguiente parada y multa por polizones. Por algún sitio guardo una buena colección de denuncias de la red de ferrocarriles franceses (SNCF). Evidentemente no pagamos ninguna. Viejos tiempos.
Sin duda, los viajes han constituido para mí, una de las aportaciones esenciales en mi desarrollo como músico. Las estancias que años más tarde hiciera en diversos puntos del Reino Unido fueron decisivas. Milton kinnes, donde conocí a Kepa Junquera, que por aquél entonces tocaba con Jonh Kilpatrick y Ricardo Tesi. Cleethorpes en la costa este de Inglaterra. Edimburgo, Glasgow con su Celtic Connection, Leeds y las magistrales clases del guitarrista Jerry Cahill y Lancaster, donde viví una corta temporada y mis hijos tuvieron el placer de acudir a la escuela que yo llamo de la tolerancia:,Dallas School Road con niños de diversas razas y creencias.
Las sessions en los bares desde Cornualles a Escocia, pasando por Gales, donde actué en un peculiar festival de jardines gracias a mi amiga, la judía Fionna Frank. En fin, que la isla británica ha sido una verdadera escuela para mí.
Otro lugar significativo fue Suiza, al que viajé con la que ha sido mi mujer durante quince años, Kate Gass. Esto sucedió el año antes de hacerme padre, cuando el amor era loco entre la pareja creadora del grupo Atlántica. Allí entablé mucha amistad con el cantante y gaitero irlandés Brian McCombe, hombre cuya voz me hace temblar y que en muchos aspectos tenemos una gran similitud, entre otras cosas por haber nacido ambos bajo el signo de libra. Su primera grabación se llamaba “when a man is in love” (“cuando un hombre esta enamorado”…).Estaba casado con la mejor amiga de Kate, Jo Goodwin, y pasamos una estancia inolvidable con ellos en las cercanías del Mount Blanc de los Alpes suizos. Con él tuve la suerte de ver en directo a los míticos Jetro Tull en Ginebra.
Brian, no sabes todo lo que me has influido.
Así es que Chema no coincidió conmigo en Luétiga. De hecho fue cuando César Martínez, Miguel Balsa y él abandonaron la formación el momento en que los hermanos Diego, y sus padres, recurrieron a mi para reconstruir el grupo en 1989. Paradojas de la vida.
Pronto yo les hablé de mi compañera Kate Gass, de la que hablaré un poco más adelante, y pronto se sintieron atraídos por la cantidad y variedad de instrumentos que manejaba. Además, un toque exótico, céltico y femenino sería excelente y daría un colorido especial a la banda. De modo que el grupo quedó pronto recompuesto.
Para mi fue una ocasión excelente ya que en ese momento, tras la disolución de Magosta no pertenecía a ningún grupo y ganas no faltaban. Tan sólo tocaba a dúo con Kate. De hecho ese mismo verano, pocas semanas antes, habíamos ofrecido un recital en Comillas, en la discoteca Pamara. Más abajo me extiendo más sobre esta impresionante villa que a lo largo de mi vida parece llamarme, como si tuviera alguna cuenta pendiente sin resolver. Este concierto fue el primero con el nombre de Atlántica. Fue un evento organizado por Alfonso García Oliva, constructor de instrumentos musicales y folki de la vieja guardia, persona que me ha influido mucho y de la que me extiendo unos parráfos más abajo.
Efectivamente, Atlántica concebido como dúo y como punto de encuentro de músicas tradicionales de diversas procedencias coexistió con Luétiga durante diez años. Este último con la clara y fija idea de interpretar únicamente temas de folclore cántabro. Durante todo este tiempo la actividad fue tan intensa como necesaria para una pareja que se había embarcado en la arriesgada aventura de vivir de la música.
Hay que mencionar que en medio de esta década trabajé junto mi viejo amigo Miguel Regal, actual pianista del mesón “La Conveniente” de Santander y alma el grupo Amaltea que editó un buen CD instrumental en los noventa. Con él creé un proyecto llamado “Los Dos” que se salía del folk para adentrarse en el universo musical de las versiones de clásicos del siglo XX, una etapa paralela a Luétiga en la actuamos en más de cien ocasiones por pubs, cafés y antros diversos de nuestra geografía. Para mí fue una excelente oportunidad para mejorar la voz y la fonética de mi inglés mientras homenajeaba a grandes creadores de canciones a los que yo siempre veneré como Paul Simon, Crosby, Stills & Nash, John Lennon, Paul MacCartney, Cat Stevens etc. Además tocar en bares siempre me ha gustado ya que la comunicación con el público es muy cercana.
Con Luétiga os podéis imaginar, multitud de anécdotas y recuerdos, ensayos en la calle Julian Urbina de Torrelavega y en nuestra casa encantada de Villasuso de Anievas, cientos de conciertos y tres discos : la última cajiga (1992),primer CD de folk cántabro, Nel el vieju (1994) y Cernuela (1996).Entre medias se coló el primero de Atlántica bajo el epígrafe música celta y de otros países del atlántico.(1995). A medida que pasaban los años se iba notando una considerable mejora en la calidad de los conciertos que ofrecíamos con una y otra formación. Por Luétiga iban pasando diversos personajes que aguantaban más o menos tiempo, ( Marco Antonio Martínez, violinista, que provenía de un grupo folk de Santander llamado Salamandra y que también había hecho de titiritero conmigo, Pepe Montes, bajista, que había sido componente de otro grupo coetáneo de Magosta, en este caso procedente de Los Corrales de Buelna, Trenti).
Pero el tiempo pasó y la formación de los hermanos Diego, La pareja “atlántica”, Conchi García como panderetera y más tarde Raúl Molleda al bajo, se consolidó hasta que surgió la oportunidad de grabar un disco.
Se trataba de una iniciativa de la consejería de cultura de aquel gobierno de gestión que suplantó al de Juan Hormaechea por una temporada en 1991. Javier Lopez Marcano era entonces director general de Juventud y bajo la idea de un grupo de jóvenes entre los que estaban dos intelectuales entrañables, Quique San Miguel y Esteban Ruiz se financió la producción de un disco que reflejara lo que en ese momento se estaba haciendo en el mundillo del folk en Cantabria. Se tituló Componente Norte y se grabó en los estudios Salamandra de Juanjo Respuela.
Sin embargo su distribución fue si cabe aún más desastrosa que la del disco de Mayadama. De hecho, la casi totalidad de los ejemplares editados fueron a parar a algún armario de la consejería de cultura, secuestrados al volver Hormaechea al poder y condenados a cadena perpetua porque en la contraportada del LP se mencionaba a Marcano como mecenas del proyecto. Complejos de protagonismo de políticos. Me viene a la memoria una canción que años más tarde dedicara otro grupo folk, del que hablo enseguida, al polémico presidente, llamada Juan “el jocaor”.
De cualquier modo fue una experiencia interesante tanto en mi caso, como en el de la mayor parte de los grupos incluidos se trataba del primer disco, con todo lo que ello significaba. Además de Atlántica y Luétiga esos grupos eran los ya mencionados Mayadama y Salamandra así como un grupo de carácter bastante tradicional de Torrelavega que no duró muchos años llamado Sel del Coz. En su formación tocaban entre otros músicos, Conchi, que como Kate y yo, en Atlántica, hacía doblete con ambos grupos, Además de Esteban Bolado, quién posteriormente sustituyó a Kate al violín en Luétiga y David, “el Chino”, que tras la disolución del conjunto, formaría otro peculiar proyecto llamado La Jumera. Con una idea más provocadora y una puesta en escena en escena más desenfadada que otros grupos, la Jumera, con Chino, Pedro de Cos, Julio Pahíno y César Higuera grabó en 1996 el disco El milagro de San Ché.
Hay que decir que la Jumera marcó un antes y un después en la historia del folk cántabro. Supongo que durante el tiempo de máximo apogeo de la banda debo reconocer que hubo cierto nivel de competitividad con nosotros, Luetiga. Había seguidores del movimiento que eran simpatizantes de ambos grupos, sin embargo, como es natural, hubo una parte del público que prefería la apuesta de los de Pedro de Cos. Debo reconocer que Pedro de Cos es una persona con gran talento para la improvisación y un buen comunicador, muy divertido y atrevido. Un showman nato que caló entre cierto sector de la juventud folki del momento. Sin embargo se le fue la pinza en exceso a medida que iba pasando el tiempo, y la ley de causa – efecto actuó implacable haciendo que la banda se disolviera a los pocos años. Hubo gente que hizo la analogía Luetiga-Jumera comparándonos con los Beatles- Rolling Stones, respectivamente. Si los primeros cantaban “quiero coger tu mano” los segundos dirían directamente “quiero meterte mano”. Creo que es ilustrativo de las diferencias entre ambos.
Además de los grupos grabó dos temas en Componente Norte un solista, gaitero y zanfoñista, Alfonso García Oliva.
Alfonso pertenece en realidad a la anterior generación de folkies de Cantabria. De hecho fue fundador de un grupo anterior a todos los mencionados hasta ahora, el Bardal (donde perteneciera también Yuyo Hornazábal, actual e imprescincible técnico de sonido de Atlántica, habitual sonorizador de los festivales folk e ingeniero de sonido de los estudios “el caseto” de Entrambasaguas).
También formo dúo con la suiza Silvye quien a su vez creara un internacional grupo de mujeres llamado Charabia junto a Mady Smith (una de mis mejores amigas) anglo-francesa, Antoinette Hermans, holandesa y como no a Kate Gass, británica. Una interesante pero supongo que explosiva experiencia que duró poco más de un año.
Puedo decir que Alfonso García Oliva es una de las personas más responsables de que yo esté tan involucrado en este tinglado del folk.
A menudo los Magosta solíamos acercarnos hasta Cabezón, en el barrio de La Pesa, donde él vivía entonces. Además Alfonso tenía allí su taller de luthier y mientras construía flautas y zanfoñas o nos ponía las gaitas a punto nos contaba sus historias y batallitas. Por eso pronto se ganó el cariñoso mote de “El Abuelo”.
Entre sus temas de conversación predilectos estaba el de sus andanzas por el festival de Saint Chartier (Francia). En este encuentro de músicos y constructores solía exponer sus instrumentos entre artesanos de todos los países. Tanto nos habló de este festival que irremediablemente Man y yo, los viajeros del grupo, sentimos la necesidad de conocerlo. De manera que ese verano de 1988 volvimos a preparar el macuto por tercer año consecutivo rumbo a las Galias. Esta vez no fuimos de polizones, no se por qué, dado el éxito de los anteriores periplos por el país vecino. Decidimos no traspasar la línea de la ilegalidad e hicimos auto-stop los cerca de 1000 Kms. de distancia hasta llegar al lugar.
Aquel viaje fue muy especial en muchos sentidos. Musicalmente aquello era muy rico, conocí músicas populares que hasta el momento jamás había oído. Los conciertos con el Castillo como escenario, los fest-noz o bailes hasta la madrugada, las jam-sessions en los bares del pueblo y los stands de luthiers donde podías probar instrumentos de cualquier tipo hacían del lugar un verdadero Edén para el aficionado. Saint Chartier es un lugar que además entra en las páginas de la historia del Romanticimo, ya que es la localidad natal de la escritora George Sand, conocida amante del compositor Frederic Chopin.
Otro dato fundamental, allí conocí a Kate. Ella estaba tocando el clarinete en una de las jam sessions de los bares, música bretona, creo. A las pocas horas fui a parar a otro de los bares y estaba allí, esta vez tocando la flauta irlandesa. Luego de noche la pude ver con su amiga Antoinette tocando el violín al estilo country. Era sorprendente ver a la misma persona manejando instrumentos y estilos de música tan diversos.
Al acabar el festival, ella y su amiga holandesa de origen pero residente en Inglaterra, no tenían muy claro lo que querían hacer. Sin embargo Man y yo queríamos regresar a Cantabria. Creo que no fue muy difícil convencerlas de que conocieran nuestra bonita y verde tierra de modo que nos acomodamos en el Datsun granate de Kate con nuestros bártulos y nos encaminamos de vuelta a casa.
Como consecuencia de esto, ambas deciden instalarse en Cantabria. Algo más había ahí…. Es entonces cuando alquilamos una casa en Liandres ( Ruiloba) compartida entre Alfonso García Oliva, Man, Kate y yo. .Antoinette sin embargo se quedó como inquilina en otra casa también en Ruiloba, pero en el barrio de Sierra. Casual o causalmente con otro músico, el harpista Javier González Sanz, que aunque años atrás perteneció al gremio folkie cada vez se estaba involucrando más en su verdadera vocación, el mundo de la música antigua, género del que es una verdadera eminencia. No obstante en el campo de la música tradicional ha dejado buen testimonio tanto como solista como con los grupos Amerguín, en los primeros ochenta, a dúo con Yuyo Hornazábal y posteriomente con Dunvegan, junto a Nacho, Chema Murillo y César(Murcu). El repertorio de éste último quedó grabado en un trabajo titulado “de música escocesa”.
Además de Javier y de Antoinette o Toni para los amigos, pronto se unió un tercer inquilino también músico, Miguel Santamaría.
Miguel era y es otro forofo empedernido de la música escocesa y por cierto
Intimo amigo de los Dunvegan. Precisamente, en los tiempos de las primeras ediciones del festival de Cóbreces, tocaba el bodrham con alguno de sus componentes en un grupo llamado Kentaber ( aún recuerdo alguna colaboración que hice con ellos tocando la flauta irlandesa) y más tarde en otro conocido por Fior Ceol, palabra gaélica que significa música verdadera, junto a su primo Nacho, excelente flautista. Después dejó de actuar en grupos estables para dedicarse a tocar eventualmente en sesiones en diversos pubs de Santander ( El Rubicón, Celtic´s Tavern, Naroba) o Torrelavega ( La Espiral Lough, El Grial).
Además fue junto a Manuel Sánchez Contreras (Manu), Kate y yo, el artífice de una asociación cultural que tan solo duró un año de actividad llamada Trébole. El colectivo pretendía ser algo así como un club de folk que organizara conciertos de artistas y grupos en gira y talleres de instrumentos .De este modo se llevaron a cabo conciertos memorables de músicos como Kepa Junkera, Pat Kilbride,Mike Marshall, Ross Kennedy y Archie MacAllister, entre otros. Desgraciadamente la falta de apoyo, tiempo de organización y de un lugar definitivo donde ubicar los recitales hicieron que abandonáramos la actividad. Pero la asociación sigue ahí, constituída, ¿alguien quiere retomarla? Pero continuando en Ruiloba, hay que mencionar que al margen de la “invasión” de esta nueva oleada de folkies, vivía en el municipio un joven ligado a la música tradicional desde niño, Ramón Bueno, el “pitero de Ruiloba” quien acabaría años más tarde siendo un excelente acordeonista y pianista, además de uno de mis grandes amigos. Por suerte para Kate y para mí, a finales de los noventa iniciamos un camino musical con él y con Míguel Cobo para constituir la actual formación de Atlántica. Esto unido a otras incompatibilidades acabó por provocar en 1998 nuestra escisión de Luétiga tras un cataclismo que desgraciadamente desembocó en un conflicto emocional y en una durísima separación.
No deseo extenderme en este tema entre otras razones porque aún no se han resuelto determinados asuntos relativos a las finanzas del grupo y los derechos de propiedad intelectual de las obras grabadas durante nuestra etapa en el grupo. Cuando no hay acuerdo ni consenso entre dos partes no hay más remedio que acudir al recurso que inventaron los romanos hace más de dos mil años: el tribunal de justicia. De manera que aún después de cinco años aún estamos a la espera de lo que yo alegóricamente llamo “el juicio final”.
Sin embargo estoy convecido de que llegaremos a un acuerdo que resuelva el conflicto sin traumáticos pleitos. Creo que en el fondo Atlántica, Luétiga y el público en general prefieren que se superen los egos y haya armonía entre las dos bandas veteranas del folk. Tras siete años de silencio decidí seguir los pasos de mi ídolo Paul McCartney, quién visitara en Nueva York a John Lennon para reconciliase, también años después, tras el caos del cierre del kiosco de los Beatles. Estoy muy satisfecho de haber hecho esto, y confío en recuperar poco a poco la amistad, sobretodo con Roberto Diego, ya que durante una etapa de mi vida fuimos colegas de verdad. Una buena manera de solventar el asunto será si Atlántica actúa en el festival Intercéltico de Orejo, programado
Fernando Diego. Confío en que así sea.
Otros grupos coetáneos a esta reciente etapa del folk cántabro son Dujo de Camargo, génesis del actual Cámbera al Ciezu, para muchos uno de los mejores grupos del folk cántabro, con una puesta en escena cañera y divertida animada por su genuino cantante, Robertón. Me entretengo en mencionar a su guitarrista Jorge Ibáñez, ya que actualmente y desde el otoño de 2003 es el quinto componente de Atlántica. y tanto él como nosotros estamos contentísimos de trabajar juntos. Para mí ha supuesto una motivación liberarme de la guitarra para algunos temas y recuperar la posibilidad de tocar más con las flautas y las gaitas. En fin que todos salimos beneficiados. Sir Jorge: bienvenido a la tabla redonda de Atlántica.
Pero el 1† en entrar en Atlántica fue Miguel Cobo, artista polifacético,que empezó animando las actuaciones de baile junto a su mujer, Estela Baños y además colaboró en nuestro primer disco como dúo llamado simplemente Atlántica en 1995. Entonces tocó el bodrham en un par de temas. Durante los años que nosotros compaginábamos Atlántica y Luétiga, él tocó con otras formaciones como Macario, junto a Nacho García (también gaitero de Ijana de Aras y de Lipurdu), Moisés Serna ( tamboritero de tradición de la anterior generación), y Roberto Diego o Sergio Sordo (el segundo sustituía al primero cuando Roberto estaba ocupado con Luétiga). Este grupo se especializó en la música tradicional para gaitas.
Otra formación en la que participó fue Vagalume, junto a Mercedes Trujillo ( también componente de Morrigan, con Dani, Raul, Esteban y Estela) grupo que se atrevía además de con la música tradicional con la música antigua. Pero esta experiencia duró poco tiempo. Pronto Merche formó su propio grupo y en 1999, poco después de que se editara nuestro disco tránsitus ella grabó un trabajo que apenas ha tenido distribución. Yo colaboré en ese CD tocando el cistro en un tema.
Deiva y Nel Tardíu fueron dos grupos que editaron en el 2000 los discos titulados del Sella al Nervión y arronte y aventaos respectivamente. Paradójicamente ambos grupos se disolvieron al poco de editar sus discos. Esto es como el matrimonio que se separa a los ocho meses de casarse. Sobrepasa mi entendimiento.
Debo mencionar a su guitarrista Jorge Ibáñez, ya que actualmente y desde el otoño de 2003 es el quinto componente de Atlántica. Cambera, pese a su calidad y aceptación no hay que olvidar a Saltabardales, que tiene una trayectoria más larga que los grupos recién mencionados y tres discos en el mercado, Por tu puerta voy entrando (1997), amayuelas (1999) y al sur del río bravo (2000).
Otra formaciones que no debutaron discográficamente son Terzuelo ( mezcla de folk-rock y música medieval), Vozpornoche (grupo de mujeres, donde destacaba la excelente voz de Aura Tazón, que actualmente nos deleita de vez en cuando con su dúo con Tybo North y además es hija de Javier Tazón, y mujer de Carlos Ealo, pitero, ambos miembros de la Cofradía de la Sidra, apasionados de esta bebida y presentes en multitud de festivales y otras movidas folkis ), Brañajana (alumnos de la escuela de música popular de Colindres, con un planteamiento muy tradicional) y Astilla de Palu de Cabezón de la Sal. Otros que hicieron el disco y se fueron al garete acto seguido. Y esto sí que lo viví de cerca ya que yo estuve en la producción de su CD “con el agua al cuello”.
Y ya que menciono esta villa conviene hacer un breve y conciso repaso a través de su relación con la música tradicional. De hecho desde que en los años ochenta se formara el grupo Nos, con una formación variable de la que recuerdo a Cesar Lavín, Manuel Carrera, Pedro de Cos y Cari Callejo, Cabezón ha sido un lugar con continua actividad en el mundo del folk (además de haber sido mi lugar de residencia durante tres años, centro de operaciones y demás fechorías). Entre otras razones por ser la cabecera de los míticos, profundos y legendarios valles de Cantabria, Cabuérniga y Saja.
Otra razón importante fue la creación de la escuela municipal de folclore, pionera en Cantabria y a la que con los años se sumarían las de Torrelavega, Santander, Colindres, Cartes etc. Durante los últimos quince años he tenido la suerte de ser el profesor de gaita de esta escuela, donde se iniciaron gaiteros que posteriormente formarían grupos como Untu de Osu: Javitín, el Alegre, Salva, Camilo y Pichi, ¡vaya cuadrilla! en los primeros noventa y posteriormente Tentirujo.
Quedan por citar grupos “ dinosaurios” como Ibio que aunque tenían un planteamiento basado en el rock sentaban sus cimientos en la música popular. Pero yo estaría comiendo un boacadillo de nocilla y viendo Barrio Sésamo por aquel entonces.
Más reciente fue la experiencia de Antonio Gamaza Vazquez quien formara el grupo Ijujú adaptando temas del folclore con una estética jazz sin concesiones. Hicieron un disco a mediados de los noventa. junto a su hermano Roberto Gamaza a la batería y el divertido y genial saxofonista vasco Gorka Benitez. Soberbio.
Toño Gamaza fue otro de los que puedo considerar que han enriquecido mi formación musical, ya que durante un tiempo me dió clases de armonía moderna. Con Toño estuve a punto de montar un repertorio de voz y piano basado en la tradición de Cantabria pero con el jazz como fusión. Grabamos tres temas en una maqueta. Actuar con él en público es algo pendiente que espero que algún día llevemos a cabo. Sería un verdadero placer y un honor trabajar junto a este hombre que sabe tanta música que alguien le bautizó como “el marciano”; un verdadero portento cósmico conocedor de los misterios de la alquimia numérica de la armonía y el ritmo. Lo complejo es que él esta en Barcelona trabajando como profesor en el Aula de Música Creativa y he perdido contacto con él. Pero bueno el camino es ancho… Otro grupo al que apenas pude ver en directo, Casombrena, al que pertenecía mi excompañero de Magosta Rudi Alonso y su hermano Héctor (ex -Sel de Coz).
Quizá no tan cercano al folk cántabro y sí al mexicano y colombiano hay que mencionar a la banduca Los Castos cuyo planteamiento de música para bailar también encuentra cabida en el mismo nicho que todos los grupos mencionados.
Pero evidentemente no sólo hay grupos si no también solistas que son fundamentales en este revival de la música tradicional. Algunos de ellos son Chema Puente, excelente rabelista y cómo no, uno de sus mentores, Pedro Madrid, fallecido en 1997. También cantante y folclorista destaca Manuel Luna, con un pie en Cantabria y otro en Murcia.
Julian Revuelta (el malvís), Benito Díaz, Almudena, Beatriz y Begoña, Andrés Balvás, Tomas Macho y un largo etcétera de intérpretes tradicionales que contribuyen de manera esencial al mantenimiento de esta tradición viva.
En este marco son fundamentales el genial rabelista Miguel Cadavieco, hombre dotado de una increíble capacidad para la improvisación de coplas y Alba Gutierrez, que a pesar de su juventud, posee una de las mejores voces de la música tradicional.
En Reinosa era inevitable que naciera una banda heredera de todo el rico legado musical de la tradición del valle de Campóo y que siguiera la estela de todo lo mencionado anteriormente. Así que nació el grupo L´Arca de Sueños, que ya han editado dos CD´S y han realizado multitud de actuaciones. Gente supersana y con mucha energía que demuestran en su trabajo.
Otro grupo que actualmente está funcionando muy bien son nuestros amigos de Cahórnega, que son hijos directos del festival de Cabuérniga y que tienen una excelente relación con nosotros (Atlántica), desde sus orígenes. Bruno ( percusión, voz ) Lisi, ( acordeón) Nico,(gaitas, flautas).Laura (percusión, voz) y la última incorporación, Conan ( guitarra).
Antes de incorporarse Conan como guitarrista definitivo de la banda yo anduve colaborando con ellos en algún concierto. El más inolvidable fue uno con cierto carácter surrealista en el jardín del Palacio de las Fraguas en 2002.
Para terminar me gustaría mencionar que me siento muy feliz y orgulloso de haber tenido la oportunidad de vivir siempre de la farándula. Que no lo cambio por nada, porque me apasiona mi trabajo. Que es magnífico no tener jefes ni ser jefe de nadie y muy satisfactorio contribuir a la transmisión de emociones con la música, ese arte de combinar los sonidos de forma alegre o triste para conmover la sensibilidad.
Que la mejor decisión de mi vida profesional fue la de abandonar el grupo Luetiga en agosto de 1998 y concentrarme en el grupo Atlántica y multitud de proyectos paralelos que un alma inquieta como yo disfruta de llevar a cabo, sin ataduras, miedos ni rencores.
Que la otra decisión seria y fundamental para mi desarrollo como persona es haberme separado en diciembre de 2005 de Kate Gass para vivir independiente y disponer de más tiempo para llevar a cabo todos los proyectos artísticos que me pasan por mi espiral cerebral., con la responsabilidad de mantener a mis dos espléndidos hijos. Un claro ejemplo es el trabajo que estoy desarrollando en la actualidad con el guitarrista más orgásmico al otro lado del Sella, el genial Rody Herrera. Viejo amigo al que el destino hizo que perdiéramos el contacto durante unos años. En parte por el curioso enredo de que fuera precisamente él quien me sustituyera en Luétiga en el 98 ocupando mi supuesta plaza en la actuación del festival Interceltico de Chicago. Cosas del destino. Rody es un batallador nato del mundo de la música. Ha tocado con los algunos de los mejores intérpretes de la escena musical asturiana, desde Beleño a Tejedor pasando por Hevia en el grupo Boides y Ubiña con el gran Xuacu Amieva a la cabeza. Pero su verdadera vocación es el blues y lo demuestra en sus conciertos “haciendole el amor” a su guitarra en cada canción que interpreta. Un fiera.
Que seguiré, cogiendo el modelo de mis ídolos musicales, desde Arty McLynn en Irlanda hasta los Hermanos Jacky y Patrick Molard en Betraña, o Ross Kennedy de Escocia, por citar algunos de los cientos de ejemplos de personas de mente abierta que viven de este tinglado y que disfrutan compartiendo su música con multitud de artistas. Seguiré como digo tocando con todos aquellos músicos que encuentre en esta maravillosa senda de iluminados porque ésta ha sido siempre mi mejor escuela de aprendizaje y enriquecimiento personal. Lanzo un abrazo para todos aquellos con los que he compartido escenario o sesión de grabación en alguna ocasión (perdona si me he olvidado de tí):
Andy Hornby, Toni y Philip, Marco Antonio, Flaky Jake, Roger Claridge, Howard, Paolo Latrónica, Phil Grijuela, Mario San Miguel, Moisés Serna ,Sergio Sordo, Miguel Cadavieco, Aura Tazon, Javier Bergia, Alfonso García Oliva, Luis Alberto Hoyos, Paco Díez, Eduardo Tarilonte, Salvador Cacho, Antón Varela, Raquel, Jose Antonio Gallego, Javier Ibáñez, Manuel Carrera, María Vidal, Pati Doménech, Rody Herrera, David López, Javier González, Miguel Regal, Luis Herreros, Merche Trujillo, Quique Almendros, Jaime Muñoz, Carlos Beceiro, Borja García y Hernando, Iñaki (deltonos),Ron Tishbein, Iván Castañeda, y por supuesto todos los grupos mencionados por los que he pasado, como componente oficial o colaborando: Magosta, Kentaber, Salamandra, Trenti, Cahórnega, Luétiga.
Que tengo unos espléndidos compañeros en el grupo Atlántica, Kate, Miguel, Ramón, Jorge y Yuyo, con los que he vivido experiencias geniales y con los que he tenido la suerte de recorrer gran parte de España y algunos países del extranjero. Nuestra participación en Barbados fue increíble. Pero creo que entrar en detalles y anécdotas del más del millar de actuaciones que hemos hecho habrá que dejarlo para otra ocasión porque verdaderamente saldría un libro al respecto. Sólo espero y confío en que me aguanten por muchos años.
Para finalizar quiero constatar que he tratado en este ensayo de ser los más exhaustivo posible, tratando de recordar y mencionar a la mayor parte de los protagonistas de este movimiento musical en Cantabria. No obstante pido perdón por las inevitables omisiones y olvidos, dejando claro que no son intencionados. Espero que el lector se de cuenta también de que este artículo es meramente autobiográfico, subjetivo y personal, por eso aún tratando de abarcar a dichos protagonistas hago especial hincapié en determinados pasajes de mi propia experiencia.
Aprovecho para agradecer la colaboración de Marco Antonio Robles que me facilitó un extensa lista de grupos folk de todo este periodo, la cual me ha servido para hilvanar este escrito y por supuesto a todos los incondicionales y aficionados a este género musical, Nacho Bermejo, nuestra presidenta del club de fans de Atlántica, Rosi Sañudo.
Sin olvidar el verdadero y sincero apoyo que Radio Nacional de España nos ha brindado editando y promocionando los dos últimos CD´S del grupo por radio y por Televisión. En especial a su director Juan Antonio Prieto un fomentador nato del folclore a través de sus galas en el Palacio de Festivales.
No debo olvidar que existe un nuevo espacio, al que estoy muy vinculado, como organizador de programación, llamado Antaviana club cultura. Se trata de una casa rural con carácter multiétnico, donde tienen cabida todo tipo de manifestaciones culturales y artísticas para la expansión del ser humano. Lugar situado en Vernejo (Cabezón de la Sal), en un enclave especial a orillas del río Saja, donde habitan anjanas, brujas, héroes de leyenda y princesas encantadas.
Para terminar, es importante mencionar que se abre una nueva etapa en mi carrera profesional al estar preparando mi primer disco en solitario.
Esto unido a mi pagina web personal: marcosbarcena.com, constituye un punto de partida como artista individual donde pretendo presentarme en el ciberespacio como un humilde aprendiz de hombre universal renacentista del nuevo milenio. En mi página tiene cabida todo lo referente a mi actividad como músico, conviviendo con otras facetas paralelas del mundo artístico; teatro, fotografía, dibujo, literatura y cine.
Mi último y reciente viaje a Estados Unidos, con motivo de la 77 entrega de los premios de Hollywood me ha motivado mucho a emprender un nuevo camino más ambicioso de cara al futuro, donde espero confluir con mi amigo de Cabezón de la Sal, Nacho Vigalondo, al que tuve el placer de impartir clases de guitarra hace muchos años, cuando era un adolescente. Su proyección es espectacular tras la nominación que hace justicia a su indiscutible talento y personalidad.
En mi estancia en Los Angeles obtuve más de ochocientas fotografías, algunas de las cuales están expuestas en diversas salas, con la intención de fomentar la idea de que el arte y la cultura a través de su poder puede y ha de contribuir a la mejora del mundo en que vivimos.
Grupo compuesto por cinco multi-instrumentistas, Kate Gass ,Marcos Bárcena, Míguel Cobo , Ramón Bueno y Jorge Ibáñez que se dedican a investigar, recopilar o crear canciones y melodías del origen “celta”, es decir la cornisa Cantábrica ( Cantabria, Asturias y Galicia), Irlanda, Escocia, Bretaña, Norte.America y Canada.
Con esta formación ATLÁNTICA funciona desde la primavera de 1998. Sin embargo llevaban unos cuantos años como amigos sin dar el paso a formar un grupo.
Kate y Marcos llevan trabajando juntos bajo el nombre ATLÁNTICA desde 1989 y en 1996 editan su primer CD con el titulo “ATLÁNTICA” ed. Several Records, un CD sencillo y económico producido con pocos medios. En 1998 Kate y Marcos comienzan otro CD pero al poco tiempo de empezarlo invitan a Miguel y Ramón para formar cuarteto y hacer el CD entre todos....por eso el titulo “TRANSITUS” ed.Resistencia Mayo 1999...un tránsito, un cambio en la carrera de todos los componentes. Atlántica se profesionaliza y desde entonces el trabajo es incesable.
El CD y el grupo obtienen un notable éxito, sobre todo en su propia tierra, CANTABRIA aunque gracias a este CD se empieza a conocer algo a nivel nacional el nombre de ATLÁNTICA, y comienzan a actuar regularmente en festivales y programaciones de toda la península e incluso en el extranjero (festival celta de Bolonia, Italia)
El siguiente disco de titula “LA LUZ DEL IVIERNU” ed. El tripulante.com diciembre 2000 y se trata de un trabajo con carácter monográfico dedicado a canciones de navidad y de invierno del cancionero cántabro con el que consiguen establecer un calendario de actuaciones en las fechas navideñas que han repetido en años sucesivos.
La siguiente entrega discográfica no se hace esperar saliendo a la luz su CD “LUGAS” ed El tripulante.com 2001 donde se refleja claramente una evolución en cuanto a experiencia en el estudio. Además este disco aporta más composiciones propias que conviven en armonía con la música tradicional de Cantabria y de las tierras antes mencionadas.
Sin pasar el periodo de un año desde la edición de Lugas, Atlántica es invitada a formar parte de los actos conmemorativos del 30 aniversario de Radio Nacional de España en Cantabria. Para lo cual se organizan dos conciertos en febrero de 2002 que son grabados por el equipo técnico de la emisora. En abril tan solo seis semanas después sale al mercado “EN DIRECTO” RTVE MUSICA abril 2002.
Este álbum recopilatorio consolida a Atlántica y le sitúa como referente de la música celta del país.
Su última creación discográfica es “desde esta orilla” RTVE MUSICA 2004, disco grabado en el Palacio de Festivales de Cantabria con la incorporación de un nuevo miembro, Jorge Ibáñez, y que cuenta con la colaboración especial de la orquesta Julio Jaurena ACIC, dirigida por Miriam Jaurena.
Al margen de su producción discográfica, Atlántica combina su labor con una serie de actividades paralelas relacionadas con la música en el aspecto didáctico gozando de gran aceptación y experiencia con el público infantil.
Estas actividades son:
- animación de bailes populares europeos
- educación medioambiental a través de la música para niños de infantil y primaria
- colaboraciones en obras de teatro con la compañía Ábrego
charlas sobre música popular
Mas Curriculum 2001/2/3
Festival Celta de Santo Adriano, Asturias 2000
Festival Intercéltico de Tapia de Casariego, Asturias.1999
Festival Celta de Narahio, Galicia
Festival Celta, Aviles, Asturias 2001
Festival Celta, Moreda de Aller, Asturias, 2001
Festival Celta, Bolonia, Italia,2001
Noche Celta , Os Pontes, Galicia.2001
Festival Folk de Palencia, 2000
Festival Folk de Valladolid 2000
Festival Folk de Madrid, 2000
Festival Folk de Cuenca, 2000
Festival Folk de Denia,2000
Festival Folk de Segovia, 2000
Festival Folk de Braganza , Portugal 2000
Festival Folk, Fuente Dueña de Tajo, (Madrid) 2001
Festivales Folk de PRAU, Cantabria, Colindres, Castañeda, Cabezón,
Helguerra de Molledo (Varios Años)
Festivales Folk Cantabria, Borleña, Isla, ( Varios Años).
Festival Folk, Santo Esteban del Puerto, Jaen Junio 2002
Festival Folk, Mendebala Sopuerta, Vizcaya .Julio 2002
Festival Folk, Parapando, Illora, Granada ,Julio 2002.
Festival Folk, Ciudad de Burgos, Julio 2002-09-18
Festival de Danzas sin Fronteras,Buitrago, Madrid, Agosto 2002
Festival Celta, Barbados, Caribe, Mayo 2003
Festival Laguna de Duero , Valladolid, Junio 2003-05-04
Festival Celta Ortigueira , Galicia Julio 2003
Fiestas del Vino, Valdepeñas 2001
2† Semana de la Música, Val de Peñas 2001
Mercado Medieval, Santander Ciudad.2001
Fiestas de San Antonio Florido, Moncloa, Madrid, Junio2002
Festa das Letras, O Couto , Galicia, Mayo 2002
Fiestas de Bejar, Salamanca, Setiembre 2002
Sala Suristán , Madrid, 2002
Fiestas de San Pedro, Zamora Junio 2003
Mas Curriculum 2001/2/3
2x Los Conciertos de Radio 3, TV2 One of televisions most prestigious national music programmes, presenting our CD Transitus and EN DIRECTO. 2000/2002
Conciertos de Presentación del CD en Directo Casa de Cantabria en Madrid / Rueda de Prensa
Presentación del CD en Directo FNAC Madrid 2002
Presentación del CD en Directo, Corte Ingles, Santander 2002
Presentación, centro Cultural, Moncloa, Madrid
Presentación del CD Casa de Cantabria , Lerida
Actuaciones benéficas, INTERMON 2001/2002/2003
PREMIO, Artistas en Ruta, 4† trimestre 2001 con edición de CD promocional
Artistas invitados, 1† Jornadas Nacional de Medio Ambiente Infantiles 2001
Dia de Medio- Ambiente infantil 5 Junio 2002
Artistas Invitados, En la Noche, Tele Cabarga
2† Semana de la Música, Val de Peñas
Gira de Verano en Cantabria , todos los años
Gira de Navidad 2000/ 2001/2002, 40 actuaciones, Cantabria.
Bodas Tradicionales
RNE 3 , Iñaki Peña, presentación del CD Lugas, presentación del CD La Luz del Iviernu, Presentación de la obra “Mujeres Fraguando Sueños” y CD Caballitos del Diablo.
Entrevistas; COPE Madrid, Radio Bellas Artes Madrid, Verde folk, radio Vallekas, la mayoría de radios locales.
Casa de Cantabria, Barcelona
CD En Directo “ATLÁNTICA”, grabado los días 25 y 26 de Febrero 2002 con Radio Nacional España en Cantabria un concierto en directo en el Teatro de La Caja Cantabria, Clle. Tantin, Santander. Seis semanas después el CD ATLÁNTICA en Directo estaba a la venta editado por el sello RTVE Musica. Se presento en la 2 de Folklore de Cantabria en el Palacio de Festivales, Santander en Abril 2002.
1998/99/2000/01/02/03 Jornadas de Medio Ambiente. Una programación de enseñanza medio-ambiental dirigido a niños de 3 –7 años.
Actuaciones anuales en todos los colegios de Torrelavega (21). Ayuntamiento de Torrelavega.
Festival intercéltico de Oporto 2003
Participación en la gala homenaje a Julián Revuelta (el malvís) en la sala Argenta del Palacio del Palacio de Festivales, que fue grabada en un CD.
Participación en el primer encuentro dedicado a la mujer rural de Cantabria en el Palacio de Festivales, interpretando los temas con a la orquesta ACIC.(octubre 2004)
El siguiente artículo es un repaso a través de la actividad en el campo de la música folk en Cantabria durante los últimos quince años a través de mi propia vivencia.
Marcos Israel Bárcena Borrajo.
12 Abril 2005
Poco podía imaginar en aquel verano de 1985 sentado en la campa donde se celebraba por vez primera el primer festival de música folk y tradicional de Cóbreces que con el paso del tiempo este género musical se iba a convertir para mí en una forma de vida.
En efecto, tenía yo quince años cuando un grupo de jóvenes y no tan jovénes aficionados de la zona se embarcaron en la organización de este evento pionero que sentaría las bases y abriría un camino en Cantabria de propuestas alternativas para las noches de verano.
De cualquier modo, para un joven adolescente amante de la naturaleza y de la música, asistir a este primer festival supuso todo un acontecimiento y me permitió entrar en contacto por primera vez con un campo musical nuevo y diferente del que hasta el momento estaba acostumbrado. Hasta ese momento lo más cercano al folk que yo había visto en directo, era a dos dúos de Torrelavega, Fito y Ramón y a los Blue Jeans a los cuales solía ir a ver allá donde actuaran en el primer lustro de los años 80. Los primeros aunque más relacionados con la canción de autor tenían el folk en sus orígenes (grupo Nuevas Raíces) y los segundos eran puro country, al fin y al cabo folk americano.
Sin embargo, el descubrimiento de un música relacionada con el entorno rural como es la tradicional tenía un encanto especial para alguien que se ha criado en la caótica , industrial y olorosa Torrelavega de los años setenta y primeros ochenta. Además ese año actuaba en la campa de Cóbreces, uno de los grupos más cercano ya al movimiento que hoy se conoce como folk cántabro propiamente dicho, Cambrizal. Lo pasé muy bien en ese concierto.
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MARLANGO |
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Este es mi homenaje personal a un pibe con el cual supimos tener una banda llamada BOULEVARD BABILONIA, Alejandro Pelayo, un soñador que creó su burbuja en esta selva. Un tío de puta madre...
"I used to know this girl named Suzie Marlango. And her
brother's band name was Joe Marlango. Joe always
wanted to kill me. He sang in a bandcalled the Rodbenders.
Suzie Marlango used to wear these angora sweaters.
I'm crazy about angora sweaters... I guess It's kind of
a hang-up of mine. She had angora socks, and angora shoes.
I believe she was originally from Angora. I don't know where
she is anymore, but every time I see an angora
sweater, I think maybe inside will be Susie Marlango.
He-he-he... Maybe she's in New Orleans.
Well, I'll be there..."
TOM WAITS ('Cold Beer On A Hot Night / Romeo is Bleeding', Syney 1979)
Intro for 'I Wish I Was In New Orleans'
Leonor Watling no acostumbra a vestir aquellos jerseys de angora que lucía Suzie Marlango y que tanto gustaban a Tom Waits; más bien comparte con éste la pasión por la noche, el humo y los sonidos oscuros. De esta afinidad, y del encuentro con el pianista Alejandro Pelayo y el trompetista Oscar Ybarra, nació Marlango, un proyecto que da salida a las inquietudes musicales del trío al tiempo que homenajea al poeta de Pomona.
En 1998, Leonor y Alejandro grabaron una maqueta con catorce temas para piano y voz donde ya se encontraba el núcleo de lo que sería su primer álbum. En el invierno de 2002, el neoyorquino Oscar Ybarra, recién instalado en Madrid, escucha el material y decide incorporarse al proyecto. Entre los tres dan forma a un trabajo que ve la luz en febrero de 2004. El resultado rebosa honestidad e influencias que van del rock al jazz, de la música de algún cabaret de entreguerras a la banda sonora de una película de David Lynch o Hal Hartley...
Tanto Leonor como Alejandro y Oscar inician con Marlango un camino que continúa las trayectorias individuales de cada uno de ellos. Leonor, amén de actriz, es una excelente letrista y cantante que dio sus primeros pasos artísticos en varios grupos de jazz y soul madrileños, pero también ha formado parte como soprano de las corales de Federico Chueca y de San Jorge y ha cantado en el coro gospel de la Iglesia Anglicana de Madrid. Para Alejandro Pelayo, un cántabro de formación clásica (pianista, compositor y director de orquesta), ésta es su primera incursión en el mundo "pop", no así para Oscar, que toca la trompeta desde los seis años y que ya llegó a España curtido en los circuitos del funk, el blues y el latin jazz de Chicago, Miami o Nueva York. Los tres encontraron en Madrid el caldo de cultivo perfecto para el sonido que querían crear y a los compañeros de viaje que participaron en la grabación del disco: el guitarrista David Gwynn, el bajista Mac Hernández y Ricardo Moreno, a la batería. Como invitados de lujo, Nacho Mastretta, Suso Saíz, Pablo Novoa o Miguel Malla. La producción corrió a cargo de la propia banda y el inestimable José Mª Rosillo.
Marlango nos propone con su primer trabajo un viaje por las tierras de la alegría y la tristeza, por la desolación y la esperanza, y nos invita a jugar con cada uno de sus temas, a escucharlos, a tocarlos y a utilizarlos como si de juguetes en manos de un niño se trataran...
Let's enjoy the ride!
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marwan |
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Marwan es un cantautor de 26 años del barrio madrileño de Aluche que hace 6 años comenzó a componer sus canciones como fruto de la escucha de ciertos cantautores de toda la vida y algunos de la nueva hornada de cantautores españoles que conoció en la sala la Redacción de Madrid. Desde que era pequeño en su casa habían sonado los grandes de la música de autor pero era un estilo que a el no le empezó a entusiasmar hasta que llegaron sus últimos años de instituto. Primero fue el cantautor por antonomasia, Silvio Rodríguez, y después Serrat los que engancharon a este tipo de música a este joven madrileño. Poco a poco conoció a otros músicos de la nueva generación como Ismael Serrano, Pedro Guerra, Tontxu y otros menos conocidos pero no menos buenos como César Rodríguez, Carlos Chaouen, Israel Jiménez, Antonio de Pinto, Paco Bello,... que le hicieron ver que este tipo de música no estaba sólo reservada para los clásicos sino que también había jóvenes que se expresaban mediante la música y la poesía y que tenían las mismas inquietudes que el. Marwan pensó desde ese momento que esa era la forma más bella de contar las cosas y así lleva casi 6 años. Lo que el no sabía era que esta forma de expresarse sería poco tiempo después una necesidad, porque como él dice 'es la mejor manera de sacar los sentimientos buenos y malos y hacer con ellos algo hermoso como música y poesía'En Marzo de 2004 Marwan ha presentado su segundo disco LOS HIJOS DE LAS PIEDRAS en la SALA GALILEO GALILEI de Madrid ante 400 personas en el concierto más multitudinario de su trayectoria. Era la primera vez que actuaba con banda y el éxito fue rotundo. Allí fue desgranando cada una de las canciones de su disco, incluyendo una canción dedicada a su padre que no aparece en el mismo, acompañado por dos pianos (Alejandro Martínez y Eduardo Rodríguez), un percusionista (Javi Ruibal), un bajista (Albert Anguela), una trompeta (Elena Torre) y varias colaboraciones a las voces (Luis Ramiro, María Valverde, Fran Fernández, Rash y Alejandro Martínez), pero sin olvidarse de hacer varias canciones sólo con su guitarra como siempre ha hecho. La acogida del público a las canciones arregladas con varios instrumentos fue muy buena y las críticas recibidas al final del concierto también. En el disco aparecen la mitad de los temas arreglados y la mitad con guitarra y voz tal cual los presentó en público en la SALA GALILEO GALILEI y aparecen sonidos que van desde la bossa, al bolero, al reggae, la rumba, el funky, sin olvidar las baladas con un marcado carácter de cantautor más tradicional. La temática que aborda el disco pasa por los problemas de convivencia, temas sociales como el paro, el conflicto palestino-israelí, los niños de la calle de Brasil, temas de humor y por supuesto amor y homenajes a los suyos sin olvidarse de el autorretrato.
En 2005 aportauna canción para el disco NO OS OLVIDAMOS disco homenaje a las víctimas del 11-M donde Marwan en el que los beneficios ván destinados a la Asociación de Víctimas del Terrorismo. En el comparte disco con gente como Ismael Serrano, Ana Belén, Victor Manuel, Fito Paez, Antonio Orozco, David Broza, La Oreja de Van Gogh, Andy y Lucas, Maria Dolores Pradera, Ana Torroja, etc.
Antes de este disco Marwan grabó en 2001 PRINCIPIO Y FIN, una maqueta de guitarra y voz con 11 canciones que estuvo moviendo por los lugares por donde tocaba durante un tiempo pero dejó de hacerlo el día en que se quedó obsoleta y dejó de ser representativa de sus composiciones más actuales.p>
Actualmente Marwan es una de las figuras más presentes en el circuito madrileño de cantautores tocando todos los meses en locales como la Sala Galileo Galilei, Libertad 8, Búho Real, Sala Clamores, Anubis, Café Colonial, Zanzíbar, etc. Ha pasado ya mucho tiempo desde su primera actuación en directo en marzo de 1998 en un festival benéfico en colaboración con Nicaragua en el que participó junto a Carlos Chaouen, Cesar Rodríguez, Israel Jiménez y Félix Fernández. Este es uno de los momentos de su andadura musical que Marwan recuerda con más cariño junto con el día en que acudió al programa La Gramola de M-80 radio donde Joaquín Guzmán le entrevistó. A partir de esa primera actuación ha participado en numerosas ocasiones en festivales benéficos, en conciertos en colegios mayores y en facultades, etc.
Marwan ha compartido escenario con cantautores comoTontxu, Cristina del Valle, Alberto Pérez (La Mandrágora), Carlos Chaouen, Rafael Amor, Mercedes Ferrer, Inma Serrano, Ángel Petisme, Hilario Camacho, Antonio de Pinto, Joao Afonso, César Rodríguez, Luis Ramiro, Salvador Amor, Andrés Lewin,... y ha sido entrevistado en algunos medios de comunicación (RNE, M-80 Radio, Cadena 100, Radio Vallecas, Radio Resistencia,...). También ha tenido bastantes experiencia fuera de Madrid, habiendo actuado en Barcelona (FORUM de las Culturas), Pamplona, Irún, San Sebastián, Pontevedra, Sevilla, Arévalo, Elche, Torre del Mar, Granada, Valencia, Murcia, Benicarló, La Isla de San Fernando, etc.
Ha participado en varios Certámenes de cantautores consiguiendo el 2º premio en el Certamen de Jovenes creadores de la Comunidad de Madrid 2005, 2º premio en el Concurso de Cantautores de Brunete 2004, 2º premio en el Certamen de cantautores de Universidad Complutense de Madrid, 2º puesto en el Concurso de Cantautores del Periódico Menos 25, semifinalista en los concursos de Cantigas de Mayo 2004 en Ceutí (Murcia) y en el Certamen Un Pueblo de Música 2004 de Villanueva del Trabuco (Málaga).Haber nacido en una familia progresista y ser hijo de un refugiado palestino sin duda ha influido en los temas de sus canciones, que van de la canción de amor más tradicional a la canción de desamor más desgarrada, de una mirada interna autobiográfica a una mirada externa hacia la ausencia de derechos humanos en la sociedad. También ha compuesto alguna canción de humor aunque reconoce que es una de sus asignaturas pendientes. Ensalzador de valores como la amistad y la familia, en sus canciones también asoman versos dedicados a sus seres más allegados, sin duda por el apoyo recibido durante tanto tiempo. En definitiva, habla de lo que le emociona ya sea una historia de desamor, un niño que lanza piedras en Palestina o algún ser querido.
Sus mayores influencias son algunos cantautores diferentes hornadas y épocas como Silvio Rodríguez, Serrat, Ismael Serrano, Carlos Chaouen, Antonio de Pinto, César Rodríguez, Tontxu, Luis Ramiro, Israel Jiménez, Paco Bello, Andrés Calamaro y Joaquín Sabina, etc. Actualmente busca nuevos sonidos en su música, desmarcándose de sus inicios de cantautor más clásico para profanar estilos como el bolero, reggae, funky, ranchera, etc. En cuanto a la poesía que Marwan muestra en sus canciones hay una serie de grandes que han marcado su manera de escribir como son Mario Benedetti, Gloria Fuertes, Félix Grande, Gioconda Belli, José Hierro y algunos cantautores de la actualidad con cuyas letras se emociona cada día, como Luis Ramiro, Sabina, Carlos Chaouen, etc. No obstante, como todo artista su mayor influencia ha sido su propia vida.
Marwan se declara un enamorado de pequeñas cosas como ver el fútbol con su padre y su hermano, garabatear versos en cualquier papel, desgastar su voz en los mismos oídos, hacer y deshacer las maletas, rumiar el contenido de una canción, de la columna de Millas de EL PAIS y de las entrevistas o charlas de otros porque “siempre te revelan cosas que ni habías pensado”, apasionarse con la cabeza y el corazón de Julio Médem y Woody Allen, las tardes de domingo, faltar a clase para ir con su gente a la “cafeta” de la facultad, perderse solo o acompañado por Madrid, decir alguna barbaridad de vez en cuando, conocer lugares y gente, comer mucho, reandar anécdotas del pasado,...Mientras tanto lo único que espera este joven Licenciado en Educación Física es seguir pasándoselo bien en los escenarios y disfrutar sabiendo que la gente se emociona del mismo modo que el lo hace cuando escucha a sus referentes y sabiendo que comparte con los que le escuchan las mismas inquietudes
Algún día de 2004
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MIGUEL ABUELO |
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Miguel "Abuelo" Peralta (21/03/1946) formó parte de los pioneros del rock nacional que se reunían en La Cueva, como Litto Nebbia, Tanguito, Moris y Javier Martínez. En 1967 formó "Los Abuelos de la Nada".
En 1971 se radicó en Francia. Allí editó varios discos, entre los cuales se destaca "Miguel Abuelo et Nada". Vivió en Europa hasta 1981, cuando de vuelta en Argentina resucitó a "Los Abuelos...", aunque con otra formación: Cachorro López, Gustavo Bazterrica, Daniel Melingo, Polo Corbella y Andrés Calamaro. Con esta banda grabó cinco discos, entre 1982 y 1986. Paralelamente, grabó "Buen día, día" (1984), una recopilación de sus últimos trabajos solista.
Una vez disueltos "Los Abuelos..." denominó a su nuevo grupo "Miguel Abuelo en Banda". Murió de sida el 26 de marzo de 1988. |
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MULAM |
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Los comienzos de Mulam se remontan al año 1999, cuando se conocieron Juan de Benedictis y Mariano Domínguez, y coincidieron en la idea de empezar un proyecto musical conjunto. Tardarían dos años en llegar a una formación estable. En aquel entonces se juntaban a componer y grabar canciones propias con vistas a editar un primer disco. Así registraron un demo con seis temas que quedó en el olvido. Al poco tiempo consiguieron una grabadora de cinta abierta, micrófonos y todo lo necesario para hacer una grabación de mejor calidad. Para eso invitaron a músicos como Martín Ibarburu, Javier Casalla, Rodrigo Domínguez, Federico Crusvar, Javier Mattanó (que actualmente integra el grupo), Luciana Palacios y Mariano Mazzolo. El resultado fue una colección de más de veinte temas que nunca llegaron a editarse, debido a que, sobre el final de la grabación, Juan y Mariano comenzaron a sentir el deseo de formar un grupo estable y salir a tocar en vivo.
La primera idea fue la de presentar los temas en forma acústica con Juan y Mariano en guitarras y voces. Ensayaron y consiguieron una fecha para presentarse en vivo en “El Nacional”, a principios de diciembre del 2001. Diez días antes del concierto, llamaron a Diego López de Arcaute para que toque la percusión y Lucas Pagano para que se encargue del bajo, de la guitarra, del cavaquinho y de los coros.
Luego de la presentación comenzaron a ensayar arduamente, y volvieron a tocar a los quince días, con esa misma formación. Fue entonces cuando se decidieron por el formato eléctrico. Mariano pasó a tocar el bajo, Juan y Lucas las guitarras eléctricas y Diego cambió su set de percusión por una batería. A los pocos ensayos empezaron a barajar la idea de incluir un tecladista a la banda. De entre los candidatos, surgió Javier Mattanó (Chesi), que se integró rápidamente, tocando Rodhes y teclados y luego, cantando.
Ya establecido el grupo como quinteto eléctrico, volvió a presentarse en “El Nacional” y, al poco tiempo, casi todos sus integrantes comenzaron a aportar composiciones a la banda.
Durante la primera parte del 2002 se presentaron en distintos pubs y boliches de la Capital Federal. Promediando junio, el percusionista Santiago “el ángel” Vázquez, les prestó dos adats para grabar un demo que serviría para conseguir presentaciones más fácilmente.
Durante la primera parte del 2002 se presentaron en distintos pubs y boliches de la Capital Federal. Promediando junio, el percusionista Santiago “el ángel” Vázquez, les prestó dos adats para grabar un demo que serviría para conseguir presentaciones más fácilmente.
Hacia fines de año se empezó a hacer palpable la idea de grabar, durante el verano, un primer trabajo discográfico. En enero del 2003, el grupo se reclutó en una quinta del Gran Buenos Aires para desarrollar la preproducción del disco. Gracias a la invalorable ayuda de amigos como Martín Mistorni y Emanuelle Horvilleur, Mulam comenzó, en febrero, la grabación de su debut discográfico. El primer tramo se llevó a cabo en el estudio Ave Sexua, y luego continuó en la casa de Juan. En abril concluyó la grabación y comenzó la ardua búsqueda de un sello editor. Al mismo tiempo el grupo seguía con las presentaciones en vivo y los ensayos. Durante el invierno se iniciaron las conversaciones con el sello “Los Años Luz” y, cuando todo iba concretándose, Lucas abandonó la banda. Mulam tomó la decisión de no buscar un reemplazante para Lucas, y comenzó a reversionar las canciones. Durante un tiempo el cuarteto ensayó en forma exhaustiva y organizó esporádicos shows en vivo. En septiembre, una vez firmado el contrato con “Los años luz”, se inició la mezcla del disco en el estudio de Martín Carrizo, con la idea de editarlo antes de fin de año, con el nombre “Como los niños viven”. Mulam en sánscrito, LA RAIZ, LA ESCENCIA.
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MÚSICA VASCA: Dossier de Bandas. |
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21 Japonesas,23 Ojos De Pez ,Ama Say ,Ancha Es Castilla ,Anestesia ,Anje Duhalde ,Aventuras De Kirlian ,Baldin,Bada ,Balerdi Balerdi ,Bap!! ,Barricada ,Beer Mosh ,Beti Mugan ,Big Cruch ,Bizkar Hezurra ,Cancer Moon Carlos Creator ,Cicatriz ,Como Huele ,Cujo ,Daily Planet ,Danba ,Deabruak Teilatetuan ,Delirium Tremens ,Delito Doctor Deseo ,Duncan Dhu ,Dut ,E.H. Sukarra ,El Inquilino Comunista ,El Joven Bryan Superstar ,Eskorbuto ,Etsaiak ,Exkixu ,Exratoppings ,Ezin Izan ,Family ,Flitter ,Goo ,Grotescos Personajes ,H2so4 ,Hertzainak ,Hor Konpon ,Instrümental ,Irrintza ,Itoiz ,Jabier Muguruza ,Josetxo Ezponda ,Jotakie ,Juan Carlos Perez ,Quite Fantastic ,Kakaxa ,Kalean ,Ke No Falte ,Ke Rule ,Kojon Prieto y Los Huajalotes ,Kortatu ,La Buena Vida ,La Dama Se Esconde ,La Insidia ,La Piel ,La Polla Records ,Lauburu ,Le Mans ,Leize ,Les Mecaniciens ,Lin Ton Taun ,Lord Sickness ,Los Angeles Del Infierno ,Los Bichos ,Los Clavos ,Los Cronicos ,Los Jefes ,Los Nadie ,Los Perdidos ,M.C.D. (Me Cago En Dios) ,Madelman M-Ak Martxoak 31 Mikel Errazkin Mister Saguak Negu Gorriak Niko Etxart Nuevo Catecismo Catolico Papadaki Parabellum Parafunk Platero Y Tú Poch Potato Pottoka Psicosis Puskarra Rabia Radikal H.C. Rip Rock D.A.M. Ruper Ordorika Sanchís Y Jocano Señor No Skunk Sorotan Bele Sonai Ilunak Soziedad Alcoholika Su Ta Gar Tahures Zurdos Txakun The Allnighters Tijuana In Blue Trauma Urtz Vitaminas Why Not? Xabier Montoia Zarama Zazpi Eskale |
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MUSIKENE |
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Director Artístico:
D. Alejandro Zabala Landa
Director Gerente:
D. Fernando Vázquez Otxotorena
Jefe de Estudios/Secretario Académico:
Dr. José Bretos Linaza
Responsable de Comunicación:
Dª Dorleta Lasagabaster Altuna
DIRECTORES/AS DE DEPARTAMENTOS DOCENTES
Composición:
D. Joseba Torre Alonso
Pedagogía e Historia de la Música:
Dª Elixabete Etxebeste Espina
Canto, Coro y Dirección Coral:
D. Sergio Barcellona Brendolan
Orquesta y Música de Cámara (en funciones):
D. Julio Blasco García
Instrumentos Polifónicos (en funciones):
D. Javier González Sarmiento
Jazz (en funciones):
D. Iñaki Salvador Gil
RESPONSABLE DE FORMACION ORQUESTAL
D. José Luis Estellés
COORDINADORA DE PROGRAMA INTERNACIONALES
Dña. Milena Perisic
REPRESENTANTES DEL PROFESORADO:
• Dª Isabel Díaz Morlan, profesora de Historia de la Música
• D. Ramón Lazkano Ortega, profesor de Instrumentación y Orquestación
REPRESENTANTES DEL ALUMNADO:
• D. Iñigo Coto Revuelta, alumno de 3º de Violín
• Dª Sara Varas López, alumna de 3º de Composición
PERSONAL DE ADMINISTRACIÓN Y SERVICIOS:
Biblioteca:
• D. Koldo Bravo Goñi, Director de Biblioteca
• Dª Victoria Vázquez Balenciaga, Técnica
• Dª Ainhoa Casado Iturria, Auxiliar de Sala
Administración General:
• Dª Elixabete Alberdi Arrizabalaga, Administrativo
• Dª Amaia Mungia Oion, Auxiliar Administrativo
• Dª. Beatriz Romero Mugica, Administrativo
Administración Académica:
• D. Enrique Ganboa Ruiz, Administrativo
• Dª María Genua Marquet, Auxiliar Administrativo
• Dª Blanca Etxeberria Martínez, Auxiliar Administrativo
• Dª Begoña Alonso, Programas Erasmus
• Dª Irene Etxeberria Martínez, Auxiliar Administrativo
• Dª Elixabete Colmenero, Auxiliar Administrativo
Conserjería:
• D. Javier Cousillas Peña
• D. Gaizka Gajate Sala
• D. Xabier Garmendia Olano
Informática:
• D. Didier Anidos Mateo, Responsable de Informática
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ORQUESTRES |
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Animació
Animació Infantil, Narradors, Animació Adults. Ball
Orquestres, Conjunts, Duets, Disco Mòbil.
Clàsica
Cant Líric, Cors-Corals. Espectacles
Pallassos i Titelles, Espectàcles Musicals, Pallassos, Teatre, Performer.
Sardanes
Cobles, Esbarts, Colles Sardanistes, Dances Populars. Moderna
Rock Blues, Country, Jazz Blues, Pop-Rock, Surf, Reggae, Ska, New Age, Musica Experimental, Fusion, Heavy.
Músics
Teclistes, Acordionistes, Cantants, Músics, Compositors-Directors, Saxofonistes, Pianistes, Trompetistes, Guitarristes, Violinistes, Percusionistes, Bateries. Regionals
Jotas, Rumbas.
Folk
Cercaviles, Folk, Grallers, Garroters Bastoners, Gaiters, Castellers, Diables, Banda, Ball Tradicional. Varis
Havaneres, Tradicional, Etnica , Cappella, Música celta, Música Llatina, Boleros, Gospel, Música tradicional, Funk, Poemes - Música.
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PROPAGANDA |
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PROPAGANDA nació como grupo influenciado por bandas tales como Machine Head, Fear Factory, Pantera o Sociedad Alcohólica etc. siempre en busca de un sonido contundente e incorporando mas adelante nuevas referencias como Chimaira o Killswitch Engage. La banda nació en 2001 fruto de la unión de antiguos componentes de Undernoise quedando la primera formación compuesta por Toño (bajo), Txaski (bateria), Ernesto (“Tin”-guitarra), y Bertin (guitarra), que con Conde (antiguo compañero de Toño en Haven) como vocalista comenzaron con las primeras composiciones de la banda con una clara intención de comenzar a dar conciertos por toda la región. Tras la marcha de Ernesto a mediados de 2002 se introdujo a David Lozano como guitarrista.
Tras unos meses componiendo se decidió que había llegado la hora de comenzar a dar conciertos y se produjo un cambio a la batería debido a motivos personales. En aquel momento se decidió la incorporación de Victor, ya conocido en la región por haber tocado en otras bandas y haber desarrollado una gran técnica con el “doble bombo”. Sin duda desde ese momento los temas comenzaron a adquirir mayor velocidad y contundencia y se opto por prescindir de Bertín a las guitarras por incompatibilidades en cuanto al gusto musical. Propaganda entonces comenzó a asentarse como banda y nació el primer proyecto de grabar unos temas en los estudios 600 de Iván Castañeda, en donde se grabaron siete temas en Octubre de 2003.
Tras unos meses la grabación fue masterizada por Oscar Lozano (Karabu Sonorización), y se decidió que fuera editada por FAK Records. Tras salir como disco de la semana en varias radios de ámbito regional se llevo a cabo su presentación formal el 13 de febrero de 2004 en la sala ” La Petaca ” de Torrelavega la cual lleno su aforo y entre cuyo publico estaba el que seria quinto miembro de la banda unos meses después y al que la banda desconocía. Ese mismo día y a la misma hora Propaganda gano el premio al Grupo Revelación 2004 en Cantabria concedido por la asociación EstelaRock.
Al cabo de unas semanas Propaganda comienza una minigira de mano del grupo “The Birras” visitando ciudades como Oviedo, Valladolid, La Rioja , Burgos etc. Visto que a nivel regional el grupo comenzaba a alcanzar resultados tanto a nivel de venta del CD, y de público en los conciertos se intenta dar un paso mas y tras probar varios guitarras y el intento por acoplar nuevos elementos como teclados y samplers, se decide de forma totalmente inesperada que Zalez entre como guitarrista, y desde ese momento (3 de abril de 2004) la formación queda fija.
Este momento de incorporación de un quinto miembro coincide con la llegada de varios conciertos de forma inminente por lo que el acoplamiento fue rápido. Tras la puesta en marcha del quinteto comienza un nuevo periodo de conciertos por toda la región coincidiendo con la llegada del verano. En esta comienza a conseguirse un cierto reconocimiento a la hora de tocar en directo. Esta es sin duda la apuesta mas fuerte del grupo, un directo capaz de mover a la gente con un sonido contundente y una puesta en escena perfectamente estudiada, antes que centrarse en composiciones imposibles y en busca del reconocimiento individual de sus componentes.
Este reconocimiento se ha plasmado sin ninguna objeción a finales de 2004 ganando el Certamen de Música Cantabro “JUVECANT 2004” . Recientemente se han conseguido otros dos premios. Esta vez han sido el de mejor directo, y mejor grupo del año 2004 en Cantabria concedidos por la asociación “EstelaRock” mediante una votación popular en internet. Propaganda actualmente está preparando el material que llevarán a los estudios “ La Miña ”, bajo la producción de Natxo Liberty, para lo que será su primer Cd.
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REAL FESTIVAL |
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Con el fin de realizar un encuentro de jóvenes con carácter cultural, se ha diseñado un proyecto innovador con el objetivo de aglutinar todas las tendencias culturales, sociales y sindicales dentro de un ambiente juvenil, participativo y abierto. Un solo fin nos mueve: agrupar y trabajar conjuntamente en un solo proyecto el fomento cultural y el asociacionismo juvenil en nuestra región.
El proyecto ha venido a denominarse REALFESTIVAL.ORG y se basa en el desarrollo de un evento cultural dentro de un marco apropiado, como es el ferial de Torrelavega, denominado popularmente "La Lechera". En dicho recinto se desarrollarán actividades diversas con grupos y tendencias diferentes.
Entre las actividades mencionadas se reflejará la cultura musical, teatro, cine, fotografía, pintura, además de iniciativas relacionadas con el mundo del hip hop en España. Esta última será la temática que este año hemos elegido debido al gran movimiento juvenil que tiene detrás (grupos de música, skate, distribuidoras, comercios, etc...).
Dentro de este proyecto juvenil, de carácter cultural y social, tendrá una incidencia especial el enlace con el mundo del trabajo. Actividades sindicales, sobre todo informativas (mesa de información laboral, proyecciones, resportajes, mesas redondas, talleres, etc...) en el que se difunda la situación laboral (fundamentalmente en el ámbito juvenil) y las posibles soluciones a las diversas realidades que vive la juventud en este terreno.
Una de las ideas principales de este proyecto es intentar trabajar y organizar conjuntamente con personas, grupos, asociaciones, empresas, artistas, etc... su desarrollo e implantación como evento cultural. Y sobre todo contar con estas personas y entidades de nuestra región que trabajan, en muchas ocasiones para actividades en otras regiones y, sin embargo su profesionalidad no siempre está valorada en nuestra tierra.
El lugar seleccionado es el recinto ferial de Torrelavega. Consideramos que cumple con los requisitos necesarios en cuanto a salas y espacios interiores y exteriores. Al mismo tiempo dispone de la tecnología necesaria. Para posibles ediciones posteriores estamos abiertos a estudiar y analizar otras ubicaciones, pudiendo habilitar un sistema itinerante en función de que las infraestructuras necesarias respondan a las demandas del festival.
Esperamos que esta iniciativa sirva para ayudar al encuentro cultural de la juventud de Cantabria. Que responda a sus intereses y preocupaciones. Y, sobre todo, esperamos que TODOS y TODAS, además de compartir cultura y conocimientos, podamos avanzar y ganar nuestro futuro.
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REBELDE |
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Sui Generis Un dúo que hacía buenas canciones. Dos chicos de aspecto débil y romántico. Fueron los sobrevivientes de la fusión de dos grupos escolares ya que el resto de los músicos al no bancarse la vida incierta del rock, fueron abandonando en el camino. "ibamos a tocar y nos abandonaron los músicos, pensamos que era el final de un sueño. pero estábamos obligados a subir al escenario. Ya nos habíamos gastado la plata del cachet en cerveza. Entonces juntamos coraje y Charly subió con la guitarra criolla y yo con mi flautita. Yo estab muerto de miedo pero Charly me daba ánimo. No sé como pasó pero a la gente el encantó. Al entrar al estudio para grabar su primer disco recibieron las mas duras burlas de los que iban a ser encargados de ejecutar el resto de los instrumentos: La Pesada del Rock.
Vida (1972) , las primeras canciones. Cuando lo escuche me pareció un disco muy raro. Trece años, venía escuchando las boludeces que pasaban por la radio, identicas boludeces. Y de repente para mi cumpleaños me regalan este disco que yo desconocía, quedándome re-pegado a esas melodías y a esa forma de hablar. Amigo mío vuelve a casa Pronto, "necesito hoy, tu resurrección, tu revolución..." rebeldía osada. Canción para mi muerte, Dime quien me lo robó, casi una autobiografía.
2.Confesiones de Invierno En el segundo disco, Confesiones de invierno (1973) el sonido mejora, ya contaban con un arreglador Gustavo Beytelman. La compañia decidió invertir unos pesos mas, ya que ellos lo valían.
Para la tapa se recurrió a Juan O. Gatti, el diseñador de moda por aquel entonces. Diseñó practicamnte toda la grafica de rock (Sui Generis II, III y sus afiches, Crucis I y II, Lo mejor de Pescado, Humanos de Pastoral, Cristálida de Espíritu,)
"Ya habíamos grabado "Aprendizaje" y "Bienvenidos al tren" en cuatro canales en Phonalex como avance pero como el primero se vendió bien, apareció la posibilidad de seguir grabando el segundo disco en ocho canales en los estudios de la RCA y agregarle una orquesta en tres temas, orquesta que dirigió Gustavo Beytelman.
"Un hada y un cisne": este tema lo íbamos a grabar con Astarita y González porque era medio jazzeado pero después decidimos que lo graben Alejandro Correa y Juan Rodriguez.
La época de Confesiones fue muy linda, trabajábamos a tope, llegamos a hacer cinco shows en una noche, hacíamos shows en todas partes, tocábamos mucho en universidades, también teníamos algunas fiestas, de esas japonesas tipo en un piso 15 de la avenida Livertador que la nena nos quería y el papi se ponía, ya se mezclaba parte del rock con parte del concheterío" Nito Mestre
Estaba en este segundo disco el tema que amenizaría los fogones de toda una generación, Rasguña las piedras, Lunes otra vez, un folk rock acústico, Aprendizaje, Cuando ya me empiece a quedar solo. En estos temas Cahrly está mas atrevido para componer, mas liberado y comienza a perfilarse lo que aparecería en Instituciones (1974). |
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Richard Wagner |
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Richard Wagner (Leipzig, actual Alemania, 1813 - Venecia, Italia, 1883) Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán.
Aunque Wagner prácticamente sólo compuso para la escena, su influencia en la música es un hecho incuestionable. Las grandes corrientes musicales surgidas con posterioridad, desde el expresionismo hasta el impresionismo, por continuación o por reacción, encuentran en él su verdadero origen, hasta el punto de que algunos críticos sostienen que toda la música contemporánea nace de la armonía, rica en cromatismos, en disonancias no resueltas, de Tristán e Isolda.
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Vida y obra
La infancia de Wagner se vio influida por su padrastro Ludwig Geyer, actor, pintor y poeta, que suscitó en el niño su temprano entusiasmo por toda manifestación artística. La literatura, además de la música, fue desde el principio su gran pasión, pero el conocimiento de Weber y, sobre todo, el descubrimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven lo orientaron definitivamente hacia el cultivo del arte de los sonidos, aunque sin abandonar por ello su vocación literaria, que le permitiría escribir sus propios libretos operísticos.
De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles, agravados por una inestable situación financiera, la necesidad de dedicarse a tareas ingratas (transcripciones de partituras, dirección de teatros provincianos) y las dificultades para dar a conocer sus composiciones. Sus primeras óperas –Las hadas, La prohibición de amar, Rienzi– mostraban su supeditación a unos modelos en exceso evidentes (Weber, Marschner, Bellini, Meyerbeer), sin revelar nada del futuro arte del compositor.
Hasta el estreno, en 1843, de El holandés errante, no encontró el compositor su voz personal y propia, aún deudora de algunas convenciones formales que en posteriores trabajos fueron desapareciendo. Tannhäuser y Lohengrin señalaron el camino hacia el drama musical, la renovación de la música escénica que llevó a cabo Wagner, tanto a nivel teórico como práctico, en sus siguientes partituras: El oro del Rin (primera parte de la tetralogía El anillo de los nibelungos) y Tristán e Isolda. En estas obras se elimina la separación entre números, entre recitativos y partes cantadas, de modo que todo el drama queda configurado como un fluido musical continuo, de carácter sinfónico, en el que la unidad viene dada por el empleo de unos breves temas musicales, los leitmotiv, cuya función, además de estructural, es simbólica: cada uno de ellos viene a ser la representación de un elemento, una situación o un personaje que aparece en el drama.
No sólo en el aspecto formal fue revolucionaria la aportación wagneriana: en los campos de la melodía, la armonía y la orquestación –con el uso de una orquesta sinfónica de proporciones muy superiores a las que tenían las habituales orquestas de ópera–, sino que también dejó una impronta duradera. Su gran aspiración no era otra que la de lograr la Gesamtkunstwerk, la «obra de arte total» en la que se sintetizaran todos los lenguajes artísticos.
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Relaciones personales
Sus ideas tuvieron tantos partidarios como detractores. Uno de sus más entusiastas seguidores fue Friedrich Nietzsche a quien le unió una cercana amistad que terminó con una separación definitiva. También fue cercano al rey Luis II de Baviera, gracias a cuya ayuda económica, el músico pudo construir el Festspielhaus de Bayreuth, un teatro destinado a revivir la música de J. S. Bach, cuya complejidad superaba con mucho la capacidad técnica de las salas de ópera convencionales; ahora está destinado exclusivamente a la representación de sus dramas musicales.
En 1876 se procedió a su solemne inauguración, con el estreno del ciclo completo de El anillo de los nibelungos. Años antes, en 1870, el compositor había contraído matrimonio con la hija de Franz Liszt, Cósima, con quien había mantenido una tormentosa relación cuando aún estaba casada con el director de orquesta Hans von Bülow. Wagner dedicó los últimos años de su vida a concluir la composición de Parsifal.
El oro del Rhin
El oro del Rhin es la primera parte o prólogo de la tetralogía El Anillo del Nibelungo (Der Ring des Nibelungen), con música y libreto original de Richard Wagner (1813-1883), para éste último utilizó las leyendas medievales del Edda y del Nibelungenenlied como fuente de inspiración. El Anillo lo componen cuatro obras; un prólogo y tres jornadas tituladas El Oro del Rhin, La Walkyria, Sigfrido y El Ocaso de los Dioses.
El Oro del Rin fue compuesto a partir de 1853, y estrenado el 22 de septiembre de 1869, en Munich. Por fin en el verano de 1876 se estrenó en su posición natural dentro de la tetralogía, en el primer festival de Bayreuth.
Personajes
WOTAN
FRICKA
FREIA
DONNER
FROH
LOGE
ERDA
FASOLT
FAFNER
ALBERICO
MIME
WOGLINDE
WELLGUNDE
FLOSSHILDE
(Odín) Dios Supremo
Diosa del Matrimonio, Esposa de Wotan
Diosa de la Juventud, Hermana de Fricka
Dios de la Tormenta, su símbolo es un Martillo
Dios del Amor
Semi-Dios del Fuego
(Wala) Diosa de la Tierra
Gigante, constructor del Walhalla
Gigante, Hermano de Fasolt
Rey de los Nibelungos
Nibelungo, Hermano de Alberico
"Hechicera de las Olas", Ondina del Rin
"Luchadora de las Olas", Ondina del Rin
"Luchadora del Río", Ondina del Rin
Barítono
Mezzosoprano
Soprano
Bajo
Tenor
Tenor
Mezzosoprano
Bajo
Bajo
Bajo
Tenor
Soprano
Soprano
Mezzosoprano
Índice de Topónimos
Anillo del Nibelungo Forjado con el oro del Rin, su posesión lleva consigo la muerte. Símbolo del poder material y totalitario.
Dioses "Espíritus de la Luz" Viven en las cumbres, son eternamente jóvenes.
Gigantes Raza en extinción, la más antigua de la Tierra.
Hijas del Rin Ondinas, encargadas de la custodia del oro.
Lanza de Wotan En su asta están grabadas las runas de los pactos (contratos) con que Wotan mantiene su suprema autoridad.
Nibelheim Patria de los nibelungos. Cuevas en las profundidades de la tierra.
Nibelungos "Hijos de la Niebla". Enanos herreros y orfebres.
Oro del Rin Duerme en el fondo del río. Símbolo de la inocencia.
Padre Rin Río Rin. Símbolo del discurrir del tiempo.
Reisenheim "País de los Gigantes"
Tarnhelm Yelmo inventado por Alberico y forjado por Mime; que hace invisible a quien se lo pone y lo puede trasladar a otro lugar a la velocidad del pensamiento.
Tesoro de los Nibelungos El que producen los nibelungos bajo el reinado de Alberico.
Walhalla Fortaleza de los Dioses. Símbolo del poder de Wotan. Paraíso de los guerreros caídos en combate.
La escena tiene lugar en una montaña sobre el Rin y en las cavernas subterráneas de Nibelheim, en tiempos legendarios.
En la aguas del Rin, las hijas del río, Woglinde, Wellgunde y Flosshilde, juguetean. Su misión es guardar el tesoro del río, el Rheingold. El grotesco gnomo Alberich está observándolas; arrebatado por su belleza, arde en deseos de unirse a alguna de ellas. Éstas, por su parte, se burlan cruelmente de él. Alberich, ahora, mientras las persigue queda deslumbrado por el fulgor del tesoro del Rin, cuyo brillo, a los rayos del sol, surge a través del agua. Las hijas del río cuentan a Alberich el poder mágico que encierra el tesoro y cómo el hombre que lleve un anillo de ese tesoro puede llegar a ser, si renuncia al amor, todopoderoso y rector del mundo. Mientras las ninfas siguen sus juegos en las aguas del río, Alberich, humillado, se lanza hacia el tesoro y lo roba, para consternación de sus guardianas, proclamando la condición requerida para poder gozar de él: "So verfluch ich die Liebe" ("Maldigo al amor").
El paisaje del Rin desaparece en la oscuridad y en su lugar se muestra un maravilloso castillo en la cumbre de una alta montaña desde el que se divisa el río en la lejanía. El castillo es la morada de los dioses. Fuera de él Wotan, dios supremo, y su esposa Fricka duermen. Fricka despierta a Wotan y ambos contemplan el soberbio castillo. Wotan canta: "Vollendet das ewige werk" ("La obra eterna está concluida"). La diosa reprende a su esposo por la promesa que hizo a sus constructores, los gigantes Fasolt y Fafner, de darles como recompensa a su hermana Freia, quien entra ahora pidiendo protección contra los gigantes. Wotan confía en la ayuda de Loge, dios del fuego y de la astucia, para poder eludir su compromiso con los gigantes.
Llegan ahora los gigantes y Fasolt reclama sus derechos, a lo que Wotan responde con evasivas. Respondiendo a la petición de ayuda de Freia llegan ahora otros dos dioses, Froh y Donner; este último amenaza a los gigantes con su martillo, mientras Froh abraza a Freia. Después llega Loge, quien declara, para angustia de Wotan, que no ha encontrado alternativa alguna al cumplimiento de lo prometido, pero sigue hablando y menciona, para tentar deliberadamente a los gigantes, el robo del Oro del Rin, señalando que las ninfas guardianas del tesoro han pedido a Wotan que les ayude a recuperar lo robado.
Los gigantes, al oír a Loge, empiezan a pensar que apoderarse del tesoro del Rin puede ser una alternativa a la consecución de Freia. Pero Wotan, que quiere para sí el oro, rehusa acceder a esta posibilidad. Los gigantes toman a Freia como rehén y conminan a Wotan para que tome una decisión hasta la noche de ese día.
Loge los ve partir y después se vuelve hacia los dioses. Y con gran sorpresa, ve que repentinamente han envejecido y se han debilitado: es que Freia, la diosa de la juventud, les ha dejado. Reanimado de su letargo, Wotan decide marchar a Nibelheim, el país de los Nibelungos, en compañía de Loge. Cambia entonces la escena y se ve a los dos personajes en su descenso al interior de la tierra, y mientras bajan, se oye el sonido metálico del golpear de los martillos sobre los yunques.
En una caverna subterránea en Nibelheim, Alberich, que ahora posee un anillo formado con el oro del tesoro del Rin, está regañando a su hermano Mime. Éste acaba de forjar, también con aquel oro, un yelmo mágico, el Tarnhelm, que permite a quien lo lleve tomar cualquier forma o hacerse invisible. Alberich se lo coloca, se vuelve invisible, golpea a su hermano y se marcha, ruidosamente alegre por la posesión del oro y del poder que éste le confiere. Llegan Wotan y Loge y tratan infructuosamente de consolar a Mime. Regresa ahora Alberich, con un grupo de nibelungos, portadores de objetos de oro y plata, que colocan en un montón. Después, y con brutales modos, los envía a trabajar y lo mismo hace con su hermano Mime.
Alberich se jacta ante Wotan y Loge de su poder y astucia y de su pretensión de dominar a los dioses. Loge, prudentemente, sigue la corriente al enano, mientras que Wotan se siente angustiado ante los planes de Alberich, que en respuesta a las preguntas de Loge les dice que puede transformarse en lo que desee, por el mágico poder del Tarnhelm. Loge manifiesta incredulidad y entonces Alberich se transforma en un dragón, y después, respondiendo a la petición de Loge, en un sapo, del que se apodera Wotan, en tanto que Loge toma el Tarnhelm. Cuando Alberich vuelve de nuevo a su forma humana, Wotan y Loge lo atan y se lo llevan prisionero.
Ahora nos encontramos de nuevo ante el castillo, recién construido de los dioses, en la cima de la montaña, en un paisaje cubierto por la niebla. Como rescate para la liberación de Alberich, Wotan y Loge reclaman el tesoro del Rin, a lo que lleno de pesadumbre, accede el enano. Cuando le libran de sus ligaduras, ordena a los Nibelungos que traigan el tesoro y éstos lo colocan a los pies de los dioses. Alberich pide entonces su libertad, pero Loge le reclama el Tarnhelm y Wotan el anillo.
Desafiante, Alberich rehusa entregar el anillo y finalmente Wotan se lo arranca del dedo. Rugiendo de rabia, el enano maldice al anillo y a quien lo posea ("Verflucht sei dieser Ring!") antes de partir.
La niebla se disipa cuando entran en escena Donner, Froh y Fricka, y unos momentos más tarde llegan Fasolt y Fafner trayendo a Freia. Los gigantes rehusan entregarla hasta que les paguen el rescate y Fasolt propone que el precio por ello será todo el oro que haga falta para ocultarla. Wotan accede y Loge y Froh van apilando el tesoro, en tanto que Fricka y Donner se sienten agraviados por la humillación que están infligiendo a Freia. Para cubrir su cabeza, que es lo único que resta al descubierto, colocan sobre ella el Tarnhelm y finalmente, para tapar un pequeño hueco que queda sin cubrir dejando al descubierto los ojos, los gigantes reclaman el anillo. Como Wotan rehusa, Fasolt, airadamente, hace ademán de llevarse a Freia. Entonces la diosa de la tierra, Erda, surge en escena y les advierte lo que lleva consigo la posesión del maldito anillo.
Wotan medita profundamente sobre la situación. Finalmente, decide entregar el anillo y ordena a Freia que se reúna con él ("Zumir, Freia"); la diosa, ya libre, abraza jubilosamente a los otros dioses. Los gigantes ahora, comienzan a repartirse el botín. Fafner y Fasolt disputan entre sí por la posesión de la mayor parte del tesoro. Cuando llegan al anillo, ambos hermanos luchan por quedarse con él y Fafner da muerte a Fasolt. La maldición que pesa sobre el anillo empieza a cumplirse.
Fafner se marcha; irónicamente Loge felicita a Wotan por haber entregado el anillo. Cuando Wotan, profundamente turbado, decide consultar a Erda, Fricka invita a Wotan a entrar con ella en el castillo. Haciendo sonar su martillo, Donner invoca una gran tormenta ("Hedam hedo!"); después se dispersan las nubes y se ve a Donner y a Froh a los pies de un deslumbrante arco iris, que, como un radiante puente, une el valle con la cima de la montaña en la que está el castillo. Wotan da al castillo el nombre de Walhalla y conduce a Fricka por el arco iris, seguidos de Froh, Freia y Donner, en tanto que Loge permanece en aquel lugar y los contempla con aire irónico. Procedente del valle, se escucha el doloroso canto de las ninfas del Rin, desposeídas del tesoro que debían guardar, lo que causa la irritación de Wotan, pues su triunfo al entrar en el Walhalla ha quedado empañado por el delito que él, tanto como Alberich, ha cometido.
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ROCK ARGENTINO |
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Navegando por Dentro, Los NDI, Nebbia, Litto Necrosis,
Negra, La Negro can, Neisser, Némesis, Nepal, Nerón, Neutral, Nevera de Rogel, La NewGarden, Ni idea, Nietos de Báez, Nikita Nipone, Nine Fears, Nine Lives, No Ser, No Videntes, Noble, Iván Nomadas, Nonpalidece, Nórdica, Notalent, Nuca, Núcleo, Nueva Flor, La Nuevos Coleccionistas de Pasillos, Los Nuez, Nylon, O'Connor, O'Connor, Claudio Octubre Rojo, Odio Extremo, Odio tu perro, Oisin, Ojalá, Ojo de Sánchez, ElOjo imán, Ojos, Los OM, Ombú, El Omnia, Open 24, Open Your Kantos, Opus Nova, Orion's Beethoven, Orions, Os cordeiros, Otro Yo, El Oveja Negra, Oxidente, Oye Lola, Ozono Zero, Pachuco Cadáver, Pacífico, Padre, Padre Virgen, Páez, Fito Pajarito Zaguri, Palo Borracho, Pampa, Pampa Yakuza, Pandilla del Punto Muerto, La Pandolfo, Roberto "Palo" Pantaleón y la 440, Panza, Papando moscas, Pappo, Pappo's Blues, Parador 22, Parió la Choca, París, Parraleños, Parte del Asunto, Pasando hambre, Pasaporte, Pascow, Pastoral, Pata de la Tuerta, La Patada, La Patada de loco, Paterimon, Patruno y Asociados, Pedro el ermitaño, Pedro y Pablo, Pegnotti, Ricardo Peligroso Vudu, Peligrosos Gorriones, Pelotas, Las Peluca, La Pelvis, Penadas por la ley, Pensar o Morir, Pequeña Orquesta Reincidentes, Perdedores Pop, Los Perdón Amadeus, Pérez García, Los Pericos, Los Perpetua, Perra que los Parió, La Perros, Los Pescado Rabioso, Petrolera Boogie Band, La Pettinato, Roberto Peyotes, Los Peyronel, Michel Pez, Pezones Cardozo, Picada, La Pick Ups, Los Pictus, Piel de Judas, Piel de Pueblo, Pier, Piero, Pil Trafa, Pillos, Los Pilsen, Pin Pon Club, El Pinchevsky, Jorge Pingüinos, Los Pino, Piojos, Los Pirogénesis, Plan V, Platónico, Plus, Pobre Morales, Pogoma, Poiesis, Polaris, Polaroid, Polifemo, Políticos, Los Polución nocturna, Pop3, Porchetto, Raúl Porco, PorSuiGieco, Portón, El Portuaria, La Poseidótica, Posse, Mónica Postal a Noruega, Postdata, Prat, Ariel Praxis, Preludio, Presa del Odio, Presidio 54, Preso Común, Presto Vivace, Primitiva, Princesa Soledad, Privé, Prodan, Andrea Prodan, Luca Proyecto Verona, Psicótico, Psicotracción, Psiquis, Psycho, Puerkoespin, Puerto Maluco, Puf, Pulgones, Los Pulsar, Pulsión, Punch, Puñetazo, El Punto G, Pura, Purple House, Púrpura, Puyó, Claudia Que, Quebraditos, Quemar, Quinteplus, Rack, Radio Roots, Rael, Raíces, Raíz, Ram Venus, Ramset, Rancheros, Los Raptor, Rara Avis, Rata Blanca, Ratones Paranoicos, Los Rayo X, Rayos Catriel, Rayuela, Raza Heroica, Razones Concientes, Razz, Recalada, La Recio, Esteban Redd, Redonditos de Ricota, Los Regreso, El Regreso del Coelacanto, El Reino de Munt, Relax, Relieve del Mundo, El Reloj, El Renga, La REO, Reptil, Resistencia Suburbana, Resonantes, Resortes Antagónicos, Resto, El Restos Fósiles, Retorno Cero, Revolución humana, Rey Charol, Rey Gurú, Rey Voodoo, Rey Yo, El Reynols, Reynoso, Germán RH+, Rhun, Richter, RIFF, Rindancin, Río Sabe, El RIP, Rivendel, Robertones, Los Robot bajo el agua, El Rodrígues, Daniel Rodríguez, Charly Rodríguez, Los Rogatti, Eduardo Roger Myers, 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SALA 31 |
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SALA DE OCIO MULTIFUNCIONAL
Sala 31 es un espacio de ocio multifuncional donde se da cabida a todo tipo de actividades culturales y eventos como conciertos, exposiciones, proyecciones de cine, artes escénicas y cultura gastronómica, entre otros. Al mismo tiempo y gracias a su situación estratégica de confluencia entre las tres provincias, Guipúzcoa, Navarra, y Álava, se ofrece un servicio a las empresas para actividades promocionales y congresos.
Su nombre es un pequeño homenaje a la última locomotora del Plazaola “31” que unió hasta los años 50 Pamplona con San Sebastián. Así pues, nuestra intención es favorecer el intercambio cultural tal y como lo hizo aquel tren a principios de siglo, en nuestro caso, el vagón se ha convertido un edificio de hormigón con forma de cubo y estilo vanguardista dinamizador y referente de la cultura comarcal.
La sala cuenta con 2.600 metros cuadrados y capacidad legal para 1500 personas, siendo así la mayor y de mejor calidad de todo el norte.
Se trata de un amplio espacio, abierto a todas las culturas y de trato familiar y accesible. Somos gente local que ama la cultura local pero que, a la vez, estamos abiertos hacia todo tipo de culturas. Nuestro segmento de edad se sitúa entre los 18 y 99 años.
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SALA CLAMORES |
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Club de Jazz fundado en Julio de 1979 con la intención de recrear el espíritu jazzístico de los Clubs americanos clásicos. En esta sala se combina a la perfección los cavas y champagnes con el Jazz más internacional, no en vano fue la primera xampanyería de Madrid.
Al más puro estilo neoyorkino o londinense surge un local heterogéneo y cosmopolita, como recién importado.
Durante 8 años fue el plató del programa "Jazz entre amigos", actualmente celebra actuaciones diarias siendo su escenario referencia obligada para las más importantes bandas de jazz aunque, esporádicamente, pueden verse cantautores e incluso grupos de blues de primera fila.
Durante la temporada de verano acoge a las principales figuras internacionales dentro de las giras europeas que incluyen citas tan prestigiosas como San Sebastián, Vitoria Gazteiz, etc.
Valga citar estrellas como: Joe Henderson, Johnny Griffith, Lou Bennet, Terence Blanchard, Tete Montoliu, Pedro Iturralde, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Andy Summers, Danilo Pérez, Sonny Fortune y un largo etcetera; en resumen, el templo del jazz en Madrid. Punto de encuentro obligado para entendidos, aficionados y para todo aquel que desee degustar, en calma, el mejor cóctel de champagne de la capital. Además los viernes y sábados, después del concierto de las 22:00 h. se celebra hasta las 3 de la madrugada una acreditada Jam Session.
Por nuestro escenario tambíen han pasado artístas de la talla de Company Segundo, Susana Rinaldi, Labordeta, Vieja Trova Santiaguera, Omara Portuando y otros muchos.
En la actualidad este Club, aparte de jazz combina otro tipo de música de raíz, tales como fado, afro, cubana, tango, hindú, atc. Ahora mismo es el decano de los clubes de jazz de Madrid y se considera una cita casi obligatoria para cualquier visitante de la ciudad.
Ficha Técnica de la Sala Clamores
Local ubicado en el centro de Madrid, en el corazón del castizo barrio de Chamberí y a 10 minutos de la zona más cosmopolita y de ocio de Madrid: el barrio de Maravillas y Malasaña.
Superficie: 450 m2 divididos en 4 amplios salones, guardarropía, barra, escenario y hall de acceso.
Horario: De 18:30 de la tarde a 3:00 de la madrugada. Viernes y vísperas de festivos hasta las 4:00 de la mañana.
Tarjetas: VISA
Venta anticipada: TEL-ENTRADA 902 10 12 12 y en la misma sala.
Espectáculo: Diariamente a las 22 h. Además, los viernes y sábados se celebra una acreditada JAM SESSION desde las 0:30 a las 3:30 de la madrugada.
Bebidas y Especialidades: Coctel de Champagne y Mojito. Ver resto en nuestra página de carta.
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SALA D´MANU |
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La sala D´Manu abre sus puertas. Una ambiciosa infraestructura que ya es realidad y que cuenta con más de 2.000 metros cuadrados destinados a convertir a Santander en referencia imprescindible de la música local, nacional e internacional. Las más modernas tecnologías al servicio de un vanguardista espacio pensado para el disfrute de la música y la diversión.
Convertirse en la sala de conciertos del norte de España. Este es el ambicioso reto de la sala D´Manu, que abre sus puertas a finales de noviembre y que programará semanalmente actuaciones de destacados grupos, sesiones de disc-jockeys y acercamientos a otras artes escénicas además de la edición mensual del periódico que tienes entre manos.
“Hay que acostumbrar a la gente de las comunidades vecinas a que vengan hasta aquí, con lo que eso supone de promoción también para Cantabria”, asegura José Manuel González, promotor y máximo responsable del proyecto, en el que han trabajado durante meses decenas de personas que han puesto su ‘granito de arena’ para que D’Manu sea ya una realidad con mayúsculas. «Queremos que Santander sea una ciudad conocida también por la música. A nivel cultural, aquí la música está en parte abandonada y queremos luchar porque no sea así», añade.
La sala, al más puro estilo de las grandes urbes, se ubica en el extrarradio de Santander, en un entorno industrial, en concreto en el polígono de Candina, y dispone de un total de 2.000 metros cuadrados, repartidos entre la sala de conciertos y un aparcamiento privado y cubierto.
La zona destinada a los espectáculos está dotada de las más innovadoras tecnologías y permite la posibilidad de ofrecer dos escenarios distintos: el principal, con un aforo superior a las 2.000 personas; y un segundo espacio más pequeño, pensado para la realización de conciertos acústicos, grupos cántabros, proyecciones... En definitiva, una infraestructura pensada para y por la música, con 80.000 watios de luz y 20.000 de sonido, bajo responsabilidad de Soinua.
La infraestructura se completa con un espacio para el trabajo de disc-jockeys, un graderío que posibilita una visión diferente, una tienda de ‘merchaindising’ para la venta de todo tipo de productos relacionados con lo sala y los invitados, camerinos, almacenes, zona de reuniones y oficinas, zona especial para minusválidos, amplios servicios, barras...
Programación
La programación musical será diseñada por el equipo de D´Manu Producciones, que lleva años trabajando en la organización de espectáculos en la sala Eventos, y por Last Tour International, una firma de reconocido prestigio, estrecha conocedora del mercado, que busca la defensa del artista frente a otro tipo de criterios y que se caracteriza por apostar por nombres situados al margen del circuito meramente comercial.
El festival Azkena Rock y la programación de las salas Azkena de Bilbao y Vitoria son algunos de los trabajos que realiza en la actualidad. Cada una de las citas se rodeará además de otras actividades que harán que la noche sea «algo más» que asistir a un concierto, para lo que se programarán sesiones de DJ´s, se realizarán proyecciones, se pondrá a disposición del público material para su compra…
La programación será continuada, ecléctica, coherente y abierta a todo tipo de públicos. Todos los géneros tendrán cabida en la sala D´Manu, porque, no en vano, pretende ser un espacio donde las ideas se desarrollen libres de obstáculos. Un espacio para explorar sonidos y culturas. Una invitación a sentir la música y a pensar en sus creadores. Un lugar de defensa de la música y de las nuevas formas que adopta en pleno siglo XXI. Un lugar para el recuerdo de grandes grupos y estilos que marcaron época y formas de vida. Todo esto es la sala D’Manu, donde los géneros y las culturas se entremezclarán a la perfección.
Después de los conciertos, al igual que en las jornadas que no haya actividad musical en vivo, la sala D´Manu funcionará como discoteca, donde se podrá escuchar lo mejor de la música, tanto actual como de otras generaciones. Destacados dj´s nacionales e internacionales pasarán por la sala para mostrar lo mejor de su repertorio y hacer pasar al público noches inolvidables. Tampoco se descartan otras opciones culturales como el teatro, performances, etc., en una oferta ecléctica e implicada con el arte moderno.
Apoyo a la música de Cantabria
Aunque una de las principales filosofías es la programación de destacados conciertos de artistas de talla nacional e internacional, otro de los puntos esenciales del proyecto D´Manu es el apoyo a los músicos de Cantabria, para quien se destinará una programación continuada y un escenario específico. «Queremos que haya conciertos semanales y que puedan acompañar a los grupos importantes sobre el escenario principal», manifiesta José Manuel González, principal promotor, impulsor y alma del proyecto, que ve como ya es realidad una de las mayores ilusiones de su vida.
Por tanto, una salida importante para los músicos de la región, acuciados por la falta de locales donde actuar y poder demostrar sus creaciones, y una puerta abierta para la colaboración con instituciones de cara al fomento de la cultura hecha en Cantabria.
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Sala LA VEGUCA |
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Le agradecemos su visita a nuestra nueva página web. Como cualquier empresa moderna, queremos poner a su disposición toda la información de utilidad relativa a nuestro Restaurante a través de Internet. Trataremos de actualizar nuestra página Web en cuanto tengamos novedades de interés.
Nuestra página está actualmente en construcción. Estamos esforzándonos para permitirle acceder a todos los contenidos en el plazo más corto posible. ¡Vuelva pronto para descargarla!
Entre tanto, puede contactarnos como de costumbre por teléfono en el número 985 417 193. También estaremos encantados de recibir un correo electrónico suyo en la siguiente dirección: joseluis@exowebs.com
Si aún no conoce nuestro Restaurante y ha sido por Internet como ha oído hablar de nosotros por primera vez, le rogamos que se ponga en contacto con nosotros para exponernos sus deseos y sus preguntas. Estamos a su entera disposición para asesorarle.
A continuación, le damos una breve información sobre nuestra empresa:
Este Restaurante que empezó su andadura en el año 1989 fue creado por Don Florentino Darrosa y su esposa Mª Luisa Esteban, con la idea de albergar la masiva visita de turistas a la comarca Llanisca y ofrecerles sus servicios con la más típica tradición Asturiana tanto en su Gastronomía como en su elaboración. El Restaurante que esta decorado al más puro estilo tradicional asturiano, es el mejor sitio para disfrutar de una amplia carta con los más famosos platos de la región.
La Veguca está situada a tres kilómetros de la villa de Llanes respaldada por las verdes laderas de la Sierra del cuera, es el sitio ideal para degustar algunos de los tres menús que diariamente nos ofrece su experta cocina casera, La Veguca nos da la oportunidad de degustar carnes de Buey, Ternera, Cerdo, todas ellas preparadas a la parrilla, que esta situada en la terraza donde es tradición degustar un par de culines de sidra mientras se pican unas tapas variadas.
Nuestro local se encuentra en San Roque del Acebal, N634 Km. 299 en la Villa de Llanes, Principado de Asturias.
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SANTANDER SUMMER FESTIVAL |
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Santander Summer Festival con Beck, Prodigy, Jamiroquai, The Chemical Brothers y Morcheeba
Con motivo de la celebración del 250 aniversario de la bella capital Cántabra se va a celebrar los días 8 y 9 de julio el Santander Summer Festival, con un cartel de autentico lujo y con un concurso destinado a bandas noveles, de entre las que se seleccionarán las que acompañarán cómo teloneros a los artistas.
Los cabezas de cartel anunciados hasta el momento son; Beck, Prodigy, Jamiroquai, Duran Duran, The Chemical Brothers y Morcheeba. Se espera que haya hasta 30 grupos repartidos por dos escenarios en la ciudad de Santander, que también contará con una carpa para DJ’s. Esperemos que tan ambicioso proyecto se cumpla en su totalidad.
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SHYRA PANZARDO |
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distorsión femenina
¿Por qué el rock uruguayo adolece de vocalistas mujeres? Hay cientos de bandas de rock y un porcentaje de ellas son medianamente populares. Unas cuantas de esas “reconocibles” tienen a mujeres “en sus filas” como instrumentistas o en los coros. Pero en muy pocas, poquísimas, la voz principal, las letras, la escena le pertenecen a una mujer.
En otros estilos sin embargo, hay exponentes. En el tango está la “rara como encendida” Malena Muyala y desde hace un tiempo también la carismática Francis Andreu. En el género de la música popular o ciudadana, están la consagrada Laura Canoura, la exquisita Liese Lange y las finísimas Estela Magnone y Gabriela Posada. En la cuestión más pop figuran Rossana Taddei y por ahí Samantha Navarro (aunque el eclecticismo de esta última, muy rico por cierto, la hace difícil de encasillar, “Poemas” su más reciente producción es una prueba de ello). Lágrima Ríos y Gabriela Gómez podrían ser buenos ejemplos para asociar con el candombe y la murga, respectivamente. Pero en el rock parece haber un vacío. Por lo menos a nivel de popularidad (nos consta que hay muchas jóvenes integrando bandas en todo el país).
Por fortuna, asoman algunas artistas con trayectoria para cubrir ese nicho. Y ahí aparece, con su perfil bajo típico de instrumentista, su look dark casi gótico, su expresión adusta pero dulce a la vez y su registro grave y sensual, Shyra Panzardo.
“Aparece” no por novata (arrancó con la banda de covers Brumas hace más de quince años, con su bajo ha tocado y grabado “con todos” como dice León Gieco, y desde hace casi doce acompaña al entrañable Eduardo Darnauchans) sino porque debuta en primer plano, liderando. Y lo hace con una propuesta muy diferente a lo que podría suponerse a priori.
Acompañada por Francisco Etchenique en batería (que hace honor a su apellido y como su padre la rompe) y Sebastián Delgado en guitarra (¡¿de dónde salió este prodigio de 19 años que se pasea por el diapasón con una velocidad imponente?!) forma un power trío explosivo.
La presentación en sociedad fue el pasado 7 en el Espacio G. Esa noche sonaron once composiciones de Shyra. Ocho en el primer tramo en el que “No te pedí”, “Sin tu recuerdo”, “Fantasía y realidad” y “La razón” fueron quizá las más aplaudidas. Y tres más en el set de los bisses: “El otro yo”, “No estás” y “Viudanegra”. Todas contaron con alguna introducción o algún guiño que hizo reír a los presentes y que permitieron además, descubrir un notable manejo escénico de Panzardo.
“El cuento de hadas no es para mí” canta Shyra firme, con potencia pero sin grito, con la crudeza rocker pero manteniendo la sensualidad femenina. Con estilo. Y le creemos.
Analía Camargo
Yo estuve ahí!!
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STICK CENTER |
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En el año 1970 el luthier Californiano Emmett Chapman decidio desarrollar una idea nueva para aplicarla directamente sobre el diapason de su guitarra.
Presionando las cuerdas con los dedos de ambas manos simultaneamente (tecnica conocida como tapping), desarrolando asi un propio instrumento al que llamo en un inicio The electric Stick o El palo electrico.
En aquel momento solo constaba de 7 cuerdas.
Este instrumento que el mismo Chapman construyó, se transformo con los años en algo mas que un curioso instrumento.
Popularizado quizas masivamente por el bajista Tony Levin en sus apariciones con King Crimson y Peter Gabriel, el Stick fue el mejor camino que muchos musicos encontraron para expresarse mas alla del mero tecnicismo o la novedad.
Este instrumento que aun hoy sigue fabricando el mismo Chapman, ha evolucionado notablemente desde su origen, existiendo en la actualidad diferentes modelos de 8 cuerdas(Stick Bass), 10 cuerdas (Standard Stick) y 12 cuerdas (Grand Stick); diferentes afinaciones en cada uno de ellos; diferentes maderas, varias opciones de microfonos y fabricado con accesorios especificos como son los trastes de acero; un microfono stereo que permite dividir la señal en dos partes; puente ajustable; etc; y hasta un stick MIDI (The Grid).
Sus cuerdas se dividen en dos grupos: el grupo de acordes o de bajo, con el que se pueden armar lineas de bajos marcadas o bien acordes que acompañan a la guitarra, como si fuese la mano izquierda de un piano; y el segundo grupo de cuerdas de guitarra o melodicas, con las que se pueden armar lineas guitarristicas y mas acordes. El instrumento combina los cuatro grandes instrumentos de una banda: el Bajo, la Guitarra, tocandose ambos como un Piano, y con el elemento percusivo que le otorgan los dedos al golpear las cuerdas y apretarlas, haciendo del musico un percusionista táctil. De esta manera, el musico puede transformarse en un hombre-orquesta, logrando sonoridades varias y teniendo a su disposicion una amplia posibilidad armonica, a la vez de poder trabajar con la electronica que le permite la estereofonia de su microfono especial.
Asi nace un nuevo concepto de musico que no solo puede tener el rol de bajista o guitarrista en una banda, sino que se transforma en una especie de comodin con la posibilidad de trabajar como concertista solista.
The Stick™ es una marca registrada por Stick Enterprises, Inc..
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STUPIDFACIENTES |
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Llevamos funcionando ya casi 12 años, aunke con el nombre de StupidFacientes desde el 94. Antes nos llamabamos H.I.V. pero tras unos problemas, el grupo se disolvio durante 2 meses, y mientras uno de los guitarristas, el bateria original y yo (rotten) continuamos por otro lado. Al cabo de esos dos meses, volvimos a llamar a Anibal, y tras el cambio de nombre, en un mes dimos nuestro primer concierto con esta denominacion.
Las cosas nos fueron muy bien los años siguientes, muchos conciertos, sobre todo por la zona de Santander (y solo uno en Torrelavega). Pero empiezan las desbandadas, uno de los guitarristas, David, se fue a los Pendejos, y al poco tiempo, el bateria original, se marcho tambien, siendo sustituido por Borja (todo un crack) en mayo del 98, pero esto no duro, y en diciembre del mismo año, es sustituido por Ozzy (otro crack).
El grupo ahora goza de mayor estabilidad, con bastantes conciertos, uno de ellos junto a uno de nuestros grandes idolos ratos de porâo, un cd en la calle llamado "a short introductory lesson" del ke esperamos poder grabar la continuacion a finales de mayo o principios de junio de este año.
ESTILO E INFLUENCIAS
No sabemos definir el estilo, si como hard-core melodico o punk-rock.
Nuestras influencias son Bad religion, Nofx, Dead kennedys, Rancid o Vandals.
http://www.stupidfacientes.tk
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SUPER APE |
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Super Ape es una banda de reggae roots surgida en Santander a finales de 1999 y principios de 2000. Compuesta originariamente por Eva Pascual, Rubén Díez, Guzmán Ramos y Óscar Sánchez, en sus inicios participaron otros músicos como Sergio Díez y David Pérez. Poco a poco se fueron introduciendo en el grupo Carlos García R. y Carlos García E., y bajo esa formación comenzaron a dar conciertos a partir de septiembre de 2000. A finales de ese mismo año se unió al grupo Roberto Sánchez, dando lugar a la definitiva formación de siete músicos. En enero de 2001, grabaron un cd promocional, titulado \\\"presenting\\\", con cuatro temas propios y sus versiones dub, en A-Lone Muzik Studio, de Loud & Lone, gracias a la colaboración de Roberto Sánchez y Borja Juanco. Este cd se difundió con rapidez, y desde entonces han actuado en diversos puntos de la región y de la geografía española. En ese momento Borja Juanco comienza a colaborar como técnico de sonido en directo, una persona con gran experiencia en la música reggae, que completa la formación del grupo de cara al directo. No olvidar mencionar la colaboración de Dubby (Ambasah) a la percusión, en directo y en la grabación del disco \\\"Reel I, ten months and a day\\\", así como de Paloma Fernández (Batiscafo) a la flauta travesera. Actualmente, tras la aportación en el recopilatorio \\\"Spanish Town reggae\\\" la banda está preparando una serie de conciertos por la geografía española. |
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TAPAM GROUP |
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Clases y cursos: ¡¡¡Novedades!!!:
Comienzo de las clases de sitar, para principiantes, en Barcelona.
Clases particulares de Tabla ,durante todo el año, en Barcelona (600 030 979)
Comienzo de las clases de sitar para principiantes, en Barcelona.
Clases de Canto, harmonio, sarod, sitar.
NOVEDAD!!! Aprende a tocar Ragas de la India en tu instrumento
A partir de JULIO clases en Barcelona de técnicas de canto indias,
La profesionalidad de los profesores y la calidad de las clases, están
Avaladas por Tapan, músico profesional y profesor, con una larga y prestigiosa trayectoria profesional.
Se imparte una enseñanza rigurosa y concienzuda, que permitirá enriquecer los conocimientos musicales, que como resultado permitirá a los músicos, una capacidad interpretativa, muchísimo más rica y amplia.
CONTENIDO CLASES DE TABLA:
Introducción a los ritmos clásicos del Norte de la India
Técnica métrica y de recitación (Bol)
Concepto y desarrollo de “laya” (velocidad)
Gharanas (estilos o escuelas tradicionales)
Benares Gharana.
Si desea realizar cualquiera de los cursos descritos acá ó pedir información sobre precios y duración de las clases y cursos,
Fotos exclusivas de el último viaje de Tapan Bhattacharya a la India donde recibió la bendición de su maestro
en compañía de otros destacados alumnos.A continuación se muestran todos los RAIDERS técnicos de Tapan Group, la información contenida en esta sección está dedicada
a todos los organizadores de conciertos, festivales y managers de otros grupos interesados en contratar cualquiera de los
espectáculos que ofrece Tapan Group.
Cada uno de los RAIDERS técnicos se encuentran realizados en formato .doc de Microsoft Word y comprimidos en
formato .ZIP de Winzip, el contenido de cada archivo muestra de manera gráfica y teórica todos los requerimientos técnicos que
debe cumplir el organizador de un evento a la hora de contratar a Tapan Group.
Cualquier duda extra sobre el manejo de esta información haga click AQUI.
Ensamble OM SHANTI
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Nombre del grupo: Tapangroup
Título del espectáculo: OM-SHANTI
Programa: Concierto por la Paz
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Intèrpretes:
Pt. Tarun Bhattacharya (Santur)
Tapan Bhattacharya (Tabla)
Ensamble SANGIT & KATHAK
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Nombre del grupo: Tapangroup
Título del espectáculo: Sangit & Kathak
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Intèrpretes:
Bailarina: Arpita Bhowmik
Músicos: Tapan Bhattacharya (Tabla)
Indrani Choudhuri(Voz y harmonium).
Pankaj De Sarkar(Sitar)
Ensamble en trio (RAG TARANG)
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Nombre del grupo: Tapangroup
Título del espectáculo: Rag Tarang
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Intèrpretes:
Tapan Bhattacharya (Tabla)
Tarun Bhattacharya (Sitar)
Ronu Majumdar (Bansuri)
Ensamble en trio (RAGA SUTRA)
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Nombre del grupo: Tapangroup
Título del espectáculo: Raga Sutra Música de la India
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Intèrpretes:
Tapan Bhattacharya (Tabla)
Samanwaya Sarkar (Sitar)
Pravin Godkhindi (Bansuri)
Ensamble en trio (TABLA-SITAR-VOZ)
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Nombre del grupo: Tapangroup
Título del espectáculo: Nava Rasa
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Intèrpretes:
Tapan Bhattacharya (Tabla)
Suchisri Roy (Voz y harmonium).
Samanwaya Sarkar (Sitar)
Ensamble Rudra Vina-Sitar-Tabla
Download
Nombre del grupo: Tapangroup
Título del espectáculo: Dhrupad
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Intèrpretes:
Tapan Bhattacharya (Tabla)
Swapan Bhattacharya (Sitar)
Pt. Asit Kumar Banerji (Rudra Vina)
© Copyrigth Tapan Group | Preguntas Frecuentes | Administrador | English version |
Diario del Alto Aragón
28-03-01
Santos Pueyo
HUESCA.-El ciclo “Primavera de Música”, organizado por la Obra Social de la Caja de la Inmaculada en Huesca, ofreció a los oscenses la oportunidad de escuchar música típica del norte de la India, en la que fue la segunda sesión de esta programación. El salón de actos de la Diputación Provincial fue el marco elegido para esta sesión musical en la que tres músicos, entre los que se encontraban Gaurav Mazumdar y Tapan Bhattacharya, interpretaron melodías hindúes. Los tres músicos se colocaron sobre una plataforma, delante de la cual se instalaron varios micrófonos y altavoces, lo que facilitó al público poder disfrutar del peculiar sonido del sitar y la tabla.
Interpretaron tres obras bastante largas, que fueron del agrado de los espectadores. Prueba de ello fueron los aplausos y ovaciones que recibieron, sobre todo al tratarse de una música poco habitual y desconocida, pero enormemente atractiva.
En las obras que tocaron, enmarcadas dentro de la música clásica del norte de la India, se combinaron la raga (forma melódica) y la tala (forma rítmica), en un sabio equilibrio que es el resultado de la fragmentación del tiempo en las pulsaciones, las síncopas y el movimiento simultaneo de ambos instrumentos. El resultado de este equilibrio perfecto constituye una experiencia fascinante, de la que los oscenses fueron testigos el pasado lunes y con la que disfrutaron de una sesión musical diferente y cargada de belleza sonora.
Periódico la Opinión de Málaga
Sábado 1 de sept. Del 2001
Nº 825
Víctor A. Gómez
Caía la noche en el Peñón del Cuervo y con las ragas de los Hindúes Yatra group echó a andar el etnimálaga. Una música oceánica, perfecta para la introversión: los dos tanburas derramaban el agua de fondo para que los sitares y el santur crearan unas olas de melodías que subían y bajaban durante minutos y minutos. Si como dijo Brian Eno, la música ambiental es un río que parece que nunca cambia pero que siempre está en movimiento, el río tranquilo de Yatra Group incitaba a ponerse las gafas de bucear y permanecer varias horas nadando entre tonadas y ritmos.
La Voz de Asturias
23 de junio del 2002
M. A. F
Tapan Bhattacharya es un percusionista indio (tabla) afincado en Barcelona. Y desde su base recorre España para dar conocer la música de su país, de donde trae siempre a los mejores músicos para actuar o grabar discos como Raga Sutra, una bella y ensoñadora muestra de la música clásica que se realiza en el norte de India, acompañado de Pt. Ashok Pathak al sitar y Pravin Godkhindi al bansoori (flauta de bambú).
ACTUACIONES Y TRAYECTORIA PROFESIONAL
Tapan ha realizado diversas giras por India, Europa, USA y sobre todo España, ganandose el aplauso del público y de la critica a través de sus conciertos, de los cuales mencionaremos:
Festival Womad, 1992; Festival Greck, Barcelona (1996 y 1998); World Music Festival, Getafe (1998 y 2000); Festival de Música y Danza, Frigiliana (1996). Festival de Jazz de Donostia (1999); Festival de Sonidos del Mundo, Navarra (1999); Festival de Músicas Religiosas, 2001; I y II edición del Festival Etnimálaga, 2000 y 2001. Festival de Música Antigua(Cadiz, 2002).
Circulo de Bellas Artes, Sociedad de Autores y Teatro-sala Galileo, de Madrid, Centro Cultural, La CAI, Zaragoza(2000-01); Teatro Cervantes, Málaga (1999, 2000, 2001).
Universidad de Cantabria; Universidad de Valladolid; Universidad de León; Universidad de Lejona; Universidad de Donostia; Universidad de Salamanca ; Universidad de Cádiz, Universidad de Málaga, Universidad de Santiago...Fundación la Caixa, Manresa; Fundación Cultural Caixa Galicia en Ferrol, Coruña, Santiago y Lugo ;Teatro Principal Orense; Caja España, Obra Cultural (Zamora, Toro, Segovia y Soria) Teatro Lope de Vega, Sevilla ; Teatre Lliure de Barcelona; Teatreneu, Barcelona; Sala Apolo;.Conservatorio Superior de Música deVigo, Gijón, Coruña, Segovia; Ateneo Cultural, Gijón; Congreso de Música, Arte y Mística, Avila; Congreso de Música y Espiritualidad, Pastrana (1995). Encuentro de Percusión (Merce, 1996). Mare Nostrum(Centre Valenciá de Cultura,1999 y 2001).
- Ha dirigido y coordinado los grupos de, "Noche de Música India", en la II Edición del Festival Etnimálaga 2001.
- Ha compuesto e interpretado fragmentos de la música de la obra, A Un Somni dirigida por Catalina Buzoianu y presentada en el Festival Internacional de Teatro de Sitges (1998).
-Ha formado los grupos "Bengoli Group", "Yatra", Tal kachary" y Tapan Group".
- Ha dirigido la Sección, Músicas del Mundo, del Teatreneu de Barcelona, en los años 1999 y 2000.
EUROPA:
-Bengali Cultural Association e.V. Frankfurt.
-ICC. National Radio and University of Berlin.
-Tafelha Musik-Tanz Theater, Nüremberg.
-Gelnhausen Theatre Hall, (Germany).
-Universidad de Ascona Posta, ( Suiza).
-Festival de Almada. Lisboa, (Portugal).
-International Librery Hall, Coimbra(Portugal).
-Packer Auditorium, Lehigh University. Filadelfia(USA).
-kurdistan TV.(Brussels).
-Universidad de Oporto-Portugal.
INDIA:
Nehru Center, Bombay; Gyan Manch, Calcuta; Nagarik Nathak Mandir, Varanasi; ITC University, kanpur; Malda Auditorium; -Classical Music Conference, Santipur; Karamatula Han; Ustad Asociation; Rae Ghangh; Music Festival, Bangalore.
-TV. DD7 and TV.DD1, Gan Sudu Gan ; ATN TV, Ajker EyeWitness.
Contáctos:
Contrataciones: tapangroup@yahoo.com / tel:600030979 / 600816262.
Prensa y Medios de Comunicación:tapangroup@yahoo.com/ tel:600030979
Clases y Cursos: tapangroup@yahoo.com / tel:600030979.
Administrador: soportetapangroup@yahoo.es
Distribuidores:
El disco RAGA SUTRA es distribuido por TECNOSAGA, URL:www.tecnosaga.com MAIL:tecnosaga@tecnosaga.com
El disco TABLA & SAROD es distribuido por SEVERAL RECORDS, URL:www.trading-records.com MAIL:trading@flashnet.es
El disco RAGA SUTRA, OM SHANTI y TABLA & SAROD es distribuido en ventas al por menor por Tapan Bhattacharya en tapangroup@yahoo.com ó al tel: 93 4587217.
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TODO EL ROCK URUGUAYO 70´s |
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El rock uruguayo presenta muchas similitudes con el argentino y algunas particularidades. De alguna manera el rol que cumplen en los 60s Los Gatos en Argentina es desarrollado del otro lado del Río de la Plata por Los Shakers y Los Mockers, quienes presentan una gran diferencia con la banda de Litto Nebbia: cantan en inglés. La primera de estas bandas luego de realizar un par de álbumes enrolados en el "beat" nos ofrecen el magnífico disco "La Conferencia Secreta del Toto's Bar" en la que muestran una vertiente sicodélica con elementos de fusión con el jazz y el candombe. Otra banda pionera fue El Kinto, pero lamentablemente su obra fue publicada años más tarde. Las bandas posteriores asimilan fuertemente el blues, probablemente porque este ritmo se asemeja en el tono melancólico al tango, la música típica del Río de la Plata. Muchos grupos acuden también en algún u otro momento, como lo hicieran Los Shakers, al candombe, ritmo de raíces negras muy difundido en Uruguay. Las bandas más conocidas de los 70s son Días de Blues, Opus Alfa, Tótem, Génesis, pero probablemente sea Psiglo la banda que alcanzó el mayor reconocimiento durante aquellos años. Todas estas bandas al igual que sus pares de Argentina eligen el castellano como el idioma para sus letras.
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Los Bulldogs - Kano y Los Bulldogs
Se inician como anda de covers de temas en inglés en 1967. Los Bulldogs integrados por Kano en guitarra y voz, Nengo en guitarra Jorge en bajo y Ricardo en batería, son solo otra banda que hace versiones de The Beatles, The Mamas and The Papas u otras bandas de moda, aunque puede decirse que estas se presentan en forma muy correcta. Con esta consigna editan dos álbumes en 1967 y 1968. Un año más tarde ya como Kano y Los Bulldogs presentan sus propias composiciones en castellano. Alcanzan gran popularidad fundamentalmente con un hit ampliamente difundido por las radios de Argentina, donde estaban instalados al igual que otras bandas uruguayas "Nada es Igual". Simplemente pop bien comercial correctamente instrumentado y cantado. Posteriormente retornan al Uruguay en 1970. Kano formó una agrupación llamad La Unión con Polo de los Mockers, con un estilo a lo Cream. Sin embargo en 1972 aparece en Uruguay otro álbum de la banda llamado "Carita con carita"
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Los Delfines Una de las primeras bandas beat del Uruguay y una de las más populares también. Se dice que contaban con el mejor equipamiento disponible. En la primera formación participaban a Jorge (Coyo) Abuchalja en guitarra y voz, July Fontenla en primera guitarra y voz, Mario Aquerre en bajo y voz, Jorge (Chocho) Vila, batería) y Nelson (Pito) Varela en vientos. Realizaban covers de bandas como The Beatles y The Kinks. En 1965 grabaron un simple con "You Really Got Me" y un tema propio "Like a Clown" . En 1968 graban el LP "Estamos Seguros" con Esteban Hirschfeld en teclados y sin Varela. Se trata de un disco de canciones de gran riqueza melódica y abundantes orquestaciones, muy representativo del periodo y recomendable. Cantan en inglés, sin embargo hay un tema en castellano de composición propia llamado "La Red". Has ta 1971 no volverán a grabar. Cuando lo hacen Hirschfeld ya no es de la partida. Incursionan más definidamente rock, cantado en castellano con letras que hablan de la problemática de los músicos locales en "Amiqos Sigue Igual". Con cambios en la formación continúan hasta la disolución en 1972.
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Eduardo Darnauchans Darnauchans no es estrictamente un músico de rock. Su estilo abarca los ritmos folk, la canción popular y las baladas. A partir de 1971 editó numerosos álbumes comprendidos en estas líneas estilísticas. La inclusión en esta sección es debida a que era una figura aceptada por la corriente beat y por el folclorismo. De alguna manera forma parte de aquellos a los que Alencar Pintos se refiere como jóvenes que "trabajan en la fusión de tendencias o como agentes dobles". Conozco muy parcialmente la discografía del autor, pero puedo recomendar el álbum cuya imagen se presenta, tercero del autor "Sansueña" que contiene temas en los estilos mencionados con muy buenas y delicadas melodías. Se destaca la participación de Jorge Galemire en guitarras, bajo y batería. ÍNDICE
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Días de Blues Días de Blues (73)
Tres de los miembros de Opus Alfa, continúan como Días de Blues, luego de la separación del cantante y del tecladista. Como es lógico de esperar se vuelcan hacia el blues aun con más firmeza, mostrando referencias de Hendrix y Cream entre otros. La base es muy sólida y Jorge Graf tiene, en la batería un despliegue más interesante que en en Opus Alfa. En las letras no eluden temas como el inconformismo social y las drogas, cosa que según parece no les hizo ganar ninguna simpatía en la autoridades uruguayas. Es un álbum interesante para quienes gustan del blues y el rock argentino o uruguayo, aunque es no demasiado catalogable como progresivo.
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Daniel Bertolone: guitarra, armónica, pianola, anófel, voz
Jorge Barral: guitarra, bajo, orringontófono, voz
Jorge Graf: batería, percusión vocal, pianola
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Los Shakers
La Conferencia Secreta del Toto's Bar (68)
Luego de publicar dos álbumes en la vertiente beat "Los Shakers"(65) y "For You" (66) la banda sorprende con esta apreciada joya de la sicodelia en la que incorporan excelentes momentos de jazz y de candombe. La influencia de The Beatles y de su "Sgt Pepper's..." es notable aunque de ninguna manera puede encontrarse el mínimo elemento de copia en el disco. Las melodías son muy agradables y correctas las voces. El nivel instrumental de los miembros es excelente superando al de muchas bandas británicas y norteamericanas del movimiento. "La Conferencia Secreta..." está considerado como una de las mejores obras realizadas en el Cono Sur en este periodo.
ÍNDICE
Hugo Fatorusso: guitarra, teclados, voz
Osvaldo Fatorusso: guitarra, voz
Roberto Capobianco: bajo, voz
Carlos Vila: batería, voz
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El Kinto Circa 1968
Otra banda pionera, que a la vez adquiere categoría mítica. Formada con integrantes de la última época de la banda beat "The Knights", cuenta entre sus filas a uno de los personajes fundamentales de la música popular uruguaya: Eduardo Mateo, además del polifacético Rubén Rada. Una dirección musical realmente original para el momento en que se desarrolló su música, entre el 68 y el 69. Es paradójico que El Kinto, con todo su bagaje innovador, su muy buen nivel instrumental, las excelentes voces de Rada y Mateo no llegara a grabar durante su existencia. Quien escuche la edición de este material no dejará de sorprenderse al enterarse que el material es producto del rescate del material grabado para las presentaciones en televisión en el programa Discódromo, en el que se solía hacer playback sobre registros hechos algunas horas antes. Musicalmente este "Candombe-Beat" es una fusión de pop psicodélico, candombe, bossa nova, rock y jazz. Sobre la preponderancia de percusiones en la instrumentación Rada comenta: "Nosotros fuimos anteriores a Santana". La edición en CD de Sondor se completa con grabaciones de "The Knights" y "Limonada". Trae un folleto con introducción de Jaime Roos y una excelente recopilación de la historia del grupo. Imperdible.
ÍNDICE
Rubén Rada: voz, percusión
Walter Cambón: guitarra
Eduardo Mateo: voz, guitarra
Urbano: bajo
Luis sosa: batería
Chichito Cabral: percusión
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El Sindykato Sindikato (70), El Syndikato (72), Vuelve a Tu País (74).
Los temas suenan algo anacrónicos (y no lo digo despectivamente), con temas más propios de los 60s, con orientación psicodélica remarcada por el interjuego de guitarra y de un órgano que en algunos temas rememora a "The Animals". La temática de las letras en diversa: desde los "viajes" en "Tren de Ratones", hasta la apología de una famosa fuga de criminales "La Fuga de La Carbonería", pasando por la criticas sociales y el amor. Es de tener en cuenta que uno de los temas trata sobre la historia de Graf Spee, embarcación alemana que protagonizó un episodio bélico en el Río de La Plata en los inicios de la Segunda Guerra Mundial. El candombe está presente pero no en todos los temas es un elemento preponderante. Un álbum desparejo con muy buenos momentos y otros olvidables.
Para el segundo álbum Livichich deja la banda y se incorporan Mario Poggi en Flauta dulce y Héctor Tejera en tumbadoras. Juan de Crescenzio se ocupa de la voz solista. La orientación musical oscila entre el candombe, la canción melancólica y algunos aproximaciones al barroco. Dentro de las prolijas instrumentaciones hay que destacar un enfoque más acústico. La resultante es un álbum más reposado, sin la energía de Livichich, pero con una mayor elaboración musical.
Vuelve a tu País es el tercer y último disco de la banda, que ahora debe sufrir la partida de de Crescenzio, Tizzi y Rial. Entran Mingo Roverano en batería, Bubby Paolillo y Water Venancio en bajo y Jorge Galemire en guitarra. Es aún más notable la inclinación hacia lo acústico. Ahora no solo está más incorporado el candombe sino también los ritmos folclóricos. La sección de percusión tiene momentos protagónicos al igual que los teclados, pero es la flauta el instrumento siempre presente, con interesantes pasajes instrumentales.
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Miguel Livichich: guitarra, voz
Juan Des Crescenzio: guitarra. voz
Oscar Rial: batería, percusión
Santiago Poggi: teclados
Carlos Tizzi: bajo
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Fatorusso, Hugo y Osvaldo La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo
Separados Los Shakers, antes de viajar a USA e iniciar el proyecto que derivará en Opa los hermanos Fatorussso realizan este álbum en la Argentina. Algunas ideas bosquejadas en la perla de Los Shakers, "La Conferencia Secreta del Toto´s Bar" y una suerte de prototipo de lo que será el trabajo de Opa se detectan en este curioso álbum. Cantan en inglés, aspecto que paradójicamente cambiará con su radicación en el norte. Acentúan el costado jazzero del bossa nova y no abandonan el toque psicodélico de la anterior experiencia grupal. Los hermanos Fattoruso se exponen como multiistrumentistas y Hugo demuestra su capacidad en los teclados. Particularmente el tema llamado “Poema de las cinco rosas” (uno de mis favoritos de este disco y de estos músicos) es taxativamente un bossa psicodélico con un impactante trabajo de órgano en una atmósfera enrarecida. Un disco que los seguidores de estos magníficos exponentes no deberían dejar de lado, el eslabón perdido entre los Shakers y Opa. ÍNDICE
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Génesis Maravillosa banda que a pesar de su trayectoria dilatada solo graba este excelente LP en 1972. Las composiciones pertenece en su mayor parte a Jorge Silva quien estampa en ellos el fabuloso sonido de su guitarra, a veces limpio y en la mayor parte de las oportunidades con fuzz, correctamente acompañado por la rítmica de Laborde y la base en la que se destaca el muy buen trabajo de batería de Yamandú Pérez. La voz de Patrón, quien colabora en varias de las composiciones tiene ese timbre peculiar que la hace inconfundiblemente uruguaya. Trabajan un rock enérgico y algo elaborado con tintes de psicodelia, jazz y por supuesto candombe. La edición en Cd cuenta también con cuatro temas que aparecieron en simples previos al LP , con Héctor Mosquera en el bajo y un sonido más salvaje y otros cuatro temas posteriores, de entre 1975 y 1976 con una formación diferente en la que permanecen Silva y Laborde. Incorporan teclados y probablemente mayor sutileza, pero la pérdida de la voz de Patrón es un precio muy alto.
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Eduardo Patrón: voz, percusión
Ruben Laborde: guitarra, voz
Jorge Silva: guitarra, voz
Carlos Souza: bajo
Yamandú Pérez: batería, percusión
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Hojas Mis Sueños Pierden (73)
Banda de Colonia que desarrolla en este álbum un rock de sencilla confección pero con muy buenos arreglos de rock, jazz y blues. Se destaca el trabajo siempre atractivo de la guitarra de Gustavo Badin, particularmente cuando se explaya en los solos. Presentan un cuidadoso trabajo de voces liderado por César Badin, aunque en algunos pasajes puede resultar algo empalagoso. Además del LP editan una serie de simples bajo el sello Sondor primero y Clave IEMSA más tarde donde editan simples en el 74 y el 76. Continúan activos hasta 1978
César Badin: voz y batería
Gustavo Badin: voz y guitarra
Julio Zabaleta: voz y guitarra
Jorge Ricca: voz y bajo ÍNDICE
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Jesús Jesús con Todos (73): primer disco solista del cantante de Opus Alfa. Como lo hace predecible el título se hace acompañar de gran cantidad de músicos: los integrantes de Opus Alfa, de Psiglo, Killers, etc. Psicoblues acústicos y R&R frenéticos en una ambientación anárquica en la que se "filtran" conversaciones entre los músicos, temas de estudio y presentaciones en vivo. Los seguidores de Psiglo disfrutarán enormemente la versión de "Cambiarás al Hombre".
Mágica Fuente (74): Un disco más estructurado, en el que encuentro muchos puntos de contacto con bandas argentinas como Pescado Rabioso e incluso El Reloj. El álbum es algo desparejo con temas muy buenos y otros bastante olvidables. Sin embargo me parece recomendable para quienes busquen explorar estas vertientes del rock. Participan también varios de los músicos del primer disco. Luego de esta grabación la vida de Jesús toma otros rumbos y se enrola en una secta religiosa de origen hindú.
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Miguel y El Comité Fuera de El Sindykato Miguel Livichich organiza esta banda que fusiona el candombe, el rock y el pop, con letras politizadas (baste escuchar "El Chofer" como muestra). Graban el disco "Para hacer música, para hacer..." en los estudios Sondor en 1972. Como es característico en este tipo de bandas la percusión tiene un rol preponderante, aunque es la guitarra el elemento distintivo, a veces melodiosa y otras con un sonido distorsionado, duro y ácido en temas como el que da nombre al álbum y en la fabulosa versión de "Que me importa" tema de Rada originariamente grabado por El Kinto. En "No Ves que No Cabe" la letra que, en mi opinión rechaza las costumbres "importadas" puede ser maliterpretada como un alegato anti hippie. El álbum cierra con un homenaje a Los Shakers con "Rompan Todo (divague)". Buen disco para los amantes de esta particular vertiente del rock uruguayo. Graban además algunos simples antes de separarse. Existe reedición en CD que se completa con material de Limonada y Leo Antúnez.
Miguel A. Livichich: voz, guitarra, tumbadoras.
Washington Pechetto: batería
Cacho Bengoechea: 1a. guitarra
José M. Sanguinetti: guitarra rítmica
Gustavo Luján: bajo
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Montevideo Blues
Dino (Gastón Ciarlo) ya había editado un álbum solista en 1970 cuando se embarca en este proyecto, junto a Julio Césa (Lelo) Surraco en percusión, Eduardo (Poch) Dittamo y Néstor Barnada en guitarra, José (Pepe) Martinez Día en batería, Horacio (Nino) Costa en bajo. Combinan el rock y el blues con elementos folclóricos, sin dejar de lado algunos ritmos de candombe. Hay que destacar los mensajes de las letras, con claras definiciones políticas y sociales. Abren el álbum con un clásico, "Milonga de Pelo Largo", más tarde versionada por Los Moonlights otra banda en la que participó Dino. "Para Hacer Música Para Hacer" es un tema de Miguel Livichich, también conocido en la versión de El Sindykato. "Un Color" pertenece a Chichito Cabral de El Kinto y Totem. El resto de los temas son de autoría de los miembros de la banda, en su mayoría conla firma de Dino. Entre otros "Pongamos Muchas Balas al Fusil", "Hermano Americano" y "Montevideo Blues". Entre los agradecimientos y participaciones figuran miembros de gran parte de las bandas de aquel momento: Moonlights, Tótem, Cold Cofee, Opus Alfa, Genesis y Los Sandías, por lo que se detecta el espíritu de colaboración entre los músicos de la época. Un álbum imprescindible para comprender el breve pero intenso fenómeno del rock uruguayo en los 70s.
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Moonlights Poco es lo que puedo comentar sobre esta banda porque solo he escuchado los temas recopilados en la colección "30 Años de Música Uruguaya" y no los álbumes y simples originales con la totalidad de los temas. Activos desde 1967 graban recién en 1970 un single que contiene una tibia versión de "Immigrat's Song" de Led Zeppelin Fundados en 1967, el grupo gir6 siempre en torno de los hermanos Sergio Iriarte en guitarra y voz Osvaldo Iriarte en bajo y voz, César Jover en primera guitarra y Quico Ciccone en batería. Rodolfo Fuentes comenta que la primera grabación en castellano fue el tema del simple "El Circo" de 1971. Al año siguiente ingresan integrantes de dos excelentes bandas Dino (Gastón Ciarlo) de Montevideo Blues y Yamandú Pérez de Génesis. Graban su primer LP con temas en castellano entre los que se encuentra otra versión de "Milonga de Pelo Largo" y otros temas interesantes, con buenas letras aunque no muy aventurados en los musical. Pérez y Dino se van de la banda con posterioridad aunque Dino retorna para el segundo LP de los ahora denominados Moonlíght llamado Hoy.
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Eduardo Mateo
Nuevamente nos encontramos con un músico que dificultosamente podemos catalogar como perteneciente al rock. Sin embargo Mateo es una figura insoslayable al habla de música popular uruguaya, generador de la agrupación El Kinto junto a Rubén Rada entre otros, precursor de esa peculiar fusión denominada candombe beat. Excelente compositor y maravilloso guitarrista es además un icono de la contracultura, figura ahora venerada, más allá de su vida casi marginal y de su muerte en la miseria. Sabido es lo dificultoso que era mantenerlo dentro de un estudio de grabación. Sin embargo, además de lo editado con El Kinto y Musicasión 4 1/2, Mateo graba durante los 70s dos LPs solistas (Mateo Solo Bien Se Lame y Cuerpo y Alma), un disco a dúo con el percusionista Trasante (Mateo y Trasante) además de colaboraciones con otros músicos. En lo personal creo que Mateo Solo Bien Se Lame es una obra absolutamente maravillosa que muestra toda la capacidad de este músico acompañándose de sus propias guitarras y percusiones. Las melodías son sencillamente perfectas para enmarcar las curiosas letras de Mateo. En la misma línea y casi tan recomendables en mi opinión son las otras obras de los 70s. Curiosamente en los 80s Mateo vuelve a grabar, esta vez incursionando en lo que podríamos llamar fusión electrónica, incluso con el aporte de máquinas de ritmo en el proyecto denominado La Máquina del Tiempo.
El material de los tres primeros álbumes esta reeditado en 2 cds en 1994 y 1995 (Mateo Clásico Vol 1-Mateo Solo Bien Se Lame y Cuerpo y Alma. Vol 2 - Mateo y Trasante y una selección de temas de El Kinto y Diana Denoir) La información de los cuadernillos está escrita por Jaime Roos. En el 2000 el sello el sello Perro Andaluz publica el DC "El Tartamudo con material previamente inédito de toda la trayectoria del cantante con un cuadernillo con muy completa información.
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Opa
Goldenwings (76), Magic Time (77).
Al separarse los Shakers los hermanos Fattoruso reciben el llamado desde USA de Ringo Thielman un ex compañero de Los Hot Blowers, banda en la que habían participado en los sesentas. Inicialmente Ringo iba a ocupar el rol de tecladista, pero las evidentes habilidades de Hugo lo hacen cumplir con este papel. Luego de tres años de tocar se contactan con Airto Moreira con quien realizan una gira. Pronto, en 1973, entran a grabar el disco “Fingers” de Morerira (el titulo está dado por el tema “Dedos” de Tótem). La banda se separa por problemas legales respecto a drogas de la esposa de Airto Moreira. Tiempo después OPA recibe la oferta de grabar en USA y producen su primer disco “Goldenwings” en 1976. Participan David Amaro en guitarra aportando una tónica roquera, Hermeto Pascoal en flauta en “Paper Buterflies” (que es en realidad una maravillosa versión del clásico de El Kinto “Muy lejos te vas”, compuesta por Rubén Rada y en esta caso cantada obviamente por los Fattoruso). Pascoal también hace percusión en “Tótem” (otro homenaje a los músicos uruguayos). Otro tema de Rada que aparece en el álbum es “African Bird”. La música de la banda muestra un perfecto ensamble con profusos cambios rítmicos y una enorme intensidad. Un equilibrado encuentro entre el jazz, rock y los ritmos latinos, particularmente de Uruguay y Brasil. Los roles de los tres miembros son excelentes, pero es seguramente Hugo Fattorusso quien se lleva las palmas con sus constantes paseos entre los teclados, con una destreza depurada, desplegando habilidades que lo llevan a ser considerado en aquel momento, entre los grandes tecladistas del jazz. En 1997 vuelven a grabar. Se trata del disco "Magic Time". Rubén Rada viaja y se incorpora como miembro estable en voz y percusión. Participa nuevamente Airto en percusión y el guitarrista es ahora Barry Finnerty. Lo que pierden en impetuosidad lo ganan en una extraordinaria concepción de climas y demostración de sutilezas. Desde la onírica melancolía de “Camino” hasta la expansiva alegría de “la cumbia de Andrés” exteriorizan un verdadero catalogo de emociones plasmadas en música. Capítulo aparte merecería la conmovedora versión de “Malísimo” de Rada, con un delicado equilibrio entre la ostentación instrumental y la emocional voz del Negro Rada. Estos imprescindibles discos están reeditados en CD. Existe una edición que contiene a ambos álbumes. Lamentablemente luego de "Magic Time" la banda se separa.
Hugo Fattoruso: teclados, voz, percusión
George Fattoruso: batería, voz, percusión
Ringo Thielman: bajo, voz
Ruben Rada: voz, percusión
Back Home (75) (pub: 1996)
Cuando la banda de Airto Moereira se separa luego de grabar “Fingers”, Opa se encuentra tocando en el circuito del jazz neoyorquino. En una de esas presentaciones el productor Larry Rosen los invita a grabar un demo en los estudios que tenía montados en su casa. En esas sesiones de 1975 se registran las primeras versiones de “Goldenwings”,”African Bird” y “Corre Niña”, además de una serie de temas inéditos como “Brother Rada”, “Back Home” y otros entre ellos la casi bizarra inclusión de “Never Can Say Goodbay” de Clfton Davis. Es una verdadera delicia poder contar con este material previo a la grabación del primer álbum con una muy buena calidad de sonido y completa información. Editada por el sello uruguayo Perro Andaluz.
Quienes busquen completar el material de la banda cuentan también con "Opa en Vivo 87' & Rarities" del sello Melopea con la edición de la reunión de la banda en Uruguay y 3 bonus tracks (de sonido deficiente), entre ellos "Brother Rada".
"A los Shakers" (81)
Ya fuera de los 70s, los miembros de los Opa, los hermanos Fattoruso, Ringo Thielman y Rubén Rada se reúnen junto a algunos invitados para "homenajear" su pasado como Los Shakers, sin dejar de lado a The Beatles. Graban un excelente álbum titulado "A los Shakers". Más allá de recordar los viejos tiempos estos "Otroshakers" juegan a mostrarnos una suerte de realidad alternativa en la que la banda beat incursiona en los terrenos de la fusión. Es en realidad un nuevo capítulo de la obra de Opa.
Hugo Fattoruso
Osvaldo Fattoruso (¡ya no es George!)
Ringo Thielman
Ruben Rada
Carol Moore
María de Fátima
El Chino Matías
Ciruela Fattoruso
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Opus Alfa Opus Alfa (72)
En la música de Opus Alfa predomina netamente el blues, aunque no falta el rock duro, el tango y la psicodelia. La voz de Jesús Figueroa suena potente y bien "a la uruguaya". La base de bajo y batería no presenta una gran ductilidad pero si una enorme firmeza, sobre la que se apoyan los pasajes de órgano y guitarra eléctrica. Estos momentos que incluyen contrapuntos entre estos dos instrumentos son lo más atrayente del álbum. En algunos temas se incorpora la flauta ("Padre"), ofreciendo mayor sutileza. En "Tango" el órgano ocupa el lugar del bandoneón. El álbum no conformará a quienes buscan exquisiteces progresivas, pero agradará a quienes gusten del rock rioplatense que no esconde sus raíces.
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Daniel Bertolone: guitarra, bajo, flauta, voz
Jorge Barral: bajo, guitarra
Jesús M. Figueroa: voz
Atiliano Gil Losada: teclados, violín
Jorge Graf: batería, violín
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Pippo: A Buen Puerto
Pippo Spera ha sido inmortalizado en el hermoso relato de la canción cuya letra escribió Mateo y que es conocida en su versión por El Kinto. Integrante de la agrupación psicodélica Cold Cofee. Durante los años 70s Spera se presenta con una agrupación a la que llamaba "A buen puerto" y así es el nombre de su primer trabajo solista. Intervienen: Trasante en percusión, A. Magnone en piano, Federico Vigil y E. Márquez en bajo, José sosa en batería, Pato Rovés además del mismo Pippo en guitarra y voz. Notables influencias de Mateo, en un estilo que oscila entre la canción el rock y los aires brasileños del bossa. Incluso hay un par de temas cantados en portugués. No debe esperarse un álbum de rock sino el típico disco de cantautor.
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Psiglo Ideación (72) Psiglo II (74)
El primer álbum nos muestra una banda sólida con un atractivo despliegue de órgano y guitarra eléctrica. Sin embargo lo más cautivante es el excelente desempeño de su baterista Gonzalo Farrugia, quien algunos años más tarde sería integrante de la banda argentina Crucis. El rock fuerte y algo elaborado ("Sienteme") alterna con canciones de buenas melodías ("Catalina") y algunos temas cercanos a Traffic ("En un lugar...") o a Deep Purple ("Vuela a mi Galaxia"). Para el segundo álbum Luis Cesio se ha ido. Sin embargo lejos de derrumbarse la banda logra un estilo más homogéneo con un sonido más compacto. Rechac cumple bien su papel en la guitarra, pero ahora Jorge García tiene más espacio para su magnífico órgano y la banda desarrolla más pasajes instrumentales, destacándose el ritmo vertiginoso de "El Juglar y Yo"(no perderse el recitado casi al final). No falta una melodía que recuerde vagamente a "Catalina" como es "Cambiarás al Hombre". Lamentablemente el álbum no fue editado hasta 1977. La edición en CD presenta los dos álbumes en uno.
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Rubén Melogno: voz, percusión
Gonzalo Farrugia: batería
Luis Cesio: guitarra
César Rechac: bajo
Jorge García: teclados
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Rubén Rada
Indudablemente una de las figuras más trascendentes dentro de la historia del candombe y el rock uruguayo. Se inició muy joven en la música con los Hot Blowers una agrupación de jazz de Montevideo, integrante de la mítica banda El Kinto a fines de los 60scomo cantante, percusionista y compositor, tuvo su debut discográfico solista en 1969 con Las Manzanas (actualmente reeditado en cd) mostrando desde ese entonces su capacidad como compositor y como cantante que pasa del dramatismo al inocente sentido del humor. Pronto integra Tótem, participando en sus dos primeros discos. En 1972 edita otro solista, Rada y en 1974 Camerata Punta del Este, además de participar en Argentina de una experiencia grupal llamada S.O.S. con los que grabaría un álbum Sus actuaciones en vivo presentan una enorme fuerza que según las criticas de la época no se logran apreciar en sus álbumes. En 1975 sale Radeces, un álbum maravilloso acompañado por Marcos Szpiro en guitarra, Roberto Giordano en bajo, Santiago Ameijenda en batería, Trasante en percusión y el conocido actor cómico Julio Frade en piano entre otros. Nuevamente demuestra su enorme capacidad interpretativa en verdaderos clásicos como Malísimo, Ayer te Vi o La Rada. Existe reedición digital. En 1977 viaja a USA para integrarse a Opa, quienes ya habían grabado un álbum (Goldenwings) que incluía composiciones suyas. De regreso a Sudamérica se instala en Argentina donde genera el conocido proyecto de La Banda para terminar la década con un álbum de la agrupación en la que participan Bernardo Baraj en saxos, Beny Izaguirre en trompeta, Jorge Navarro en teclados, Ricardo Sanz en bajo y Luis Cerávolo en batería. La combinación de jazz, rock y candombe que ya había sido tratada en Opa muestra aquí otra resultante, incluso incluyendo algunos de los temas ya tocados en la banda de los Fatorusso como Malísimo (también en Radeces) ó La música es mi Amor. En la actualidad están disponibles dos volúmenes de Lo Mejor de Rada con parte de su discografía de los 70s, que son interesantes para introducirse en la obra de este enorme músico.
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Sexteto Electrónico Moderno Simplemente una banda que realizaba prolijas versiones instrumentales de temas conocidos internacionalmente. Gozaron de cierta fama y se entremezclaron con las primeras bandas beat de Montevideo en los 60s. Tal vez el hecho más importante es que entre sus filas estaba el tecladista Armando Tirelli, cuyo álbum "El Profeta" tiene cierto prestigio entre los coleccionistas de rock sinfónico. Integraba el sexteto el baterista Juan Carlos Shepard que también actuó en ese álbum de Tirelli, además de Daniel Peña en saxo, Juan M. Oliveira en guitarra, Julio Seoane en bajo y Daniel Podestá en piano electrónico. Grabaron dos LPs de características similares y a principios ed los 70s se trasladaron a Norteamérica.
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Armando Tirelli El Profeta (78)
Armando Tirelli formó parte como tecladista del Sexteto Electrónico Moderno que gozó de cierta popularidad a fines de los 60s. Casi una década después produce un álbum basado en la obra "El Profeta" de Khalil Gibran. Muchas críticas particularmente anglosajonas describen a este álbum como sumamente interesante. Tirelli demuestra con claridad un excelente manejo de los diferentes teclados y podemos encontrar pasajes verdaderamente brillantes en los que con un buen apoyo del resto de los músicos los teclados adquieren permanentemente el protagonismo y hasta tímidas pero interesantes incursiones en la fusión y algunos ritmos latinos, pero lamentablemente se entremezclan con narraciones, tonadas melosas y poco imaginativos segmentos sinfónicos, que hacen que personalmente lo considere algo aburrido, ampuloso y por momentos casi bizarro. Una verdadera pena porque podría haber sido un excelente disco. Se trata ciertamente de algo bien diferente de lo que generalmente es conocido dentro del rock uruguayo y hasta donde se la primera incursión sinfónica de este país.
Armando Tirelli: piano, mellotron, sintetizador, órgano, voz
J. C. Sheppard y Ricardo Bozas,: batería
J. Carrara: bajo
G. Bregstein y G. Chaibun: vientos
Rody Troccli: guitarra
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Totem Totem (71) Descarga (72) Tótem III (73)
La fusión de rock, jazz y candombe da como resultado un inquietante estilo que algunos parangonan con el de Santana, aunque el parecido estaría solo en el hecho de que ambas bandas recurren a ritmos afroamericanos. Sin embargo en algunos temas no puede negarse una cierta aproximación. Los músicos provienen de diferentes corrientes, pero la mayoría han tenido su escuela en el jazz. Editan el primer álbum en el 71. En sus letras pueden describir las características del pueblo uruguayo ("Dedos") o expresar la "protesta" ("Biafra"). En estos temas Rada se destaca como un excelente cantante. El segundo disco, del 72, conserva estas características, pero presenta una discreta pero mayor inclinación al jazz y recurren a pasajes instrumentales más prolongados. Estos dos discos están editados en un solo CD. En 1973 editan otro álbum sin Legarde ni Rada. Tótem III, a pesar de las bajas es un excelente álbum con un presente aunque menor aporte de los ritmos de candombe, más inmerso en el contexto de la fusión jazz rock conservando una impresionante fuerza y riqueza melódica. Se encuentra reeditado en la colección "30 años de Música Uruguaya". Es recomendable como toda la obra de esta excelente banda.
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Rubén Rada: voz, percusión.
Enrique Rey: guitarra, voz
Eduardo Uzeta: guitarra, voz
Daniel Lagarde: bajo
Roberto Galleti: batería
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Zócalo Con una fuerte tendencia a las canciones de corte beat, matizadas con R&R. La huella de The Beatles es notable en muchas de las canciones. No es para destacar la temática de las letras, orientadas principalmente a la temática amorosa. Lo más atractivo es el trabajo de la base rítmica, particularmente en lo que hace al bajo. Concientes del mejor nivel de este instrumentista el bajo se destaca por sobre los demás instrumentos, muchas veces en forma exagerada. La composición está en manos de Polo (guitarra rítmica) y Angel (justamente el bajista). En algunos temas incursionan tangencialmente en los ritmos latinos (Ven, Ven Bea) logrando algunos de los mejores momentos del disco. Angel (Armagno) participó de la formación de Díaz de Blues y fue parte del famosa agrupación de actores humorísticos uruguayos Telecataplum.
Antonio: Guitarra
Polo: Guitarra
Ángel: Bajo
Pedro: Teclados
El Mamut: Tumbadoras
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Rock Nacional 1971-1976 1) Amigos Sigue Igual, por Los Delfines, buen rock con una interesante guitarra y acompañamiento de piano. Letra con nacionalismo y protesta contra músicos extranjeros.
2) Mi Ciudad ( A Través De La Ventana ), por Hojas, con uno de sus temas más exitosos, una balada sin mayores pretensiones.
3) Sorpresas De Mi Chica, por La Legión (no llegó a grabar un LP), rock algo básico con riffs de guitarra a lo Pappo´s Blues, con letra poco destacable sobre la paternidad no deseada.
4) Comprenderán, por Parvas, rock & roll acelerado con algún toque de sutileza en manos de la guitarra, comparable con El Reloj de Argentina.
5) Calma De Un Día, interesante selección de Opus Alfa con muy buen trabajo de guitarra y órgano.
6) Nena Diablo, por Jesús, un R&R olvidable.
7) Gente Sin Camino, por Psiglo, muy buen tema de un simple no incluido en el cd que recopila los dos álbumes.
8) Milonga De Pelo Largo, por los Moonlights, balada muy bien cantada muy exitosa en aquellos años.
9) Vamos A Mirarnos Mas De Frente, por Urbano (El Kinto) buen tema, interesante guitarra acompañada de órgano.
10) Esto es Nuestro, Días de Blues, haciendo... un blues.
11) Se va Muriendo mi Aldea, Jorge Barral, ex Opus Alfa, ex Días de Blues haciendo...un blues.
ROCK NACIONAL: Trascripción completa del cuadernillo que acompaña a la edición de este CD recopilatorio. Con la biografía de los músicos y bandas del Rock Uruguayo
Selección de temas por Rodolfo Fuentes y Enrique Pereyra para los estudios Sondor. Una muy buena muestra del rock uruguayo, aunque no incluye las bandas más orientadas al candombe beat. Originalmente se proyectó un Vol. 2 con estas bandas, pero lamentablemente aún no ha sido editado.
Musicasión 4 1/2 Contiene material grabado en los estudios Sondor entre 1966 y 1969. Imprescindible documento de la gestación del rock uruguayo con la aparición de El Kinto y protagonismos de Mateo, Rada, Urbano en temas como "Suena blanca espuma", "Mejor me voy""Muy lejos te vas", "Principe azul", etc. Mateo acompañándose con Federico Figares (violín) en "Margaritas Rojas", con Verónica Indart en "Nombre" y con Reinaldo (piano), Urbano improvisando letra y musica en "Musicasión III". Entre los temas aparecen comentarios divagantes de Horacio Buscaglia, responsable junto a Mateo de los 4 festivales realizados en 1969 que dan nombre a este disco. En la contratapa aparecen interesantes comentarios sobre el origen de los temas.
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TOM TROVADOR |
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Tom (Tomtrovador en la red) es un músico formado en las calles de Sevilla. Allí formó parte de diversos grupos como Los Sudakas, Hébridas (que grabaron un EP y un LP con Elephant Records) y Barón von Benz y los Chevrolet.
A los 24 años viajó a Tenerife, donde montó un trío llamado Los Dos. Fue entonces cuando se decidió a dedicarse por entero a la música y dejar de lado su oficio de cocinero.
Pasó dos años en la carretera, tocando por garitos, salas y pequeños festivales de media España y gran parte de Europa, hasta que finalmente decidió instalarse en Galicia en verano del 99. Un año después grabaría su primer disco como Tom, acompañado por músicos gallegos. El trabajo se llamó Modus Vivendi, en agradecimiento al local santiagués del mismo nombre en el que lleva tocando ininterrumpidamente hasta la fecha de hoy todos los miércoles desde octubre del 99. Los demás días de la semana aprovecha para hacer más conciertos, principalmente en Galicia, manteniéndose en una media de unos 12 al mes.
Actualmente está preparando su segundo disco.
filosofía de su música -----------------------------------------------
Los conciertos de Tom son totalmente improvisados. En el escenario desarrolla un talento natural para conectar con cualquier tipo de público y consigue que éste se implique en el espectáculo casi desde el primer acorde.
En sus composiciones recoge influencias musicales muy diversas: rumba, rocanrol, pop...con unas letras llenas de vitalismo en las que desnuda sus sentimientos o cuenta divertidos episodios de su existencia.Mis abuelos eran de Málaga y Estepona (Málaga), pero muy jovencitos fueron a vivir a Tánger (Marruecos), ciudad en la que nacieron mis padres. Después de casarse se trasladaron a Suiza, donde nacimos mi hermano y yo (31 de Octubre de 1971), pero en el 75 nos trasladamos todos a Madrid. 10 años más tarde habría una nueva mudanza, esta vez a Sevilla. Fue allí donde empecé a tocar la guitarra.
Nos juntamos unos colegas de San Juan de Aznalfarache y montamos un grupo de rocanrol
con el horrible nombre de Los Sudakas. Yo era el de los punteos, y el que tocaba la armónica era el Angelito (Miguel Angel Rodríguez), que se dio cuenta de que para hacerse famoso lo mejor que hacía era irse a Barcelona y fundar un grupo que se llamase Los Mojinos Escozíos. Y lo consiguió.
Yo me pasé a otro grupo de San Juan: Los Hébridas. Ya llevaban tres años practicando un pop muy fresco. Poco después se unió Sandra como cantante y su voz enamoró a Luis Calvo de Elefant Records. Nos grabó un EP-"Con ojos de niño" y un LP-"¿Quién dijo mieo?". Todo iba muy bien hasta que de pronto el grupo se disolvió.
Entonces llegó de Holanda un superguitarrista, Teye Winterp, que junto conmigo al bajo y con Capote a la batería montó un trío explosivo que se llamó Barón von Benz y los Chevrolet. En directo era un cañón: sobredosis de Rock and Roll, pero pronto Teye tuvo que irse a tocar a Estados Unidos con Joe Ely.
Durante todo este tiempo, yo había compaginado estudios, trabajos y grupos con lo que realmente me iba a dar de comer, sin siquiera imaginarlo: juntarme con los colegas en cualquier esquina, plaza, playa o acampada, tocando la guitarra y cantando todas las canciones que me sabía y las que no me sabía. Las guitarras solían pasar de mano en mano, junto con la Cruzcampo, el tinto de verano y el fortuna. Toda una cultura callejera.
A los 24 años acabé la prestación social y me decidí por fin a viajar. Fui a Tenerife a trabajar de cocinero. Al año de estar allí explotado conocí por fin a unos músicos que tenían un grupo en El Médano. Un buen día, casi por casualidad, Juanjo Padilla (guitarrista de esta banda) y yo fuimos a tocar un domingo a un bar de tapas llamado bar Timón. Fue una locura; en mi vida lo pasé tan bien. Aquella noche me di cuenta de que podía colgar el cuchillo de cocina y viajar alegremente por el mundo con la guitarra y una sonrisa. Empezamos a tocar por todos los garitos de Tenerife y La Gomera. Nos llamábamos Los Dos. Pronto se unió Carlitos, un bongosero de Vigo. "Da igual", decía Juanjo, nos seguiremos llamando Los Dos. Yo tocaba y cantaba todo lo que se me venía a la cabeza, improvisando repertorios impensables y ellos me seguían como podían. La consigna era: "Vale todo". Hasta la fecha de hoy, creo que he logrado conservar ese espíritu de frescura a la hora de tocar.
Paralelamente monté un trío con Marco al bajo y Paula a la batería. Yo tocaba la eléctrica y preparamos un repertorio de temas propios, pero antes de que saliésemos a tocar por ahí decidí de pronto irme a Holanda.
Primero pasé unos meses en Sevilla con mi familia mientras arreglaba los papeles del coche. Aproveché para tocar en Sevilla, Extremadura, Portugal y Avila, casi siempre en pueblos. Cuando estuve listo me llamó Carlitos desde Vigo proponiéndome venirse conmigo a Holanda, no sin antes hacer tres conciertillos cerca de Vigo. Yo encantado. Salieron tan bien que en vez de tres días, nos quedamos un mes en Galicia, tocando dos días sí, uno no. Fue en Julio del 98. El 1 de Agosto llegamos a Holanda y estuvimos tocando en todos los garitos que pudimos durante los 5 meses de estancia. Viajábamos por Holanda, Alemania y Bélgica, ya que vivíamos en Roermond, un pueblito fronterizo, en casa de nuestro buen amigo Jörki. Para navidades volvimos a España y decidí continuar con mi "carrera artística" en solitario.Pasé el invierno tocando por el sur y la primavera por Madrid, pero al final me decidí a hacer lo que realmente me apetecía: volver a Galicia. Llegué el 1 de Julio del 99 y aquí sigo. Viví primero en Nigrán, luego en Porto Meloxo (O Grobe) y finalmente en Moraña, donde resido actualmente. Poco a poco me he ido abriendo un hueco en la escena musical gallega. Al cabo de un año conseguí reunir a unos buenos músicos y amigos para grabar un CD de 8 temas que me habían ido viniendo a la cabeza entre tanto viaje. Grabado en 5 días en Estudios Fusión con Javier Abreu.
El disco se llamó Modus Vivendi en agradecimiento al local del mismo nombre en el que llevo tocando todos los miércoles ininterrumpidamente desde Octubre del 99 hasta el día de hoy. Todas las semanas se llena de gente y alegría y casi siempre vienen otros artistas y músicos de todas partes encantados de tocar rodeados de un ambiente tan acogedor. Estoy muy contento y orgulloso de haber conseguido algo tan bonito. Los demás días de la semana salgo a tocar a otros locales, fiestas, festivales, etc. Me mantengo en una media de unos tres conciertos por semana en invierno y cuatro o cinco en verano. Ahora acabo de grabar unos temas nuevos y ando mirando a ver si alguien me echa una mano para publicarlos.
Los conciertos siguen siendo improvisados. Se trata de un verdadero espectáculo en el que el público participa casi desde el primer momento haciendo coros, cantando y bailando. El repertorio va surgiendo en base a la respuesta de la gente. Por eso suele ser un éxito. Energía, imaginación, alegría, sentimiento...y más energía. Nunca se acaba.
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